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标题: 欧美音乐风格介绍&代表乐队介绍（更新ing） [打印本页]
作者: Raito    时间: 2007-7-10 22:42     标题: 欧美音乐风格介绍&代表乐队介绍（更新ing）

1.Acid Jazz（酸性爵士）
        这类音乐是成长在爵士、funk、hip-hop之间的音乐。酸性爵士有三个基本元素：它作为一个极富力度的撞击而存在，起初的风格类似于爵士和非洲古巴舞曲，但是它又固执的游离在funk,hip-hop和舞曲音乐之间。1998年，最初它出现在作为美国唱片的说明性短语和重新发行的70年代的英语歌收录辑系列的标题中，被Brits称作在80年代中期再现的特别的夹缝音乐。在80年代中期和90年代初，一些酸性爵士的艺术家们显露出来：出现了一些乐队，如Stereo MCs,Jame Taylor Quartet,the Brand New Heavies,Groove Collective,Galliano和Jamiroquai,以及一些室内音乐设计，象Palm Skin,Productions,Mondo Grosso,Outside和United Future Organization等等。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the 69 Eyes



        早在20世纪90年代，芬兰首都赫尔辛基，5个身穿黑皮夹克的年轻人走到了一起，组了乐队，名字叫做‘THE 69 EYES‘。他们签约在了一家独立唱片公司Gaga Goodies,然后在瑞典，英国和意大利等各地演出，十分频繁。以至在没出专辑前许多歌迷就已经认识了这个来自芬兰的乐队。"WASTING THE DAWN"是THE 69 EYES在ROADRUNNER RECORDS全球发行的第一张专辑，这张专辑在乐队本身简单有力的特点上融合了歌特的氛围，非常独特的GOTHIC ROCK，给人一种耳目一新的感觉，单曲wasting the dawn最为优秀。凭借这张专辑，THE 69 EYES取得了很大的成功，也得到了很高的评价。人们曾经幻想着出现一只介于The Cult和Type O Negative音乐之间的乐队现在他出现了，就是THE 69 EYES。2000年，单曲GOTHIC GIRL发行了，这首歌在芬兰国家广播电台的TOP10 playlists上持续了一个多月，受到了前所未有的欢迎。随后乐队发行了第二张正式专辑"BLESSED BE" 。这张专辑的总制作人是JOHNNY LEE ，他为乐队做了大量的工作，包括所有的键盘部分都是他完成的，他也是一位非常有名的电影配乐制作人。这张专辑以后，在2000年8月开始到德国演出，也参加了the huge Mera Luna Gothic festival。专辑BLESSED BE取得了非常好的销量。这也是我最喜欢一张专辑！这一年乐队一直忙于各地的巡演。芬兰最大的音乐杂志Soundi 评选THE 69 EYES为这一年芬兰最优秀的乐队！

Jamiroquai  



        1993年，Jamiroquai乐队的出现的确使人精神一震，因为它标新立异，与众不同，尤其是它那种非常funky的Acid-jazz风格，似乎与90年代格格不入。乐队成员包括：主唱Jason `jay\'Kay、贝司手Stuart（斯图尔特）、吹管乐手Wallis（华立士）、键盘手Toby（托比）和鼓手Derrick（德立克）。乐队的名字是根据印第安部落Iroquois而起的，该部落捻钪婕瓷骇的崇拜和对大自然的敬畏曾深深影响过乐队的核心－主唱Jason `jay\' Kay。他们凭着一首在Acid Jazz唱片公司的单曲－When You Gonna Learn?（你何时能学？），就被索尼公司看中，签了八个专辑的合同.Kay，1969年生于英国伦敦，他母亲Karen Kay是个爵士歌手。他从小深受Sly Stone, Gil Scott Heron和Roy Ayers的影响，并把这些影响重新诠释后，带入了90年代的流行模式（结合New Age的神秘主义和日益壮大的城市Funk运动）。他以前是个霹雳舞舞手，1986年他曾在Morgan Khan的Streetsound唱片公司出过一支hip-hop风格的单曲。他第一支由主流唱片公司出版的单曲Too Young To Die立刻闯入英国十佳榜，这是一首中速、带有70年代中期爵士/疯客风格的曲子，在厚实的贝司声线的支持下，尖锐的号声、喘息般的键盘、带着啸叫的吉他和快速的鼓点，再加上主唱的声线有机地排列，这听上去实在象20多年前早期的Kool & The Gang，EWF，The Crusaders的某些作品。同时，第一个专辑Emergency On Planet Earth（地球告急）成为专辑榜冠军，全球销量超过两百万张。这样的成绩并不出人意料，当那些已经腻味喧嚣的Grunge和绵软情歌的年轻人听到这种全新而讨巧声响－老派的爵士风格融合现代可舞性的Funky节奏配上极美妙嗓音，并从MTV精致的画面上看到Kay极个性化的时装、潇洒的舞姿（别忘了他曾是个霹雳舞手）以及目前欧洲非常流行的撔氯死郐形象.
[MP3]http://renyq.wz66.com/uploadfiles/2006-8/826233219.mp3[/MP3]

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-5 23:05 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-11 11:12

2.Acid Rock（酸性摇滚）
        酸性摇滚是幻觉摇滚的一种激烈、大声的变奏。它吸取了盛期已过的Cream和Jimi Hendrix即席演奏的精华。酸性乐队依赖变奏的吉它、柔美的歌声和长时间的即兴表演。酸性摇滚存在的时间并不长——在幻觉剂的生命期限里，它不断的发展并形成一个中心——最后没有解散的乐队演变成了重金属乐队。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Jimi Hendrix



        斯.马歇尔.亨德里克斯(James Marshall Hendrix)，1942年11月27日出生于华盛顿州的西雅图。吉米.亨德里克斯生长于一个贫穷的黑人家庭，他是摇滚历史上最伟大的电吉他天才和60年代末唱片工业摧毁力量的牺牲品。亨德里克斯在上学期间就自学吉他，并热衷于听南方布鲁斯歌手的作品，从罗伯特.约翰逊(Robert Johnson)到B.B.金(B. B. King)。1961年，他在美国伞兵服役期间，在部队俱乐部演奏音乐，并结识了贝司手比利.考克斯(Billy Cox)。在亨德里克斯以后的生涯中，他对亨德里克斯的帮助很大。退役后，亨德里克斯参加了一些音乐家的演出。在他移居纽约之前，他还与小理查德(LittleRichard)、艾克和蒂娜.特纳(Ike and Tina Turner)合作过。当他在纽约的黑人俱乐部里为“艾斯利兄弟"(IsleyBrothers)、金.柯蒂斯(King Curtis)和其他乐队伴奏时，被实业家埃德.查普林发现，并与他签订了录音合同，还使他成了“柯蒂斯骑士”(Curtis Knight)乐队的主音吉他手。同时，亨德里克斯作为一个吉他手的绝顶天赋被前“动物”(Animals)乐队的贝司手蔡斯.钱德勒(Chas Chandler)所赏识，并向他许愿把他培养成顶级歌星。亨德里克斯被他打动了，并于1966年随他到了英国。在伦敦，“吉米.亨德里克斯经验”(Jimi Hendrix xperience)乐队组建，这是一支有魔力的三人乐队，主音吉他兼主唱亨德里克斯，贝司手诺埃尔.雷丁(Noel Rid ding)和鼓手米奇.米切尔(Mitch Mitchell)。该乐队几乎一夜成名，尤其是亨德里克斯引起了英国流行音乐界的极大关注，据报道，那年冬天，埃里克.克拉普顿(Eric Clapton)和皮特.汤森(PeteTownshend)观看了他所有的演出。1967年夏，他成功地进行了英国、德国和斯堪的纳维亚巡回演出，并录制了热门单曲“嘿，乔”(Hey Joe)和“紫雾”(Purple Haze)以及专辑《你经历过吗?》(AreYouExperienced?)在保罗.麦卡特尼(Paul McCartney)的大力推荐下，他参加了蒙特雷音乐节，他的成功使他跻身于世界超一流歌星的行列。作为一名黑人歌星，人们注意到，他的听众几乎都是白人，他是第一位赢得所有白人听众的黑人歌星。1969年，他却面临巨大的政治压力——黑人团结，但他并不懂政治，因此感到不解和紧张。在商业方面，1968年是最成功的一年，《像爱一样勇敢》(Axis: Bold As Love)(1969)和《电子女儿国》(ElectricLadyand)都成为金唱片，他还从音乐会及无可争辩的超级歌星的身份中赚取了大量的金钱。在1968年底，他被认为是其他“激进摇滚”吉他手的鼻祖。他那忧郁而激动人心的独特风格，体现了强烈的布鲁斯音乐的情感。爵士乐大师迈尔斯.戴维斯(Miles Davis)甚至预言他将成为一名伟大的爵士乐吉他手。他的演奏具有很浓的实验色彩，把电吉他的技巧和功效发挥到了不可思议的地步。但当他进一步成功时，麻烦也随之而来了。1968年1月，他因与贝司手诺埃尔.雷丁争吵斗殴而被拘留，这标志着乐队成员之间的关系激剧恶化。一个月之后，在他第二次环美旅行演出中，他放弃了舞台表演中所有花哨和噱头，直接表现他那复杂的音乐。这一举动遭到了观众的反对，亨德里克斯为逃避这种反应，取消了47天中的54场演出，并用大量吸毒的狂乱生活方式麻醉自己。他消瘦了许多，并指责他的经理人对他的钱财管理不当。除了他的魔力在公众中的巨大影响，1969年却是一个不顺之年，他的经理人蔡斯.钱德勒被解雇，“吉米.亨德里克斯经验”乐队解散，一个多伦多的毒品贩子控制了他，整整一年，金钱如流水般地花掉，他的私生活更加无序。同时，他还面临来自黑人听众的巨大政治压力，要求他组建一支全黑人乐队。尽管他在纽波特音乐节上露面，并重新启用米奇.米切尔，还邀请他的朋友比利.考克斯(Billy Cox)任贝司手，他的现场演出还是比以前大大减少了。一个月后，他在伍德斯托克音乐节露面，这是他音乐生涯中的最后高潮，同年12月，他的全黑人乐队(“吉普赛人乐队”(Band of Gypsies)终于组成)，但他对乐队第1张专辑并不满意，不久在纽约麦迪逊广场花园演唱会后“吉普赛人乐队”宣告解散。此时，他还在准备下一个双张套专辑《新升太阳的第一束光》(FirstRays of the New Rising Sun)。此后，亨德里克斯重组“吉普赛人乐队”，乐队由亨德里克斯、考克斯和巴迪.迈尔斯(Buddy Miles)组成，到夏威夷拍电影，开更多的演唱会，在新开的“电子女儿国”录音棚里录音。8月份，他最后一次离开美国，参加怀特岛音乐节。当时舆论认为他那次表演水平并不高，可现在回想起来，那次表演依然十分出色，接下来的欧洲巡回演出被缩短了。亨德里克斯于9月中旬回到英国。1970年9月18日，他因过量服用安眠药剧烈呕吐窒息而死。当时亨德里克斯心理压力很大，种种迹象表明他并非自杀——他的死只是个悲剧事件。许多人认为亨德里克斯死的时候，灵感已枯竭。
我们不能说他在70年代的作品缺乏创造力，不幸的是亨德里克斯的音乐深奥重要之处已被营利目的搞的面目全非——《新太阳的第一束光》这张未完成专辑中的大部分歌曲被收录在亨德里克斯死后最初出版的两张专辑《爱之哭泣》(Cry of Love)和《彩虹桥》(Rainbow Bridge)。  
推荐歌曲：Purple Haze（点击下载）

Primal Scream



        Primal Scream的经历可以用多方的角度来解读，就像80到90年代的英伦的独立摇滚乐一样。Bobby Gillespie在80年代的中期初创乐队，而那时他仍作为英国的另一只同Primal Scream音乐风格截然相反的噪音摇滚乐队the Jesus & Mary Chain 的鼓手。在经过一段时间的朋克硬摇滚风格的创作后，在90年代早期他们彻底转变为一只舞曲乐队。紧跟the Stone Roses 和Happy Mondy对流行和Acid－house的融合。 1991年，在制作人Andrew Wertherall和Hugo Nicholson的协助下， Primal Scream创作了一张完全将独立流行乐和舞曲融合在一起的专辑《Screamdelica》。Screamdelica打破了90年代英伦流行乐的划定，并使舞曲和Techno被主流摇滚乐广泛接受。80年代，英伦的地下音乐己经被正处于萌芽的Acid－House所支配。Primal Scream也深深的被这种新兴的舞曲音乐所吸引。之后他们求助于他们的一个名叫Andrw Weatherall的DJ，从新混缩他们的一首老歌"I\'m Losing More Than I\'ll Ever Have。" Weatherall从新打造个这首歌，在其中加入了沉重的贝斯并配了一部分雷鬼乐的回声，删除了原曲中的大部分的配器（甚至是吉他部分），之后从新加入一轨采样的音效（包括Peter Fonda的一段“the wild angle”的对白）。新的混音版本被命名为"Loaded," 并且取得了巨大的成功。 "Come Together," 是他们即将到来的第三张专辑的第一只单曲，同之前的那首"Loaded,"有着相同的曲风，并受到广泛的称赞。
推荐歌曲：loaded（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-7-12 12:35 AM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-11 15:26

3.Acid Techno（酸性数码）
        当80年代中期酸性室内音乐缄默的时候，却成了年青一代沉进去加深印象的时期，他们变得十分容易受声音的影响。在90年代初，他们中的一些人开始做音乐，并人让声音去适应技术而不是象古典芝加哥室内音乐那样是一种柔美和暖调的风格，和早期的德国Trance十分相似。酸性数码包括许多早期的唱片，如Aphex Twin,Plastikman,和Dave Clarke等等。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Aphex Twin



        上世纪八十年代中后期，年仅十四岁的Richard D. James已经开始蹲在合成器旁制造迷幻氛围的试验音乐了，那个时代高科技艺人还处在舆论抨击的夹缝中，验证电子音乐的市场前景的确是件费力不讨好的苦差事。当年他以Aphex Twin的名字录制的单曲“Didgeridoo”成为氛围高科技摇滚的第一块试金石，身为DJ的他或许没有意识到自己正在尝试一种全新的摇滚风格，当时这种新音乐只是为了能够给舞厅带来更好的效益。九十年代初，Richard D. James和The Orb 、Black Dog, Autechre, B12 and Fuse，等乐队推出的大批电子乐专辑使电子音乐的商业潜力开始爆发，当年他的《Selected Ambient Works 85-92》的氛围高科技音乐，被视为The Orb后的又一次风格界定，高科技的春天从此来临。Richard D. James的简约主义的试验作品中体现出的攻击性和噪音成份为后来的电子摇滚指明了方向。此后，他的音乐走向开始复杂起来，电子疯克、硬核化的根源迷幻流行音乐、工业drum n\'bass等风格的专辑确立了他高科技音乐急先锋和探险者的地位。Aphex Twin(后来多以Richard D. James的名义)推出了众多的专辑、单曲，风格差异非常得大，Aphex Twin的成长史几乎涵盖了电子乐的所有发展阶段，没有他的高科技音乐是不可想象的。
推荐歌曲：aphex twin（点击下载）

4.Adult Alternative（成人另类）
         成人另类音乐的听众很多，那些乐于接受与主流音乐有所不同，但差距又不是很远的人往往是它的追随者。很难说清楚是否是新成人时代的电波模式造就了成人另类还是本身成人另类就是为了电波而存在。成人另类的风格是：无论是原声的，电子的，还是电子与原声的合成，都深受流行，摇滚和爵士的混合成分的影响。（虽然成人另类的主要表现方式是乐器，但不少专辑却以一些柔美的声音来表达）。当他们要让听众很容易接受他们的音乐时，顶级的艺术家们对旋律的感悟和乐器使用方式的不同，以及韵律的持久性总有特别的天分。不过它也有不足之处，成人另类有时候听起来就象没有歌词的过了时的流行音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Enya



         1961年5月17日，原名为Eithne Ni Bhraonain的Enya生于爱尔兰，童年在爱尔兰西北部的Donegal县的Gweedore度过。长在音乐世家的Enya家中共有9个兄弟姐妹。除了排行中间的Enya外，家中还有4个女孩和4个男孩。一家人在音乐方面获奖甚多，并闻名于爱尔兰传统音乐圈。

      从小便接受了良好的音乐教育的Enya在1979年离开家乡加入到了乐队Clannad（来自Gweedore的家庭“the family from Gweedore”的缩写）当中担任键盘手。在Clannad期间，Enya共参与了乐队两张专辑的录制。1982年，由于“自己不想再跟着乐队一直往流行方向发展”，Enya离开了Clannad乐队，开始个人发展。

      在接下来的几年中，Enya的主要成绩就是和制作人Nicky Ryan其妻子Roma Ryan合作制作了BBC电视系列剧《The Celts》的原声大碟。这张动听的原声大碟使个人发展的Enya开始得到了各界的关注。在接下来的1988年，Enya和Ryan夫妇合作的第二张专辑《Watermark》一发行便在排行榜上势如破竹。专辑中的首支单曲《Orinoco Flow》很快就成为英国榜冠军单曲。《Watermark》也排在New Age专辑榜的第二位。本张专辑此后在全球共销售800多万张，至今的销量已达上千万张，一下打响了Enya的国际知名度。专辑此后并在14个国家都取得了白金销量。

      1991年，Enya发行了在《Watermark》之后的另一张成功的专辑《Shepherd Moons》。这张专辑被誉为最好的NEW AGE大碟，也正是凭着这张大碟，恩雅在1992年第一次获得了格莱美最佳New Age专辑奖。1995年12月，Enya第四张专辑《Memory of Trees》出版。《Memory of Trees》成功打入美国榜前十，在发行后的第一年中狂卖了200万张并成为Enya第二张获得格莱美最佳New Age专辑的唱片。1997年，Enya发行首张个人精选集《Paint the Sky with Stars: The Best of Enya》。

      在上张录音室专辑发行五年之后，《A Day Without Rain》于2000年面市。《A Day Without Rain》延续了上张录音室专辑《Memory of Trees》在美国的成功，勇夺Billboard 200专辑榜亚军，成为迄今为止Enya在美国打榜成绩最好的专辑。同时，《A Day Without Rain》也使Enya完成了个人的格莱美“帽子戏法”，再次获得2001年格莱美最佳New Age专辑。2002年，Enya为《Lord of the Rings》电影原声大碟创作了单曲《May It Be》并获得奥斯卡奖提名。2005年，44岁的Enya发行最新录音室专辑《Amarantine》。
推荐歌曲：Orinoco Flow（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-7-12 12:15 AM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-12 13:43

5.Adult Alternative Pop/Rock（成人另类流行/摇滚）
        成人另类流行/摇滚是相对于主流音乐的另类摇滚的一个分支, 它具有柔和的旋律和另类柔美风格。成人另类流行具有很强的商业性，但是艺术家并并不是以商业为目的。他们来自传统的流行吉他音乐，80年代的流行舞曲(正如Gin Blossoms, Barenaked Ladies的音乐)，民谣和传统的歌者(正如Indigo Girls, Tori Amos, Jeff Buckley, Sarah McLachlan, Fiona Apple, Jewel的音乐)，美国传统摇滚乐(正如Sheryl Crow, Hootie & the Blowfish, Dave Matthews的音乐)，时髦的trip-hop电子(正如Portishead的音乐)。成人另类流行/摇滚的产生来自于人们感观的成熟：它有意和无意的成为90年代的主流音乐形式。它使摇滚的形式变 得更加松散，更加注重创作技巧。它的缺点是，成人另类摇滚的灵感仅仅停留在物质表面上－经常在表演中因为刻意追求而变得做作，有意让音乐变得甜美，或使声音变得深沉。但就优点而言，这种风格造就了优秀的需要经典音乐而非凭借大声歌唱的艺术家。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Tori Amos



         TORI AMOS是近几年活跃于另类摇滚乐坛著名的女歌手之一。与PJ HARVEY、LIZ PHAIR、ALANIS MORISSETTE、JILIANA HATFIELD、BJORK、DOLORES O\'RIORDAN相比，TORI AMOS的音乐显得更为成熟和自然，同时也不失其桀骜的个性与深刻的内涵。 TORI AMOS原名ELLEN AMOS，1964年出生在美国北卡罗来纳州，后移居马里兰。小AMOS有一个墨守成规的父亲和一个善于持家的母亲，他们在AMOS2岁半的时候就发现了她的音乐天赋，开始培养她练习钢琴。到了4岁那年，小AMOS就已经能够熟练地弹奏莫扎特等人的名曲了。就这样，从13岁到21岁，AMOS在酒吧中弹了8年钢琴。8年后，她把自己的名字改为TORI AMOS，并来到大地市洛杉矾追寻自己的理想－－“成为一个摇滚歌手”，她父亲这样说，“她从11岁起就一直嚷着要成为一个摇滚歌手。” 就在这时，发生了一件很不幸的事－－AMOS被她多年以来一直很信任的好友强奸了。
推荐歌曲：a sorta fairytale（点击下载）

PJ Harvey


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        P.J.Harvey在伦敦的一间公寓里用自己的声音证明了这个时代还有真正的激情的存在， 并因为非主流音乐指明了最终归宿----我指的是她的那张“4-trackDemo”。
她的音乐几乎是粗糙得晦涩。但是，挟杂着自己内心深处的所有激情，P.J.Harvey用一把吉它，一副非正统意义的好嗓子，把自己的名字雕刻在了90年代摇滚乐大杂剧的长长的演出者名单之中，从而成为这出大杂剧中的最为冷峻的一道布景。P.J.Harvey的音乐形态的粗糙与直接喻示着她率真的性情与悲戚而愤怒的心态。 作为一位女性，她延续着Janis Joplin、Patti Smith的思想轨迹，在90年代适宜地站在了流行音乐的前沿。她的出现进一步证明了80年代以来的主流商业摇滚的软弱，也使摇滚乐在真正意义成为最严肃的通俗音乐成为可能。如果具体分析起来，P.J.Harvey的音乐的具体框架是非常简单的（一般都为短小的单一，单二曲式），但她的可贵之处是并没有按照一般意义上的“歌曲”的概念对它进行某种圆润与修饰，这样她就把形式与自己想要表达的完全结合起来了。（P.J.Harvey的情绪之直率与愤怒在形式上可以说是显然易见的：诸多乐曲的进行由低沉缓慢进而高亢激昂甚至嘶吼，这是她在对现实的简单的感应后的一次情感的拒斥。很多歌曲P.J.Harvey是喊叫出来的。喊叫，在这里作为心情的直接表现是旋律的一次本质还原----当人的情绪已积累到了无法不喷的时候，他还能有耐心去诉诸旋律吗？自然，这种喊叫与已成为模式的Rap的区别是显而易见的。）当然，这种在形式中直接强烈喷发的情感是最原始也是最感人的。它不需要过多的形式的承载而引起你的共鸣， 使你也进行一次情绪的释放。 在这个意义上， P. J.Harvey已完全验证了“最个人的也是最大众”的原则。
推荐歌曲：The Wind（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-7-13 10:22 AM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-13 10:36

6.Adult Contemporary（成人时代）
        成人时代的本质是精练的风格。换句话说，它的演奏就像“街道中央的隔离带”。它十分缺乏摇滚或者soul这些音乐所具有的摩擦和圆滑的声音，但是它却像传统流行音乐一样过分的重视原声效果。成人时代和软摇滚的主要分界在于：成人时代更普遍使用音响合成（以及别的电子技术，如电子鼓）作为它的一个闪光点的主要组成部分。对于电波模式的风格和流行，成人时代着力于浪漫而伤感的情歌，但它为动人的摇滚/流行提供了足够的空间，（通常是最新的风格——较早的摇滚和平和的soul，Beatlesque流行乐——成人时代的歌迷曾和它们一起成长）以及反复斟酌的歌词，和曲作家情感的宣泄。不少音乐家停留在成人势道的领域里，享受着他们曾做过的一切，但是这种模式也通过流行舞和乡村歌手的代表人物（有时那些最流行的音乐家通过空中的电波发表让他们的代表作）成人时代的旋律总是能很快使听众进入境界，但是它总是无可非议的被用作背景音乐；许多批评家指责它只是一种音乐墙纸、一种过分的平静，或者是一种伤感的液体，但是它并没有阻碍其发展成为80年代的主要流行电波形式。但90年代，成人时代逐渐萎缩，只是留下点点印记，主要因为在交流电音乐家们不需要依赖大量的敲击来吸引成人听众的十年间，一些氛围时代音乐还是需要电波的传递，它依然是成为与新千年接轨的优秀音乐风格,多年来成人时代涌现了一批优秀的音乐家，包括Elton John,Billy Joel,Air Supply,Michael Bolton,Phil Cillins,Lionel Richie,Chicago,Celine Dion.

具有该风格的乐队/艺人名单：

Eric Clapton


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        艾力普顿（Eric Clapton）在音乐生涯的早期曾经有两个绰号：“God”（上帝）和“Slowhand”（慢手）。“God”的美誉得自艾力普顿神乎其技的吉他弹奏功夫，他的吉他造诣已臻惊天地、泣鬼神的化境，实非凡人的所能奢望；“Slow-hand”指的当是艾力普顿那从容内敛、游刃4有余却绝不矫情炫耀的表演风格。作为歌手的艾力普顿，其表现并不逊色于他的吉他表演。事实上，从70年代到90年代这三十年中，艾力普顿的歌曲从未在流行音乐排行榜上缺席过，他本人也因其杰出表现赢得过无数的奖项。吉他手艾力普顿和歌手艾力普顿这双重的身份 交相辉映，缔造了一段四十年的精彩音乐人生。

　　追根溯源，艾力普顿的成功应该感谢他的外祖父母，在他十四岁生日那天，两位老人送给艾力普顿一把价值14英镑的吉他。在此之后的40年里，这只神奇的乐器一直陪伴在艾力普顿的身边，为他留下一个个传奇的故事和一首首动人的歌曲。 艾力普顿早期曾加盟过很多布鲁斯乐队担任吉他手，其中“The Yardbirds”（新兵）和“Cream”（奶油）这两支乐队曾经给摇滚乐带来过深远的影响。The Yardbirds乐队曾经诞生过三位伟大的吉他手，而艾力普顿无疑是其中最为出色的。当The Yardbirds的音乐风格越来越趋向流行化的时候，艾力普顿决定离开乐队去追寻心目中永远的梦想——布鲁斯。Cream存在的时间虽然只有两年多，但它却 ……
推荐歌曲：Tears in heaven（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-14 12:10

7.Album Rock（专辑摇滚）
        70年代，FM调频电台逐渐忽视那些对转播早期的调频电台的随心所欲的革新之后的电台传媒。就理论上，新的电台做着前人们也做过的事——以专辑播放而非单曲——但他们很快依赖与一组为他们演奏的音乐家，让所有专辑摇滚乐家聚在一起，一件很累的事就是他们通过媒介介绍他们在专辑中的贡献，加上以他们的音乐展示他们是专辑摇滚的奠基者。这意味着专辑摇滚有重金属/南部布鲁斯摇滚。前卫摇滚由那些摇滚乐队中的演唱者与词曲作家组成。它有很多不同种类，但是他们都有艺术之美与放纵的特征，加上它不断的在调频电台中的播放，使这些专辑摇滚也几乎垄断了70年代的调频电台的电波。它们一直持续到80年代，但当专辑摇滚电台逐渐发展成古典摇滚的风格，专辑摇滚就越来越少的出现在电波中。到了90年代，专辑摇滚乐队依然在推出新专辑，但它们过去那些老歌依然还能在电波中听到——并且经常在音乐会上演奏。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Aerosmith



        在1970年夏天,于Sunapee渡假的Steve Tyler,结识了在冰淇淋店打工的Joe Perry,两人在共同欣赏一场当地的小型演唱会后,决定组团.然后Perry介绍了原本跟他同团(The Jam Band)的贝斯手Tom Hamilton,打算组成一个三人的团.Tyler同时还担任鼓手,后来Tyler邀请他高中时的同学 Joey Kramer加入担任鼓手.而另一位吉 他手Brad Whitford则是在团员们决定搬进波士顿的一间公寓后才加入.他们曾考虑过的团名有The Hookers,Spike Jones,..等.最后在鼓手Kramer的建议下才正式定名为AEROSMITH.首度公演是在Nipmuc公立高中,演奏了包括John Lennon,The Rolling Stones以及The yardbirds等作品.据称CBS哥伦比亚唱片公司以十二万五千美元签下AEROSMITH,而当天晚上Atlantic唱片公司则拒绝了与AEROSMITH签约的机会.1973年10月,同名专辑 《AEROSMITH》(亦为第一张专辑)进入流行排行榜166名,之后他们展开巡回演唱会支援 Mahavishnu管旋乐团和Mott The Hoople 乐团的演出.这张专辑后来获得RIAA美国唱片工业协会颁发双白金唱片,1974年大部分的时间他们都在巡回全美演唱,支援The Kinks,Mott The Hoople以及Sha Na Na等团的演出,同年他们发行专辑《Get Your Wings》并翻唱了Yardbirds的名曲《Train Kept A Rolling》,结果成为该曲的经典本.1976年 专辑《Aerosmith》重新进入美国流行排行榜,达到21名.重新发行的单曲《Dream On》;名列第六.1977年单曲《Walk This Way》在美国拿到第十名.1979年参加于克里夫兰市立体育场的"世界摇滚"演唱会,会后主唱Steve和吉他手Perry因为意见严重不合,导致Perry离团并由Jimmy Crespo取而代之……
推荐歌曲：Dream On（点击下载）

KISS



         成立于1972年由PAUL STANLEY和GENE SIMONS组建并吸纳了PETE CRISS和ACE FREHELY为其成员。1975年夏天的专辑《ALIVE》给乐队带来了成功。KISS的引人之处在于他们的现场气氛，怪异的化妆，花哨的服饰，眼花聊乱的舞台效果，再加上他们的硬摇滚，营造除了无与伦比的演出气氛。现场演出的成功使得《ALIVE》达到的白金销量。在这之后，乐队又发行了四张专辑其中的《ROCK AND ROLL OVER》,《LOVE GUN》，《ALIVE II》奠定了乐队大牌的地位。1978年乐队的每个成员个子作了一张专辑并取得了不同程度上的成功。1979年专辑《DYNASTY》中的歌曲“I WAS MADE FOR LOVIN’YOU”在全世界流行开来。此后不久，乐队内部出现问题PETE CRISS离队并从此实力大为减弱一直到1983年。乐队也试图改变原来的风格，但未被接受，FREHLEY因对乐队的未来方向不满在1983年也离开了乐队。在这期间的专辑在商业上都不是很成功。在此之后的专辑1985年的《ASYLUM》和1987年的《CRAZY NIGHT》又使乐队继续在商业上取得成功。在1989年的专辑《HOT IN THE SHADE》中的歌曲“FORVER”使乐队在美国排行榜上取得第四的最好成绩。1991年鼓手ERIC CARR死于癌症，ERIC SINGER接替了他的位置，专辑《REVENGE》到1992年发行。并再次进入排行榜的前十名。1993年乐队发行《ALIVE III》专辑。1996年乐队举行了全球巡演，并获得了成功。1997年乐队陆续推出了几张不错的专辑。1998年又推出专辑《PSYCHO-CIRCUS》。
推荐歌曲：I Was Made For Lovin' You（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-14 13:41

8.[Alternative country-rock：另类乡村摇滚乐]　　 　
　　　 另类乡村摇滚常常简单地被看做是另类乡村音乐，但是这两种风格实际上在某些方面是截然不同的--简单来说，另类乡村音乐的表演者是根源于乡村音乐，而另类乡村摇滚表演者则是根源于摇滚。它应该被看做是另类摇滚的分支--即使它并非总是听起来象另类摇滚--因为它一来不符合任何主流的气质，二来它的乐队通常是起步于美国的独立音乐厂牌。和从内涵上推动了乡村音乐向前发展的另类乡村音乐形成对比的是，另类乡村摇滚则是一群乡村音乐的外部者所发起的，但是这些人却的确喜欢乡村音乐的声响与精神。他们忠实地保护了传统的声音，却重新加入了个人的、同时代人们的精神和想法，而这种特殊的方式很少能够吸引普通的乡村音乐迷们。
　　
　　另类乡村摇滚的教父是Gram Parsons，Gram Parsons是对乡村摇滚的产生起到最大作用的一个人，他那含有丰富感情的唱片也是受到无比推崇的不朽传奇。Neil Youngs那种多变的音乐个性也是对另类乡村摇滚一个重要的影响，这也是70年代带有前卫性质的乡村音乐运动之一，此外还有就是以奥斯丁、德克萨斯州为中心的一群有着高文化的歌手/歌曲作者，代表人物有Townes Van Zandt, Guy Clark和Jerry Jeff Walker。真正宣布另类乡村摇滚正式诞生的人是Lyle Lovett，他在音乐上的才智和折中主义似乎在很多摇滚乐迷的心中重新唤起了乡村音乐与摇滚音乐融合的可能。但真正意义上的另类乡村摇滚乐队则是Uncle Tupelo，他在职业生涯的开始就已经把Punk和Country以一种比80年代的短命Cowpunk时期的其它乐队更加虔诚的方式予以融合。他们以A.P. Carter精神上的“不灰心丧气”而命名了他们的首张专辑，数一数二的音乐杂志把这件事当作另类乡村音乐的大事而编进编年史中，并大体上给了这次变革一个绰号。Uncle Tupelo很快就变成了有着更加保守思想的乡村摇滚人，伴随着他们1993年的里程碑，Anodyne分裂成为两支乐队--坚定的信仰复兴运动者Son Volt和更加趋向于向流行音乐改变的Wilco；那时候，另类乡村摇滚本身也开始分裂成为几个不同的流派，一个学派主要专注于复兴Parsons和Young的70年代的声音，但不同的是，艺人们有时也会在他们的音乐中加入一些Beatles风格的流行音乐元素。其他的人都是真诚的传统音乐支持者，为大家绘制了一副不易忘怀的高品质怀旧乡村音乐和Appalachian（阿巴拉契亚山脉）民谣而只是满足于更换了充满感情的内容感觉。一个有点联系的学派也把这种古老的音乐做成温柔，无害，轻飘飘的乡村音乐和独立音乐的混种，还常以女性歌手作为其卖点。仍然有许多另类乡村摇滚乐滚乐队在他们传统风格的音乐作品中带有一种幽默感，不管是有着吉它天赋、嬉戏耍闹作乐的酒吧乐队，还是Lambchop似的一种古怪讽刺。
　　
　　进入了新的千年之后，另类乡村摇滚仍然继续在音乐上有着新的发展，尤其是受到评论界赞赏的与其它各种音乐风格的融合，同时，另类乡村摇滚对于独立摇滚风格的偏好则与日俱增。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Thrills


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         来自爱尔兰都柏林的五人乐团The Thrills，去年凭着处男大碟〈So Much For The City〉打响名堂，被Q Magazine选为「全年最佳新晋组合」。专辑单在英国已大卖超过50万张，而美国方面亦有20万张的不俗成绩。 经过马不停蹄的巡回表演及各大小音乐节演出后，The Thrills不但没有因为身心疲累而停顿下来。反之凭着对音乐充满热诚的心，他们将所见所闻，所认识到的音乐人之交流心得融入新作当中，所以〈Let’s Bottle Bohemia〉是一张跟前作〈So Much For The City〉不一样的专辑。 全新主打单曲 “Whatever Happened To Corey Haim? ”由曾跟Serge Gainsbourg、Air合作的Michel Colombier编排弦乐， 令The Thrills的sunshine-pop调子上增添几分华丽气派。至于早前只在美国率先发表的细碟作品 “Not For All The Love In The World”，则是一首听得心伤的深情ballad，弦乐部分同样出自Michel的神来之笔。 除Michel Colombier外，其它参与客席乐手包括R.E.M.的Peter Buck (“Faded Beauty Queens”)，以及曾跟The Beach Boys合作的传奇监制、音乐人Van Dyke Parks (“The Irish Keep Gate-crashing”)。全碟由曾跟Marilyn Manson合作的Dave Sardy全权监制，带来是The Thrills更趋成熟、更全面的一次表现。  
推荐歌曲：Whatever Happened To Corey Haim（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-3 08:56 PM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-14 21:22

9.Alternative Dance（另类舞曲）
        另类舞曲结合了拥有电子音乐结构，合成器采样和后DISCO舞曲的方式的地下旋律性音乐结构的另类，独立摇滚风格。这些年当许多流行另类艺术家用舞曲或者电子音乐来试验时，另类舞曲得到了很大的发展并成为酒吧文化中不可缺少的音乐成分。尽管另类舞曲音乐看上去代替不了俱乐部的舞曲，凭借它的流行可亲性以及和其它音乐的易结合性，它还是成为这种文化外围一种重要的形式。这种特性使更多的人参与到另类舞曲之中，以此抗拒那种标准的固定样式的舞曲。结果是，表演者对其它的具有特定样式结构，特殊音乐元素的音乐更加接近。很多另类舞曲艺术家来自英国，成为地下音乐文化中非常显著的英国酒吧和锐舞，他们创造了有助于进行更过音乐艺术试验的氛围 。New Order第一个另类舞曲组合，在他们1982－83年的录音中出现了这种冰冷阴沉的后朋克和Kraftwerk的电子流行相结合的风格。相对于另类音乐，另类舞曲是受电子流行，酸性车房音乐和trip-hop影响最大的风格类型，这些形式都产生了相应的另类舞曲艺术家，并在英国80年代后期的曼切斯特产生影响，直到90年代的根源于独立和trip-hop的艺术家。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bjork  


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        歌者Ｂｊｏｒｋ这一次因为一部电影而再次成为人们关注的焦点。她在《在黑暗中漫舞》中饰演一位失业女工。　 世界摇滚史上从来没有这样一位怪诞的女士：她出生于一个长年冰天雪地的岛屿上，后来又长居于东方一个美丽而哀愁的宝岛上。到了成年，这个瘦小精怪的小女子创建了一个名为“糖块”的乐队，接下来她觉得还不过瘾，于是她就决定开始跑单帮，一口气连出了三张专辑。结果三张专辑分别得到的评价是：第一张被香港《音乐殖民地》杂志评为九十年代最佳唱片第九名（前五十名中只有她一位女艺人）连大名鼎鼎的Ｐ·Ｊ·Ｈａｒｖｅｙ都没有能入选），第二张被美国《滚石》杂志评为九十年代最佳唱片第七名，第三张被香港天才少年黄耀明和实验电子团体Ｍｉｎｉｍａｌ成员李端娴选为１９９７年度最喜爱唱片的第一名。她被评论界称为九十年代的冰世纪女神，因为在录影带里，人们看到的Ｂｊｏｒｋ不像是一个天真乖巧的少女，反而更似一个从未来倒流回现在的精灵。Ｂｊｏｒｋ的声音就是一座现代派艺术冰雕，在这座曲径幽深勘探艰难的迷宫里，随着穿行步速的加快和眼前惊人画面的切换，我们会渐渐体力不支并最终迷失在这位魔女的幽魂里。
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作者: Raito    时间: 2007-7-15 10:39

10.Alternative Metal（另类金属）
        在其初始期，另类金属以相对于那些可直接分类音乐的不同寻常的敏感形成了自己的风格。重金属是这种音乐的核心，但是这些乐队太不规则了，应且他们的影响力对于适合地下的鞭挞金属来说太折衷了，所以他们主要的乐迷都是些喜欢重型吉他摇滚的人。然而，在车库音乐帮助另类金属更丰富从而获得了大量听众，特别是当更多的有闯劲的乐队逐渐考究他们的音色后，另类金属开始成为90年代重金属中最流行的风格。当它表现出几乎最少重金属分类类型的时候，它的形式和80年代早期的另类金属就很不大相同了。同时，大部分幸存下来的硬核朋克乐队都已转入到了金属领域的潮流，推动了地下重吉他摇滚乐队在别处找寻灵感。最早的带有重金属风格的另类金属分为前卫摇滚（Janes Addiction, Primus），车库朋克（Soundgarden, Corrosion of Conformity），噪音摇滚（the Jesus Lizard, Helmet），疯克（Faith No More, Liv ing Colour），说唱（Faith No More, Biohazard），工业（Ministry, Nine Inch Nails），迷幻音乐（Soundgarden, Monster Magnet），甚至是世界音乐（later Sepultura）。这一切的演变并没有在一个特定的场景下发生，只是不断增长的想去尝试已经形成的那种越来越依靠乐器的纯演奏形式。一些这样的乐队终于在大众中获得了很大的影响力，特别是通过巡回演出，并且他们还为在1993-94年逐渐显露的另类摇滚奠定了基础，形成了以Rage Against the Machine 和Korn为代表的说唱金属，以Tool为代表的不协调音乐，以White Zombie为代表的重。。。。和以Nine Inch Nails为代表的流行突破。这些乐队将成为在剩余的90年代期间连同Pantera那种有别于任何鞭挞金属乐队的粗厚，溶解的即兴重复风格在声音的制作和另类金属类型的风格上最具影响的力量。像很多另类金属乐队，Pantera是严肃的，阴冷的和内在的，但是他们示范了关于此如何具有男子的气概。在90年的中后期，大部分新的另类金属乐队开始玩起了把单一鞭挞，说唱，工业，硬核朋克和车库混在一起的风格。这种新的声音更多的包括了比hooks或memorable riffs更多的碾核特征和剧烈进攻，因此更多地依靠工作室录制完成它所展现的力量；然而，它俘获青少年那种隐藏的主流金属所代表的男子气概，从而成为一种商业崇拜。Korn, Marilyn Manson, 和Limp Bizkit这些有时配以aggro-matal, nu-metal, 或者(incorrectly) hardcore内容的乐队是这场新运动中最大的明星，并且在这十年的末期，无数新的乐队开始表演那种类似80年代后期微金属分支的带有成年性质暴力行为（ironic, given alternative metals vehement rejection of hair metals attitude）的风格。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Pantera


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        最早的历史要回溯到八十年代早期，那时热中于重金属的Diamond Darrell和Dimebag Darrell兄弟, Vinnie Paul和他们的教父Jerry Abbott创建了自己的唱片公司，名字叫作Metal Magic Records。 1984年，PANTERA正式成立，最早的成员是：Dimebag Darrell（吉他），Vinnie Paul（鼓），Rex Brown（贝斯）和Terrence Lee（主唱）。乐队在德克萨斯州俱乐部里开始了他们的重金属旅途。


乐队的第一张唱片叫做Metal Magic（金属魔力），风格是早期的Thrash Metal/Glam Metal，这张唱片很成功的卖出了350,000张，这无疑给这帮小伙子很大的鼓舞。于是他们又马不停蹄的推出了专辑Projects In The Jungle（丛林计划）和I Am The Night（我是黑夜）。发行公司仍然是他们自己的厂牌Metal Magic。虽然成绩不错，但此时乐队的听众还主要是当地的听众。


好运降临。Acto公司发现了他们，答应与乐队签订出版唱片的合同。这无疑是PANTERA梦寐以求的事儿。此时，乐队对主唱Terrence Lee的表现不很满意，于是乐队在去路易斯安纳演出时认识的Phil Anselmo取代了他的位置。Phil当时的嗓音还是比较高亢尖锐的嗓音，因为那时他们的风格仍然是老式的Thrash Metal，需要一个能够足够高亢的嗓子。


1988年，专辑Power Metal（力量金属）发行。这是PANTERA在Metal Magic的最后一张唱片，也是Phil加入乐队后的第一张。这张并不成功的专辑由于它的名字导致了以后金属分类的一个分歧，因为专辑本身的音乐风格并非欧洲人所说的Power Metal，欧洲人把HELLOWEEN、GAMMA RAY和GRAVE DIGGER这样的旋律性的速度金属叫做Power Metal，而自PANTERA的这张专辑之后，PANTERA这样的乐队开始被美国人称作Power Metal，特征是音色低沉，足够重，节奏感强，和Hardcore有所杂交。


1990年，PANTERA发行了他们在Atco旗下的第一张唱片：Cowboys From Hell（地狱牛仔），在这张专辑中，PANTERA真正开始成熟并开始了自己独特的风格，Dimebag的吉他有着节奏感很强的切分，Phil的嗓音也变得比以前更低，这些都很适合让现场时数万观众整整齐齐的甩头，基本上可以说是一种简化和加重的Thrash Metal。凭借这张专辑，PANTERA才迎来了真正的成功。在组建六年之后，这个名字终于响遍了整个美国。在我看来，这张专辑可能是乐队最好的专辑了。


接着是Vulgar Display of Power（力量的粗暴展示）。这张唱片在美国掀起了一股PANTERA热潮，几乎人人都在谈论这几个在舞台上制造着巨大声浪的家伙。因为他们那种节奏分明的音乐让那些听惯了老式金属的人们感到新鲜。Mouth for War、Walk等歌使PANTERA的名字也上了排行榜的前列。从此以后，PANTERA不再是一支当地的小乐队了，他们也要像那些大牌明星一样在全国各地进行巡演了。此时的PANTERA，已经成为流行乐坛上相当耀眼的重金属明星。


1994年，专辑Far Beyond Driven（超出驾驶范围之外）发行。专辑在Billboard排行榜上赢得了一上榜即取得冠军的惊人记录，这对于重金属音乐来说，无疑是破天荒的头一遭。虽然专辑很快就从排行榜上划了下来，但这却是对Grunge时代“重金属已经死亡”这一言论的强力回击。这也是当年Hardcore/Power Metal 乐迷所最为期待的一张专辑，事实证明，专辑的音乐就象封面上的电钻一样，足以让你心惊肉跳。PANTERA的这种风格在当时成为一种竞相追逐的时尚，有很多乐队开始领悟到重金属并不一定要有流畅的吉他节奏，华丽的solo和动听的主唱，节奏和嘶吼似乎更讨人喜欢，于是类似COAL CHAMBER、DEFTONES、SUNDOWN等乐队也开始模仿这种新式的Hardcore/Power Metal风格


这之后乐队休整了一段时间，主唱Phil和C.O.C.的吉他手Pepper Keenan组建了一支名为DOWN的乐队，并发行了专辑Nola，这张专辑非常出色，Phil那强劲的嗓音和Pepper颇具旋律感的重型吉他结合得完美无缺，在我看来，这张Nola比PANTERA的任何一张专辑都要出色，甚至有必要用专门的篇幅来进行阐述，因此这里就不多说了。


1997年夏天，PANTERA推出了乐迷期待已久的The Great Southern Trendkill（伟大南方时尚杀手）。专辑意在讽刺那些赶非主流时髦的投机主义音乐人。主唱Phil的嚎功在专辑中得到了很充分的发挥，不过由于专辑显得比较混乱，而且PANTERA似乎太想把音乐做得又重又狠，反而容易让人感到腻烦。


1998年，PANTERA又发行了一张现场：101 Proof。凶猛的音乐结合主唱令人敬畏的嗓音，演绎了乐队多年来的名曲。Phil曾说过，PANTERA的可怕来自现场。看来这话一点没错。在很多人眼里看来，这是（美式）Power Metal迷所必备的一张唱片。值得一提的是，专辑的封面内容是名酒Jack Daniels瓶子，而最早的Jack Daniels恰是101度的（美国法定的标准酒精烈度为100度）。


随着Techno、Gothic、Industrial和Rap的流行，很多当年模仿PANTERA起家的乐队也纷纷开始转型，还有更多乐队玩起了所谓Nu-Metal（新金属），这些东西令PANTERA感到反感，他们心目中的重金属仍然是不折不扣的重型吉他摇滚（主唱Phil还曾在一次采访中表示了对黑金属的兴趣，并表示如果有机会他可能也想组建一支黑金属乐队）。于是在2000年，他们以一张Reinventing The Steel（重铸钢铁）来表达他们的态度，虽然音乐上没有什么出彩的地方，但至少还是延续了乐队一贯的风格，配合着世纪末的重金属回潮，这张专辑在短期内也突破了金唱片的销量。


在90年代中早期重金属全面低潮的时候能够异军突起，足以证明PANTERA是一支强有力的重金属乐队。虽然在我看来他们还算不上一支真正的一流乐队，但至少对重金属还是作出了一些贡献，音乐上也还是有些独到之处的。
推荐歌曲：Cowboys From Hell（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-15 10:59

11.Alternative Pop/Rock（另类流行/摇滚）
        另类流行/摇滚在本质上来源于80年代中期到90年代中期的后朋克乐队，虽然另类摇滚之中有很多种音乐形式，但是他们被放到了一起因为他们都有别于主流的音乐形式。在另一方面来说，以Nirvana在1991年的成功可以划分为两大类另类流行/摇滚。在80年代，许多另类乐队都是独立的，因为他们的音乐形式使他们无法得到更多的来自主流的支持，这在80年代包括流行舞曲，后硬核朋克，疯克金属，流行朋克以及试验摇滚的所有形式；另一方面，自Nirvana在90年代变得流行以后，另类泛指所有的非主流亚风格类型，但是区分并不一定很明显因为有些变成了主流音乐商业市场的一部分。硬核和复兴朋克音乐变得比导致了80年代后期的另类流行/摇滚的流行乐更能赢得商业市场，因此90年代的另类音乐失去了一些原本另类音乐的本质特征。许多试验乐队的风格转变成独立摇滚。

具有该风格的乐队/艺人名单：

R.E.M.


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        R.E.M.成立于1980年，他们是在美国的Georgia州的Athens城组建的，当时Bill、Mike和Michael都是Georgia州立大学的学生，而Peter则在当地一家名叫Wuxtry唱片店里工作。当Peter在这家唱片店工作时，认识了经常来买唱片的Michael，他在同他的两个姐姐（Lynda和Cindy）.一起时，还显得很文静，但在他寻找一些难得见到的vinyl B-sides 唱片时，共同的音乐爱好使他们相识交谈并成为了好友，后来他们就搬到Oconee大街上的一个废弃的教堂里住在一起，而在此同时，Mike和Bill也收拾好乐器进入Attens的UGA.大学，但可笑的是，他们最初未相识前似乎是两个截然不同的学生：Bill是一个典型的“坏”孩子——酒鬼兼烟鬼，而Mike是一个诚实的好学生，在一次即兴的放学后的舞会演出里，Mike成了伴奏乐队里的Bass手，而Bill几乎听到Mike的Bass声后离开，但最终还是留下来共同演奏，随后他们二人配合出现在一些小型的现场演出里，一直到他们在1979年1月去Athens之前...
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作者: Raito    时间: 2007-7-15 12:29

12.Alternative Rap（另类说唱）
        主要指那些hip-hop组合中拒绝附和传统老套的说唱风格的一种音乐，比如gangsta、疯克、贝斯、硬核和聚会说唱。然而，另类说唱时一种极为模糊的音乐类型，它吸取funk、流行/摇滚、爵士、灵歌、reggae,甚至是民谣。尽管Arrested Development和Fugees力图成为主流音乐，但另类说唱的组合主要还是被另类摇滚的歌迷簇拥着，而不是hip-hop或者流行音乐的歌迷们。

具有该风格的乐队/艺人名单：

The Roots


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         出道已达十五年的The Roots乐团是另类说唱的一支重要力量。1987年，美国宾夕法尼亚州费城高中的两个好朋友，原名Tariq Trotter的说唱歌手Black Thought和原名Ahmir Khalib Thompson的鼓手Kuestlove一起用简陋的乐器开始了在学校附近的说唱演出，一段时间之后他们有了一些钱改善装备，并且加入了说唱歌手Malik B和贝斯手Leonard Hubbard。1989年，The Roots乐团在费城正式宣告成立，并且在随后不久便成为了费城和纽约地区出众的地下说唱乐团之一，并且于1993年在一家小唱片公司发行了乐团的首张专辑《Organix》，结果这张专辑让他们成为了一些大唱片公司的宠儿。经过唱片公司的争夺，The Roots乐团签约DGC唱片公司，并且在1995年初发行了他们在主流唱片公司的第一张专辑《Do You Want More?!!!??!》。

　　带有爵士特点的试验性另类说唱成为了他们主要的音乐风格，同时也一直坚持使用传统演奏乐器，并且充分的利用现场演出来表现，被一些评论家称为是现场说唱运动的先驱，正是这些因素使他们在说唱界的地位更加重要。在《Do You Want More?!!!??!》发行不久之后又添加了两名新的乐团成员Rahzel和Kamal，形成了固定的阵容。1996年，The Roots乐团的第三张专辑《Illadelph Halflife》正式发行，并且取得了商业上的突破首次进入了排行榜的前30名。更大的突破来自三年之后，1999年，The Roots乐团的第四张专辑《Things Fall Apart》在评论界和商业上同时取得巨大的成功，高居排行榜的第四名，同年，The Roots乐团还发行了他们的现场专辑《The Roots Come Alive》。又是在三年之后，他们的第五张专辑《Phrenology》发行，但是在这张专辑之后，The Roots乐团与唱片公司决裂，成立了自己的Okayplayer唱片分公司。2004年7月13日，The Roots乐团的第六张专辑《The Tipping Point》正式发行.
推荐歌曲：things fall apart（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-16 13:46

13.Ambient（氛围音乐）
        氛围音乐源于70年代艺术家们的一种实验性的电子合成音乐，代表人物如Brian Eno和Kraftwerk,同时也具有80年代trance风格的数码舞蹈乐曲。氛围音乐是一种有足够空间让人发挥的有着声波结构的电子音乐。它没有作词或作曲的束缚。尽管艺术家在创作之间有暗示性的差异，但对于偶然一次的听众来说，它只是不断地在重复和没有变化的声音。多亏像Orb和Aphex Twin的氛围数码音乐家们，才使90年代早期，氛围音乐成为一种令人痴迷的音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Lycia


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         1988年5月Mike Vanportfleet组建了LYCIA,他带领着乐队的其他成员用音乐描述着一个荒凉的世界.短暂的加入的John Fair,几进几出的Will Welch,David Galas以及Tara Vanflower-Mike后来的终身伴侣.
1989年LYCIA在Orphanage Records旗下发表了一张6首歌的EP:WAKE.那时的他们还是以吉他贝司为主要表现方法.1991年,lycia在Projekt发表了IONIA,Mike在Will执意离开而使BYZANTINE这本来应该出版的作品流产后独自创作了全部的作品,那是一种荒凉,空旷的氛围音乐.含有大量的合成器声响.在随后的岁月里,Mike不断的创作着新的作品:93年的A DAY IN THE STARK CORNER 94年的LIVE(LYCIA首次演出的录音,David Galas加入到乐队里来,同年两人组成了一个分支乐队BLEAK,并与95年发表了专辑VANE.不同于LYCIA的作品，VANE是一张暗淡的抑郁民谣作品)95年的THE BURNING CIRCLE AND THEN DUST是一个值得纪念的双专辑，并不是指音乐又回到了LYCIA那种混合了吉他贝斯与合成器的荒凉萧瑟的招牌音乐,而是第二张专辑中女歌手Tara Vanflower的出现,这位后来的MIKE夫人当年还是个小姑娘,她为LYCIA带来一种清澈的歌声,但丝毫也不损害以往LYCIA音乐中那种孤独和凋零的气氛,反之更加映衬出那种种荒芜背后的悲苦.96年COLD推出的背后是Mike的身体被病魔纠缠,这很不幸,LYCIA停止了所有的活动,消失在人们的视线里.在修养期间mike夫妇组建了Estraya,而David组建了自己的Snowblind,但都没有真正出品作品.97年,lycia已经频临解散,但大家还是决定为它做一次好的巡演留做纪念.98年ESTRELLA发表,这张他独自创作的专辑本来应属于BLEAK的作品,mike考虑后还是用lycia发表了他在丧母与自身重病的情况下坚持完成专辑..99年TARA VANFLOWER在MIKE的帮助下发表了自己的首张专辑THIS WOMB LIKE LIQUID HONEY。一个诡异凄凉的黑暗音乐童话.同年还有一件大事就是mike成立了自己的厂牌Lycium Music. John Fair，Will Welch,David Galas都加入到这个厂牌下.2001年Estraya终于推出了自己的首张专辑,同年projekt也发表了两张LYCIA的精选集.
听LYCIA及Mike其它分支组合的作品你会发现一张比一张荒凉,悲楚.有如从深秋走到隆冬.有人说是mike居住的俄亥俄荒野的小山令他的音乐如此,有人说是他那久治不愈的病痛令他的音乐如此,但我想主要还是他的内心世界本就如此荒芜吧.lycia虽然结束了，但Estraya完全继承了它的血脉.
推荐歌曲：BlindingWhiteFire（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-7-16 06:32 PM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-16 18:56

14.Ambient Pop（氛围流行）  
         氛围流行结合了宁静和欢快两种不同的音乐风格。氛围流行拥有来自普通传统流行乐的风格，它是电子音乐结构和背景气氛折射出外界的寂静，和一种沉思的氛围。氛围流行是典型的没有刺耳音符的代表音乐，使德国摇滚令人陶醉的韵律受氛围流行的影响很大，甚至有点催眠的作用。本质上来说，它是梦幻流行音乐在shoegazer运动中觉醒后的延伸。尽管大多数仍旧使用原来的乐器，通过吸收电子音乐的方式，包括样本作品等，再对音乐给予了诠释。

具有该风格的乐队/艺人名单：

The Cardigans


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        来自瑞典,成军于’92年底的The Cardigans/羊毛衫合唱团,’94年签入Stockholm唱片旗下后,发行了《Emmerdale》专辑,被当地权威音乐杂志Slitz评选为“年度最佳专辑”,随后推出的《Life》、《First Band On The Moon》等专辑中,陆续诞生了“Carnival”、“Rise & Shine”、“Lovefool”等排行金曲,最脍炙人口的莫过于入选李奥纳多狄卡皮欧主演《罗密欧+茱丽叶》电影主题曲的“Lovefool”了！这首轰动全球的单曲不仅获得英美点播冠军、英国金榜亚军,更让The Cardigans声势水涨船高,获邀至热门影集《飞越比佛利》客串演出、参加美国《大卫赖特曼秀》及英国《Top Of The Pops》等热门电视节目演出...
推荐歌曲：Cardigans Lovefool（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-17 10:39

15.Ambient Techno（氛围数码）
         氛围数码是一种考究而特别的氛围室内音乐，它通常被很多音乐家采用，如B12、早期的Aphes Twin、the Black Dog、Higher Intelligence Agency和Biosphere等。它是音乐家们通过808和909型打击乐器来划分数码和电子中曲调和韵律的合成的的依据；效果好的、声音尖细的是电子的效果；另外曲调和合成录音——和着高声的、分层的、带着潮湿的气息，却没有打击乐和实践性的氛围。大多数被命名为Apllo、GPR、Warp和Beyond，在Warp重新定义它的“人造智能”系列后，氛围数码在学术上又称作“智能数码”（尽管音乐风格在大范围内依然没有改变）。

具有该风格的乐队/艺人名单：  

Alec Empire


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        能从朋友处听到这张DHR（DIGITAL HARDCORE RECORDING）的产品并不是一件容易的事。因为音乐理念的不合，Alec Empire两年前脱离法兰克福电子基地Mil le Plateaux而只在DHR下发行唱片，但DHR在欧洲和美国都没有大公司为其代理发 行，这种独立制作发行的态度也使其产品相对少见，其后Alec Empire的作品包括 这张重新发行的经典之作“THE DESTROYER”和“SQUEEZE THE TRIGGER"以及多得 他自己都数不清的EP和单曲。

以前在电子组合Atari Teenage Riot中，Alec Empire以玩Techno-Punk见长 ，而在这张“THE DESTROYER”里，Alec Empire表现出来的则更多是对Jungle的 执迷。其实Alec对Jungle/Drum&Bass的情有独衷并非一朝一夕的事情，早在90年

代初，Jungle在英国初具雏形的时候，Alec Empire就带领ATR实验了自己的Jung le，并自称比英国帮玩得快上40BMP，此话不假，“hard like it's a pose"首先 点题，贯彻了Alec Empire的一贯暴力美学方针，高速分裂的碎拍火花四溅，爆发 出巨大能量的破坏力，间或出入其间的愤怒人声和一贯潜伏的扭曲Guitar Chord 使Breakbeat更加汹涌澎湃。当然典型的Jungle效果出现在乐曲末尾，沉郁的Bas sline左冲右突，压抑着发出无规律的爆裂声。后面的"what are you talking a bout"则从头到尾给听者上了一堂Instrumental Jungle的教学课，工业采样更多 体现在"Down With The shit"上，郁闷的打铁声足以让NIN之流自叹弗如。而对于 执意讨好排行榜的Roni Size等Jungle明星来说，Alec Empire则是不可救药的极 端暴乱分子，听了这张唱片你就不难理解为什么Alec Empire的演唱会会引起德国 的午夜街头暴乱。

一般来说，在听完唱片之前，我是不会打开CD 内页看歌手和制作人的自我表 扬。毕竟，没有好的音乐，再多的音乐意识也是空谈。而Alec Empire专集的内页 中并没有一般唱片里长得能把人看晕的鸣谢列表和乐手制作人名单（估计什么活 都是这位天才一手包办）。黑底白字简单的几句话介绍了作品时间，最后干干脆 脆的一句“**** THE NAZI PUNKS UP THEIR ASSES”（出于雅观，开头一个单词 以星号隐藏）。Alec Empire对NAZI的憎恶由来已久，几年前就有DJ告诉他HIP-H OP是给黑鬼们玩的，白人应该玩TECHNO。，Alec 对这种音乐上的种族划分十分不 屑。在察觉NEO-NAZI已开始进占Acid House，而整个Rave运动也已失去其早先的 革新意义之后，Alec毅然祭起Digital Hardcore的大旗，并发表细碟“Hunt Dow n The Nazis”。公然以资本主义建制破坏者的姿态向NEO-NAZI宣战。不过封套上 Alec Empire的照片倒是一脸酷相，套上风衣能和奇努里维斯有得一比。

Alec Empire，到底是电子音乐的毁灭者还是又一个自封的Digital Class H ero，答案都在他的音乐里。

推荐歌曲：The peak（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-5 20:44 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-17 10:56

16.American Punk（美国朋克）
        美国朋克根源于60年代的车库摇滚，在音质柔和和现代爱情中有极简洁派艺术风格特征，它的几支乐队——傀儡,the MC5,纽约娃娃——在美国朋克的基础上发展成真正意义上的朋克摇滚的种类。但对美国朋克真正开始于大约1975-76年的Ramones。在纽约，美国朋克得以繁荣和涌现，类似的音乐在美国路易斯蓬勃发展，并且向硬核朋克方向积极发展，在Cleverland,它得到了带有实践性的几乎不可思议的发展。一部分原因是由于缺乏媒体的注意；在波士顿，它比真正的朋克更接近于车库音乐。纽约仍旧是美国朋克的中心阵地，然而，它却以大批著名的有影响力的艺术家为特色：如Television,Richard Hell,POatt Smith,Blondic,Talking Heads,转移到Cleverland的Dead Boys等，在80年代，美国朋克开始枯萎并发展成一种新的形式：硬核摇滚，新啦浪潮和另类摇滚。美国朋克没有象英国朋克那样满足后继的流行音乐革命的需要，但是它继续滋养着美国地下摇滚近10年的时间，并且在90年代加利福尼亚洲中心依赖Ramones，又将使其成为盛行的音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Ramones  


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        纽约市传奇性PUNK-ROCK乐队RAMONES的乐队生涯,亦随着其告别巡回演出之完满结束而在96年划上句号,但在这年间,我们却感觉到乐队的音乐精神仿佛仍没有离开过.闻说歌手JOEY RAMONE正在灌录他的首张个人大碟;鼓手MARKY RAMONE及其乐队THE INTRUDERS刚在早前发表了他们的THE ANSWER TO YOUR PROBLEMS专辑.更重要的是,随着一套RAMONES的ANTHOLOGY式双CD专辑HEY HO LET\'S GO!之面世,一方面是对这对乐队崩乐先驱做出崇高的致敬意义,同时也好比悄悄地燃起一次RAMONES热似的...
推荐歌曲：I Wanna Be Sedated（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-17 11:41

17.American Trad Rock（美国传统摇滚）
        尽管美国传统摇滚听起来与英国传统摇滚十分不同，但它同样在艺术领域里举足轻重——它展现了60年代古典摇滚存在的声音和灵魂。而英国传统摇滚却受披头士和现代音乐的影响，美国传统摇滚则是依赖于南部黑人爵士和布鲁斯的即兴创作。The Grateful Dead和the Allman Brother是两个美国传统摇滚的先驱，甚至他们在一段时间里代表了美国传统摇滚的骨架和表皮。在80年代中期到末期，出现了美国第一批成长在摇滚发源地的传统摇滚乐家——乔治亚卫星和黑乌鸦（the Georgia Satellites 和the Black Crowes）。到90年代早期，美国传统摇滚逐渐开始成为以Allman为代表，象广泛流传的Panic一样，成为一种有过良好教育追随者的表现，到90年代中期，出现了一个松散的有相同鉴赏的人的集合—— neo-Dead bands （Blus Traveler Phish ），在不断的旅行中，建立了一支乐迷队。并给这支乐迷队命名为Blus Traveler 。1996年，在流行领域，旅行节和另类摇滚的Lollapalooza成为美国传统摇滚的竞争对手。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Wallflowers


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        在中国，知道The Wallflowers的人大概不多，知道Jakob Dylan的人就更少了。但是，知道Bob Dylan的人却不在少数，它们的关系是这样的：Bob Dylan的儿子是Jakob Dylan，Jakob Dylan是The Wallflowers的主唱。尽管关系是这样的，但是，在听The Wallflowers的音乐时不要把The Wallflowers或Jakob Dylan与Bob Dylan联系在一起，尽管他看上去很像他的父亲，尽管Jakob也像他的父亲一样抱着吉他。The Wallflowers立足洛杉矶，但音乐却源自纳什维尔、新奥尔良和新泽西，音乐风格也是乡村音乐、摇滚乐和民歌的融合体。1992年，它们出版了第一张同名专辑，但没有什么反响。这是The Wallflowers的第二张专辑，担任制作人的T-Bone Burnett恰恰是当年Bob Dylan巡回演出时Rolling Thunder乐队的吉他手。
  推荐歌曲：everybody out of（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-17 20:17

18.American Underground（美国地下）  
        在20世纪80年代初，当第一支朋克乐队开始露面并且当另类金属通过英国前朋克开始日益占据乐坛优势的时候，一些美国的乐队开始制作新的音乐用以对那些发展起反作用。当朋克日趋成熟的时候，美国地下乐队逐渐倾向于喜好宽广的音乐风格（重型摇滚，迷幻音乐，传统摇滚，民谣摇滚和乡村摇滚，他们的影响是最普遍的），虽然他们通过无需特意宣张的电吉他和抒情诗般的风格继续占据统治的地位。这些乐队也倾向于喜爱独立的组合和低预算的巡回演唱，自从他们全部都几乎不被主要分类音乐理睬，这从而强迫他们去寻找其他的方法来维持他们的音乐。当他们成为硬核朋克的先驱时, Blackk Flag因其通过长达数年的艰苦练习有效的创造了独立的巡回演唱网所以仍然是美国地下音乐的主要开拓者；这个乐队的标签和超音速演奏风格也同样是至关紧要的影响，通过像Minutemen, the Meat Puppets, Husker Du, Dinosaur Jr.,和其他在推动不知名的朋克乐队进入新的，刺激的方向中起主要作用的乐队来大批量发行唱片。Midwest吸收了Minneapolis疯狂但是真诚，the Replacements和Chicago残暴的高声喊叫，Big Black和Naked Raygun赢取了相当大数量的崇拜者的实力被证实为美国地下有效的滋生地，当Sonic Youth和the Swans成为当时东海岸上不谐和音的统治者和德克萨斯迷幻噪音的代表，the Butthole Surfers 在美国留下了恐怖的轨迹，并且Boston Mission of Burma在它们短暂的生涯中同时推动了巨大的影响力和预见力。在80年代中期，最初商业突破的R.E.M，立刻给美国地下一个新的视角。在90年代早期，对于一些重要的美国地下乐队的艰难工作和相对意义上的成功最终被证明成为了这场运动的解散；许多这场运动的主要行为被其带有成年的标志给驱散了（它们失败在没获得大量的观众，尽管他们在欧洲赢得了一定的进步），而且通过Nirvana在1991年底的风格突破，地下乐开始慢慢分裂，极大程度上分裂为另类摇滚（因为他们有更好的商业利用价值）和独立摇滚（因为他们很少去模仿他人，有自己的风格）。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Sonic Youth


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        承袭自70年代末的朋克运动风潮，成军于l981年的Sonic Youth，成为80年代中最具代表性的吉他实验团体之一。有别于其他的Hardcore或是Punk乐队，Sonic Youth追求的除了精神上的发泄、感官上的刺激之外，更多了实验性的气质。聆听Sonic Youth的作品，虽然他们使用的乐器，和大多数的摇滚乐队一样，使用了鼓、吉他、贝司，但是你就是不能说出他们的风格承自于谁。同时，SY更赋与吉他噪音一种生命，在巨大、不和谐的噪音之下，创造一种空间感；使声音变成一种永无止境的旅行...
推荐歌曲：superstar（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-18 10:41

19.Anarchist Punk（无政府主义朋克）
        当Johnny Rotten在Sex Pistols初次发表的唱片中咆哮出‘我想要..... 无政府状态的混乱’时，它比那些深深握着政府信仰的更能煽动全场。但是，许多把这种信条深入灵魂的朋克乐队，不仅仅只是盲目的反对权力而是针对这种思想的政府，或至少是伪善的，滥用职权的政府。无政府主义朋克乐队有些是来自右翼分子的（the Dead Kennedys），有些是来自被压制的工人阶级（the Exploited）或是两者兼有的；无论它的由来如何，它通过其激进的思想被统一了。大部分无政府主义朋克是硬核朋克的分支，自从他们都在同一时间显露，并且无政府主义朋克常常以粗野的风格展现，更多的是音乐的非专业人士。这其中一部分的原因来自于这种风格的音乐是以个人自由为意识形态的（音乐上个人宣泄应该被每个人利用，无需不理会技术上的能力），并且这种思想渐渐比音乐本身更重要。但是能使人通过音乐充分理解到这种信念是和所宣扬的同样激进也是很重要的。所以，无政府主义朋克被认可为通常都是喧闹的，快速的并和它的专业技术一样的粗糙。最具代表性的无政府朋克乐队是Crass，因为他们的非凡的音乐结构以及他们乐队成员的生活方式坚持了他们的演奏思想。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Dead Kennedys


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        The Dead Kennedys 要庆祝乐队成立二十五周年，却在这一周遭遇了更多内部不合问题，充分表明了乐队已经分裂的小集团之间恶劣的关系。乐队的吉他手 East Bay Ray、鼓手 D.H. Peligro 和贝斯手 Klaus Flouride 对主唱 Jello Biafra 提出邀请，希望乐队重新联合并于周二的时候在洛杉矶的 Key Club 举行一场演出，结果遭到 Jello Biafra 的严词拒绝。
组建时间： 1978 国籍： 美国 解散时间： 1987
推荐歌曲：I Fought the Law（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-18 11:59

20.Arena Rock（舞台摇滚）
       舞台摇滚发起于70年代中期，当重型摇滚和重金属乐队开始赢取了声望。这种音乐因其引以为傲漂亮的旋律和赞美诗般的合唱形式逐渐成为商业导向和广播电台的宠儿，当然还有他们把重型摇滚和普遍的认知的民谣结合起来。大部分这些乐队是通过他们大量的把唱片发送给FM电台和持续的巡回演唱会争得了他们大量的乐迷。如Journey，REO Speedwagon，Boston，Foreigner和Styx就是通过此来成为70年代中后期最流行的乐队。

具有该风格的乐队/艺人名单：

AC\\DC


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        AC/DC区别于其他所有硬摇滚乐队的一个事实就是他们除了演奏精彩刺激的摇滚乐之外，其他的事情一概不关心。硬摇滚确实是一种奇怪的工业，一个做出过最重的THRASH METAL的决不循规蹈矩的乐队，却会突然推出一张专辑，全是短小，甜美，老练得足以在电台上反复播出的歌曲。贪欲和自大，驱使音乐家们进入这种奇怪的工业。也有很多乐队的主要目的是使某个吉他高手或演唱高手或创作高手的个人才华得以充分体现。当然，还有一些乐队在歌曲里试图表现智慧，才识，甚至哲学的思考...
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作者: Raito    时间: 2007-7-18 14:48

21.Aussie Rock（澳洲摇滚）
        澳洲摇滚并不是指所有来自澳大利亚的摇滚乐队。反而，澳洲摇滚是那些在酒吧演奏乡村音乐的乐队在传奇性的激烈竞争中形成的一种强硬的硬核音乐。在本质上，在神圣音乐里的不同，依然有它艺术的美，像the Celibate Rafles,AC/DC和子夜石油乐队等。

具有该风格的乐队/艺人名单：  

Midnight Oil


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        许多乐队对于自己度过20周年这一个隆重的里程碑式的时刻常常做会大肆宣扬，他们会去做电视专题节目，特别的MV合辑，3CD的精选，公园里的免费演出等等之类的事情。而Midnight Oil如今也把自己的历史推向了这一辉煌的20周年的美妙时刻——但他们却选择让这一重大时刻悄悄过去，没有加以宣扬。

因此如果Midnight Oil不情愿过这个生日的话，就让我们现在自己把他们拉过来，一起来参加这个庆典，来一起许愿一起吹蜡烛——这毕竟是一个乐队，一个藐视所有音乐潮流并拥有10张唱片（2张EP）以及全球一共1200万张唱片销量的乐队。他们用自己的音乐反抗不公正、不平等、人情冷漠以及玩世不恭和保守主义内在的那股邪恶力量，他们愤怒，他们正义而刚正。他们创作了许多优秀作品——而且再从其他方面上说，Midnight Oil确实能算音乐史上比较出色的一支乐队。

而正当我们在谈论他们的时候，Midnight Oil已经渡过第21个年头了，而现在他们也发行了乐队第一张精选专辑——名为“20, 000 Watt RSL--The Midnight Oil Collection”。

人们一般把1976年作为Midnight Oil的诞辰之年，因为就在那年吉他手Martin Rotsey加入了其他三名乐手的行列并成为终生伴侣——Jim Moginie,Rob Hirst和Peter Garrett。本来这支乐队名为Farm，自从1971年就一直经历了分分合合——但到1976年他们把名字改为了Midnight Oil。乐队第一张同名专辑（被老歌迷和朋友们昵称为“The Blue Meanie”）在1978年出世，79年随后又是另一张专辑“Head Injuries”，发行于1979年的10月。这两张专辑并为乐队之后的现场表演造势，令歌迷们对乐队刮目相看——虽然他们的现场表演并不是十分出色。

1980年乐队阵容发生了些变化，原先的贝斯手Andrew James由Peter Gifford顶替，并在1980年11月发行了一张全新专辑名为“Bird Noises”。1981年乐队来到伦敦与著名的英国制作人Glyn Johns（The Who和Rolling Stones）合作录制专辑，这张专辑名为“Place Without a Postcard”，发行于1981年11月。凭借其中的“Armistice Day”和“Don't Wanna Be the One”两首杰出的作品，Midnight Oil的这张“Place Without a Postcard”常没视为乐队的第一个转折点——乐队从此熟悉了解了录音棚工作的紧张，而此时创作的歌曲不仅融入他们现场演出的那种激情和怒火，并能看出他们自己的智慧和政治见解。

1982年Midnight Oil回到伦敦继续录制唱片——几在这个时候乐队做了一个很重大的决定——与一个年轻的天才合作，这个人名为Nick Launay。Launay磁性嗓音中透出一种怪异的渴望，在录音室里他的声音与乐队日益成熟的词曲创作能力配合地天衣无缝。而这张绝无仅有的专辑“10,9,8,7,6,5,4,3,2,1”（发行于1982年11月）让Midnight Oil在他们的家乡迅速建立起超级明星的崇高地位。其中的几首如“Power and the Passion”，“US Forces”和“Short Memory”也成为了乐队的经典。

1984年Midnight Oil发行了另一张专辑，由Nick Launay出任制作，但这次是在日本完成的录制工作。这张专辑取名为“Red Sails in the Sunset”，发行于1984年10月，其中的如“Kosciusko”和“Best of Both Worlds”都是相当出色的单曲。接下来的一年对Midnight Oil和澳大利亚来说都是一个极其喧嚣的年份，Peter Garret参加政治竞选主张全面核裁军，同时乐队出版了一张轰动性的单曲碟名为“Species Deceases”，发行于1985年12月，其中还包括那首乐队最著名的赞美诗词“Hercules”。

紧接着发生的是一场革命——Midnight Oil发展历程中的一个分水岭。1986年乐队与土著摇滚乐队Warumpi一起去澳洲本土内陆荒僻的居民点举行巡回演出，这场旅行表演最终成为了书籍以及电视记录片关注的主题——内陆人民的生活暴露在Midnight Oil面前，给他们留下了深刻的印象——有积极的一面也有消极的一面。Midnight Oil回来后在1987年8月发行了专辑“Diesel and Dust”，这张专辑与英国制作人Livesy共同合作完成，专辑深刻体现了乐队旅行中的所见所闻——从几首不同寻常的歌曲如“Beds Are Burning”，“Dead Heart”和“Dreamworld”都有所表现。

凭借这张专辑“Diesel and Dust”一路上扬突破5百万的销量，Midnight Oil在全世界范围内成为一个商业成功的典范。等乐队结束了随后的全球巡回演出后，Midnight Oil与一些制作人回到了录音棚创作录制下一张专辑“Blue Sky Mining”，这张专辑是乐队的另一张惊人之作，发行于1990年3月，其中如“One Country”，“Blue Sky Mine”和“Forgotten Years”体现了在不失原先狂热的激情、杰出的词曲创作和身上的重大责任的基础上，Midnight Oil如今对于国际形势的新看法。这张专辑也是第一张有Midnight Oil第三任贝斯手Bones Hillman参与的作品，Bones凭借其充满活力的表现以及非凡的才华赢得了广泛的赞誉。

Midnight Oil在90年代发片的步伐开始放缓——过去15年里乐队在出版专辑和演出上已经投入了大量精力，因此这也是可以理解。1992年Midnight Oil发行了一张活力四射的现场专辑“Scream In Blue (Live)”，于1992年的5月。随后在93年又是专辑“Earth, Sun and Moon”，这张专辑发行于2月，体现了乐队性格豪爽的一面，而专辑一部分是现场录制于一个条件异常糟糕的录音棚里，但“Earth, Sun and Moon”还是为Midnight Oil订下了一个新的发展方向，顺着这条路Midnight Oil在96年10月发行了乐队历史上第十张专辑“Breathe”。

而现在Midnight Oil带给我们的这张“20, 000 Watt RSL -- The Midnight Oil Collection”带给我们来自乐队10张经典专辑中的16首最佳单曲，还增加2首乐队最近录制的单曲——分别是“What Goes On”和“White Skin Black Heart”。也许叫“20, 000 Watt RSL -- The Midnight Oil Collection”这个名字有点傻，因为乐队从没有把精选与是否“great”放一起考虑过。

Midnight Oil从诞生之日起给我们留下了如此众多的经典歌曲和白金唱片，他们的足迹是没有疆界的，他们的发展不依赖于任何规律，而重要的因素对Midnight Oil来说就是情感、表达、音乐内容和表演。Midnight Oil就象一条河流，贯穿不息，如今走过20周年这个里程碑他们仍将续写自己的历史。

推荐歌曲：only the strong（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-18 22:24

22.Baroque Pop（巴洛克流行）  
         巴洛克流行在60年代中期出现，这是一个包括Left Banke, the Beach Boys,　制片人Phil Spector和作曲家Burt Bacharach在内的艺术家开始把古典音乐的基本元素注入摇滚的时期，用以达到一个宏伟的管弦乐声响效果有别于与单纯摇滚那种原始的狂热。分层的协调，排列和喇叭是所有巴洛克流行的特点，具有强烈音乐戏剧性的，生动的特点。在它刚开始形成的时候，它是摇滚成熟的产物，它的灵魂是建立在Philly所有７０年代早期的思想到９０年代中期chamber pop的思想上的。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bee Gees


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         出生在爱尔兰海曼岛的Bee Gees(比吉斯兄弟)从小便受到音乐的熏陶，父亲Hugh是乐团的团长，母亲Barbara则是位歌手。9岁那时Barry已经开始歌唱并弹奏父亲送给他的吉他，帮他伴奏的是两个6岁的双胞胎兄弟Robin与Maurice。Robin与Barry那独一无二的嗓音成为日后乐团的著名卷标，Maurice则是在吉他、贝斯及键盘等乐器上钻研。在十几岁时，他们随着父母搬至澳洲，以Rattlesnakes为团名在布里斯本的赛马场表演。 1966年的《Spicks & Specks》为他们在澳洲得到首张冠军单曲，1967年三人以Bee Gees为团名正式重返英伦。经纪人一职由披头士经理人Brian Epstein的伙伴Robert Stigwood担任，从60年代开始，Bee Gees以旋风之姿风靡了英伦。1967年推出的首张大碟《The Bee Gees First》不但让他们成为榜上常客，其运用文字描绘影像的歌词与让人无法抗拒的旋律，使得歌曲《New York Mining Disaster 1941》、《I Started A Joke》、《Massachusetts》、《Holiday》和《Words》如今依旧是代表那个年代的伟大歌曲。早期的Bee Gees以充满灵魂的音乐为走向，指针作To Love Somebody便是献给Otis Redding这位对Robin唱腔影响极钜的节奏蓝调大师。在专辑呈现上Bee Gees也不落俗套，69年的《Odessa》便是一例，该专辑与The Who的《Tommy》并列为先导概念之作。

　　随着《How Can You Mend A Broken Heart》在70年代初期夺下排行榜的冠军，Bee Gees堂堂迈入他们的辉煌时期。70年代中期，Bee Gees转向他们称之为“蓝眼灵魂乐”的音乐风格，以假音唱腔搭配富旋律的曲调与肥厚的贝斯声线，俨然成为新式的R&B风潮。对于他们来说，放克的增添使得他们对节奏蓝调的热情再次苏醒。《Main Course》这张由Arif Mardin打造的专辑，其中2支单曲《Jive Talkin'》与《Nights on Broadway》更在97年轰动各大舞池。然而对之后的《Saturday Night Fever》而言，它们只是道开胃前菜，因为这张《Saturday Night Fever(周末的狂热)》电影原声带后来成为70年代最受欢迎的专辑，并开出4000万张的销售狂潮。

　　接下来的《Spirits Having Flown》奠定了他们“世界最伟大乐团”的地位，在这段光辉岁月里，Bee Gees缔造了两项空前绝后的纪录：乐史上唯一连续创作出6首全美冠军曲的艺人、以及唯一同时拥有5首歌曲在美国单曲榜Top 10的歌手。另一位Gibb家族成员也在70年代末期展露头角，在Barry的庇护下，19岁的Andy Gibb在1978年囊括了三座单曲冠军《I Just Want to Be Your Everything》、《(Love Is) Thicker than Water》及《Shadow Dancing》。

　　Bee Gees在80年代开始各自发展，80年初期Barry与他的制作群大部份时间都在和歌坛巨星如芭芭拉史翠珊的专辑《Guilty》、戴安娜罗丝的《Chain Reaction》、Dionne Warwick的《Heartbreaker》以及肯尼罗杰斯与桃丽芭顿合唱的《Islands in the Stream》合作。这些由Bee Gees创作加上Barry制作的歌曲，最后多数都成为歌手们最具代表的作品，而最佳拍挡Bee Gees自己本身也以UK冠军《You Win Again》再现横扫全球的魅力。90年初Bee Gees在五大洲举办久违的现场演出，紧接着的One Night Only电视特集更在全球造成热烈回响。

　　如今专辑在全球累积销售量已突破1亿张大关的Bee Gees，不仅是唯一在60到90年代都能夺得排行榜冠军的歌手，更是史上最成功的三重唱。《周末的狂热》依旧保有全球最畅销电影原声带的纪录，同时也开创日后以歌曲为导向的电影原声带模式。拥抱过7次葛莱美奖的Bee Gees，也光荣的成为创作名人堂与摇滚名人堂一员，并获全英音乐奖颁授“杰出贡献奖”，表扬他们对音乐的众多贡献。另外，改编翻唱Bee Gees的歌曲高达500多首，其中不少是像芭芭拉史翠珊、超级男孩、天命真女、席琳迪翁、猫王、珍妮丝贾普林、戴安娜罗丝等天王天后级的歌手。

　　过去这些过人的成就更肯定了Bee Gees 2001年的新专辑《This Is Where I Came In(我的开始在这里)》的音乐性，从《Sacred Trust》的优雅耳语到《Loose Talk Costs Lives》的深远灵魂，再到《Deja Vu与Embrace》的浪漫激情，除了音乐本质其它都无需在乎。对于在流行音乐界有着举足轻重地位的Bee Gees而言，能在数十年后依旧受到欢迎与尊重的确是件很棒的事，而《This Is Where I Came In》也再次证明了Bee Gees的音乐有着跨越时代的魅力。

　　Bee Gees保留昔日传奇性的信念，同时持续探索着从未接触的领域。一段段令人难忘的旋律随着空心吉他缓缓流泻，尾随而来的是由三个不同特质音色所组成的合声，真实地呈现出他们对过去这40年来所发生的一切感受。
推荐歌曲：First of may（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-19 12:01

23.Big Beat（重打击乐）
        把电子音乐从下滑的实验边缘营救起来，重打击乐以下一波的重纯音乐出现在90年代中期。在1994世界各地的区域性的钱财已经着重于较少内涵的跳舞音乐方面，用以对同时期那些迷恋于鼓，贝斯和实验形式的chin-stroking intellectuals做出反击。重打击乐通过其明晰的乐章最终在1995-96年左右结合了两大英国标志----Brightons Skint和Londons Wall of Sound.前者---以Fatboy Slim, Bentley Rhythm Ace和Lo-Fidelity Allstars创在出的释放的家园---获得了越来越多的名誉在其创新和音乐质量上，尽管Wallof Sound在较早时被发现并且通过Propellerheads, Wiseguys和Les Rythmes Digitales大量发行单曲。重打击乐很快被证实它在美国同样很流行，并且乐手依靠City of Angels Records和英国的风格获得了更高的名声。除了Fatboy Slim，其他重打击乐的巨星便是the Chemical Brothers 和Prodigy这两个创造了此风格和帮助它产生的乐队。The Chemical Brothers和Prodigy这两个乐队从不去死板的适应对方，给予作品那些常能反映出更多trip-pop优点的智慧，并且很少用真正打击乐那种愚笨的舞台风格。
重打击乐的声响效果，是在旧学校派对上更无拘束适当放松的尝试,是和旧学校说唱一样在80年代后期怀旧的音乐形式，并且它倾向于愚蠢的形式和无法压抑的破裂。尽管设计和大量的生产超越了他们的前辈，但是重打击乐在90年代后期仍然被指责为破坏了纯电子音乐。
甚至当Chemical Brothers, Prodigy和Fatboy Slim的唱片冲击了美国并且赢得了正面的肯定---得到了摇滚评论家的认可---然而在世界范围内，许多舞曲的乐迷坚决抵制那些太多依靠巧妙的演奏技巧的风格。重打击乐持续了相当长的惊人的时间，被定以一种风格，这种风格是建立在听众听同样的破裂声许多次所表现的耐性上的，就像DJ们在地方简陋的小商店里寻找感兴趣旧的经典的唱片一样所表现得耐心。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Fatboy Slim


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        一看这个题目大家就会知道是在哗众,正如FatBoy Slim的音乐, 至少在场面与声势上,它要先声夺人,让你的耳道和脚踝同时在几 秒种内充血,这亦是新近风头正盛的Big Beat乐队,如 ChemicalBrothers、Prodigy等音乐的一贯伎俩和作风,而Fat Boy Slim正是Big Beat界最近涌现的生力军。
FatBoy Slim是一个做事迅速、立意果断的中年男人Norman Cook的个人乐队,亦可称他的绰号或艺名。Norman多年的混音师与录音师身份使他可以在一天内让十首不同的曲子——可以是天 鹅湖、中国民谣或John Cage的“Four Walls”——成为风格统一、符合他美学态度的Remix作品;某种角度来说,如果你是 Norman的任其所为的经纪人,你一定不会再相信音乐产业如今已是穷途末路。同时,他决不是一个流水线工人般,思想古板的电子压 模器,他可以用独到的手法释放、酝酿或提炼出每首歌性格化的情调来,这手法说出来亦毫不新鲜——就象Jimi Hendrix的乐器看起来毫不新鲜一样——从属于Break Beat阵营,光怪陆离、柔肠百结的节奏运用, 它是最流行、最实用的一瓶盐,控制它数量的增减多寡你马上会做出无数种味道的菜来。反正现在一些青年 人的音乐胃口已经彻底分不清咸淡了,他们更多是跟在心怀不轨的学究——乐评人,以嫁接、采样、拼贴、 搅拌为手段的新新音乐家——DJ,这些伪美食家屁股后边,用臀部和脖子——而不是耳朵来听音乐。我们应 该清醒地看到,我们已处于继80年代Disco风潮以来更加风起云涌的舞曲时代。而最最过瘾,最能让你精神 紧张、血流加速、肉体兴奋的舞曲无疑是Big Beat,当有人暗讽它不过是一种用压榨机漂白后再用神奇酵 母恣意放大后的Hip Hop,那么当你无意闯进一个Big Beat风格的Rave Party,你能在那吞噬灵魂、蹂躏大 脑般的巨大节奏中停止你膝盖的颤抖,让你惨白的脸色恢复正常?并且,你需不需要这种时尚的感官刺激,在 你乏味而狭小的朝九晚五之间?
推荐歌曲：right here, right now（点击下载）?　
作者: Raito    时间: 2007-7-19 12:11

24.Blue-Eyed Soul（灵魂乐）
        灵魂乐指的是灵魂和R&B音乐的演奏以及白人音乐家歌声的组合。它最初出现在60年代中期，Righteous兄弟用打击乐唱着《失去爱的感觉》成为它出项的标志。整个60年代后期，灵魂乐开始颓废，象Rascals,the Box Tops,Mitch Ryder,Tony Joe White和Roy Head乐队受到一系列的重创。70年代时，灵魂乐继续发展，如Hall & Oates,Rebert Palmer,Averge White Band,Boz Scaggs,和David Bowie等乐队的推进，使演奏风格更加现代化。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Culture Club


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        对现在的年轻人来说, 80年代似乎已经象炻器年代那样遥远了。如果你知道80年代的流行音乐，那么这个CULTURE CLUB对你来说一定不陌生。主唱BOY GEORGE的特殊装扮更是当时少男少女群起效仿的榜样。该合唱团的第一首单DO YOU REALLY WANT TO HURN ME 于1980年出品，当时席卷英国和美国唱片市场。到1984年，这个CULTURE CLUB声名无人可及。但是名声和财富就象一弱酸，渐渐将这四个伙伴的友谊腐蚀了。1986年，在出了他们的第五张专辑之后，四人分道扬镳， 不再来往。BOY GEORGE在这段时间里染上毒瘾，差点送了命，从此之后，这四个人的事业都失去了往日的辉煌。直到1998年，这四个人再次合作，出了这两张精选辑，它收集了80年代以来每一手每一首最负盛名的歌曲，另外还有三首新歌。这两张精选唱碟，第一张是80年原唱精选， 第二张则是CULTURE CLUB在电视上演唱现场录音。喜欢他们的听众可以回忆一下自己风华正茂的80年代。BOY GEORGE这样评论他们的重新携手：“我们终于长大了。” ……
推荐歌曲：Do You Really Want To Hurt Me （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-20 17:53

25.Blues-Rock（蓝调摇滚）
         很多早期的摇滚是基于蓝调的，但是直到60年代后期，蓝调摇滚仍没有完全发展为一种被认可的流派。蓝调摇滚着重于两种明确的特征---传统的三和弦蓝调歌曲和乐器的即席创作。结合了小型爵士乐队和摇滚不断扩大的喧闹特点，传统的蓝调摇滚---像Cream那样由Alexis Korner 和John Mayall的传统的英国蓝调风格而来的乐队，又如美国the Paul Butterfield Blues Band和 Canned Heat—也尝试着演奏在爵士唱片和蓝调演唱会中司空见惯的长的即席创作。这种混血儿很快就流行起来，与此同时很多乐队立刻开始模仿他们，甚至比他们更喧吵和更多的重复段。在70年代早期，蓝调摇滚和硬核的界限越来越不清晰了，像以爵士乐为基础的ZZ Top就吸取了专辑摇滚作品的表演手法用以模糊他们的蓝调根源。不论如何，蓝调摇滚逐渐远离了硬核，并且有一部分的乐队仍继续演奏，重写和创作歌曲按照蓝调的标准。在80年代和90年代，蓝调摇滚比6，70年代更为坚定，即使当如Fabulous Thunderbirds 和Stevie Ray Vaughan这样的乐手玩弄起了摇滚演奏者身份。在80年代，蓝调摇滚已经成为像蓝调一样被认可的传统。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Rolling Stones


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        1962年7月21日"THE ROLLING STONES"在伦敦首次演出.1963年录制了第一张单曲专辑<<COME ON>>.此后不久有录制了的二首单曲专辑<<I WANNA BE YOUR MAN>>并于1964年1月登上了排行榜的的十位.到了2月出版了第三张单曲专辑<<NOT FADE AWAY>> .他们的第四张单区专辑<<IT\'S ALL OVER NOW>>是成功的,他们凭着这张单曲夺取了英国排行榜的榜首.这首单曲预示着理查德和贾格尔合作的开始.已开始他们的作品还带着节奏与布鲁斯的味道,直到后来他们超越了节奏及布鲁斯的风格,他们的创作才开始真正活跃起来.1965年他们的单曲<<SATISFACTION>>获得了美国排行榜的榜首.这首作品完美的综合了影响乐队的各种音乐风格.这首作品标志着"THE ROLLING STONES"在音乐上的进步.这首单曲得成功不仅因为乐队的表演和乐曲本身,更重要的是它精确地反映了那一代人的思想感情.再此后的两年中虽然"THE ROLLING STONES"的单曲和专辑都获得了很大的成功甚至获得了排行榜的冠军但影响却都不如<<SATISFACTION>>.也正是在这一两年中他们在公众中树立了自己"革命"的形象也奠定了他们在摇滚乐谈中的地位.与此同时他们也被当局"看上了",1967年贾格尔,理查德,琼斯因吸毒而被捕,并遭到不公正的判决.最后在各方面的呼吁下才被宣判无罪释放.此后他们发行了单曲<<WE LOVE YOU>>.同年有发行了具有迷幻风格的专辑<<THEIR SATANIC MAJESTIES REQUEST>>.转年5月发行了另一首成功的单曲<<JUMPING JACK FLASH>>,并举行了两年来的第一次英国演唱会.同年12月专辑<<BEGGAR\'S BANQUET>>发行
推荐歌曲：SATISFACTION（点击下载）
作者: godjoewd    时间: 2007-7-21 11:20

Jimi Hendrix 是我喜欢的BLUES风格的乐手，他的吉他非常出色，大家对他的定位是BLUES吉他乐手，他的音乐带有摇滚的色彩，但是以BLUES为核心的，说他是酸摇滚，可能不是那么贴切！
Eric Clapton 真正的BLUES，没有争议！风格就是BLUES！
谢谢楼主的资料，能让大家更了解因为
作者: Raito    时间: 2007-7-21 12:53

26.British Blues（英国蓝调）
        除了在地理位置上的差异外，50年代后期和60年代早期出现的初期英国蓝调，通过一种对蓝调创始人尊敬的情怀，固执地依附在美国蓝调类型中。到60年代中期蓝调复兴时，英国的吉他手们——主要是Eric Clapton——开始用他们自己的合成乐拓展一种新的形式。B.B,Albert和Freddie King用功率大的扩音器将音量放到最大，烘托出婚礼中的热情。英国蓝调广泛的结合了蓝调摇滚，曾经的传统蓝调艺术家，如Rolling Stones和Clapton成为摇滚明星。与美国的摇滚比较来说，英国风格也许是与之联系最紧的。正是这种不断地变化，同时又保留着老的风格和主流使它进入了流行市场，这正是英国蓝调的特征。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Yardbirds  


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         只要你已不是用耳朵，而是用心听了三年以上的摇滚乐，相信，哪怕你仍然对现今如火如荼的现代摇滚（modern rock）善意地采取一种适可的宽容态度，在你一直不懈地寻觅摇滚艺术中最贴切、最完美、最惊心动魄的篇章的前提下，你终将皈依那神话般不可思议的六十年代摇滚盛世。让我们回到丑陋的唱片工业机器尚未全面轰鸣时的那方净士，从那些真正令人肃然起敬的摇滚英雄名录里，看一支几乎每篇介绍摇滚史的文章中都被提到——但人们只将更多的目光聚集于它那传奇般的经历，却很少正视其音乐的组合——The Yardbirds
从这近乎谦恭的队名——"雏鸟"中，我们似乎已可看到几张点缀着雀斑，漾溢着进取心的年轻面孔，但这群"雏鸟"从组队到解散不超过一百首的作品里你休想找到任何关联到"稚鸟"这一词构隐征的因素——无论其音乐还是技巧。反而乐队成立解散不到五年的时间内令人啼笑皆非的人员变动，唱片销量、赴美巡演等客观事件上的戏剧性有些雏鸟学飞般跌跌撞撞的尴尬。

值得深思的是，之所以The YardBirds在摇滚史上有一个还算显赫的位置，绝大部分原因在于先后有三位极为优秀的吉它大师担任乐队主音吉它手，他们是Eric Clapton、Jeff Beck和Jimmy Page。而由此带来的后果是无法定位，变幻莫测的风格使唱片公司、听众，尤其是乐队成员心神疲惫，最终，在摇滚乐这个巨大的坐标系中无法找到一个确定点的The YardBirds，如始终飞翔不得栖木的雏鸟般殒落了。三十年后当我们遁着The YardBirds的进程细品他们启示录般的音乐时，多少感到些无奈与悲壮。

正如人们无法想象The Cream、Jeff Beck's Group与Led Zeppelin这三支乐风迥异的乐队的灵魂人物竟皆出于同一支乐队。事实上，这三位天才无论有意还是无意都使The YardBirds绝不逊色于三人后来组建的任何一支乐队，而且，这块"路石"上的足迹足可以让任何摇滚后辈们触目惊心。

1963年5月，出于对R&B（节奏布鲁斯）的共同热爱，五名从小生活在伦敦以西的两个村镇——Richmond和Kingston的小伙子--Keith Relf、Jim McCatry、Chris Draja、Paul Samwell-Smith及Anthony Topham组合成立了The YardBirds。六个月后，由于Topham音乐方面的局限性及一些个人问题离开了乐队。同时，短发而严肃的Clapton在Draja的介绍下加入了The YardBirds。

早期的The YardBirds是一支典型的现场型乐队，Clapton一直被人们津津乐道的现场吉他演奏就是在The YardBirds最早进行演出的俱乐部Crawdaddy里开始成形的。在那里他们遇到了Rolling Stones的前经纪人Giorgio Gomelsky，并请他掌管乐队事务。这位交际广泛、善于理财，并且精通音乐艺术的经纪人给乐队早期客观上的发展带来了许多好处。

这期间乐队成员们努力使各自的技巧臻于完美，并不断完善着队员间的配合与默契以在潜移默化中确立乐队风格。这里有必要誊出笔墨来讲一下本不该被乐队三位著名吉它手的光芒遮掩的其他四位成员的音乐造诣。

Jim McCarty是一位杰出的、富于直觉力的鼓手，他应和着音乐需要时而丝丝入扣、时而天马行空的敲击使The YardBirds的歌曲拥有了比其它乐队更富生命力的节奏段落。Paul Samwell-Smith用充满热情、活蹦乱跳的贝司领头羊般带领着乐队前进，甚至当音乐进入特意营造的拖沓氛围时，他仍事不关已地牢牢掌握住整个曲目的骨架（如在"Sweet Music"中的演示），这样音乐会神奇地展示给听者不和谐背后，静与噪、慢与快、亮与阴由于醒耳的矛盾而更有效地凸现出的彼此对立的双方——这种各自为阵的演奏手法出现在如今众多地下摇滚乐队的音乐中，如Ultra Vivid Scene、Eric`s Trip等。Chris Dreja是当时英格兰许多身手敏捷的节奏吉它手中极富想象力的一位，在高分贝的音乐中他不但勾勒出精致的节奏并恰如其分地迎合出流畅的旋律感。瘦小羸弱的主唱Keith Relf用他词曲创作方面的才华多少弥补了乐队早期缺乏原创力的缺陷，写出了"I Ain't Done Wrong""Honey InYour Hips"。之类的好歌；他还能吹一口悠扬的口琴。可叹的是Keith Relf患有慢性气喘病，这致使了他的肺在1964年的完全衰竭，这亦是乐队日后解散的一个伏笔。因此他的声音虽能在飘忽不定的状态中捕捉到任一瞬息即逝的乐感，但明显缺乏力度，在Jimmy Page时期这一缺陷尤为突出——于是乐队在音乐中加入大量合声，这一举措画龙点睛般赋予了The YardBirds音乐另一方特色，例如"Still I'm Sad"。

Clapton时期年轻的The YardBirds对歌曲的演驿令人惊讶地干净与合乎规则，更类似于原汁原味的美国R&B乐队而在刚起步时已在英国数以千计的R&B组合中显得卓然不群。The YardBirds音乐上更为突出的特点是强劲的节奏段落（这在当时布鲁斯音乐中是极为少见的，变成为后人尊The YardBirds为重金属先驱的唯一原因），与Keith Relf的Chicago（19世纪在芝加哥流行的一种爵士乐）式低音部唱腔，当然，Clapton中足令其这吉它手瞠目的华丽、热力四射的solo亦不能排斥在外。

1964年6月The YardBirds推出的首张单曲唱片"I Wish You Would/A Certain Girl"卖得很差，奇怪的是其极具独立性的音乐几乎没在摇滚圈内激起一丝涟漪。Clapton沮丧地认为单曲的"失败"应归罪于乐队其它成员离开了R&B的根源而任凭音乐陷入进退两难的窘境。这一矛盾在以后的几个月中愈发激化：以Paul Samwell-Smith为首的老队员觉得民谣布鲁斯（Folk Blues）能更准确地体现出布鲁斯的内涵——恐惧、孤独、悲哀和幽默，并决意拓展更为宽广的音乐领域，包括对录音艺术（Art of Recording）的研究；而Clapton着魔般地对电声布鲁斯（Electric Blues）产生了近于虔诚的态度，并力求在吉它技巧上予以完善。终于，1964年末，在乐队尚未推出一张正式专辑前，Clapton宣布离队。

1965年3月，随着单曲"For Your Love"登上榜首（这是The YardBirds历史上唯一登上榜首的歌曲），一名削瘦英俊的年轻吉它手填补了Clapton的位置，他就是Jeff Beck。很快Beck与乐队在伦敦东面的Croydon进行了他生平第一次演出——新阵容里的每个人都很满意。随后乐队推出了一张EP"Five Yardbirds",只要是一双对摇滚乐有起码鉴赏力的耳朵就会发现The YardBirds在新吉它手的催化下，已开始了音乐上野心勃勃的革新与开拓。同年6月，囊括了这张EP与Clapton时期全部曲目的拼盘《F or Your Love》由Epic唱片公司草草推出，这是The YardBirds的第一张正式专辑，听起来却象两支风格不同的乐队推出的合辑。

那段时间里，包括Beatles在内的一部分英国乐队开始对富有感召力与神秘色彩的印度音乐家产生兴趣。The YardBirds创作的以"Still I'm Sad"为代表的一系列单曲自然不甘落伍地沾染了宿命的东方品味。接着于Rolling Stones同年发行的单曲"I Can Get No Satisfaction"之后，The YardBirds又对模糊而紧凑的吉它音效产生兴趣，这种技法Beck在"Heart Full of Soul"中的运用显然比Keith Richard来得更为前卫和成熟。无论如何，尽管那时乐队的音乐试验缺乏独创性——仅局限于跟随他人的脚步，我们已可看出当时年轻气盛的Beck是一位十足的音乐冒险家。

同年9月，"Heart Full of Soul"进入英榜前十位，Epic公司驱使The YardBirds盲从了当时但凡有些名气的英国乐队都去美利坚淘金的潮流，乐队不合时宜地开始了第一次美国之行。他们先后去了孟菲斯、田纳西和芝加哥三个地方，那时，由于各种原因——宣传上、资金上、不受美国人青睐的浓郁的英域摇滚风格等等，乐队远未受到象Beatles或Rolling Stones那样的欢迎与注意。事实上The YardBirds只在美国举行了两三场演出，这对初出茅庐、踌躇满志的Beck不能不说是一种打击。但塞翁失马、焉知祸福，乐队在美国广泛地接触了许多艺术家与音乐流派，激发了创作欲，在孟菲斯的"太阳"录音棚开始了真正激动人心的实验创作。这里他们录制了日后现场保留曲目："You're A Better Man Than I"和"Train Kept Rolling All Night Long"，这也是The YardBirds所有作品中最重要的两首。显然Jeff Beck更适合于录音棚，这两首歌中，他石破天惊地用搓扭吉它弦的技法做出扭曲畸变的声效，更重要的是，Beck在录音时大胆地运用了吉它回授。实际上，这种一直影响至今的手法Beck在英国时已在舞台上应用了，远早于Townshend和Hendrix——虽然吉它回授这一概念是随这两位大师的名字而闻名于世的。

回到英国不久后的11月，乐队推出第二张专辑《Having A Rave Up》，包括EP"Five Yardbirds"之后的所有单曲及四首现场作品。同上张专辑相比，乐队显然已完全适应了在录音棚内做音乐，多元化的风格使乐队的音乐游刃有余，自由地展示乐器方面的才能，如"I'm A Man"结尾处Beck即兴发挥的那段solo，出人意料地展示给我们一片Sonic Youth风光。《Having A Rave Up》是六十年代最重要的专辑之一，在音乐上甚至超越了同期Beatles的《Second Album》与Rolling Stones的《December's Children》。

Jeff Beck阶段是The YardBirds音乐上最为喧闹和动荡的时期，这对四位老成员在音乐意识上的确是一种挑战，而力图彻底摆脱R&B樊笼的Jeff Beck对乐队根深蒂固的R&B理念亦日渐反感。虽然《Having A Rave Up》专辑封存皮上身着黑西服的五个人面带笑容，显得亲密无间，但乐队内部裂隙已难已愈合。专辑推出不久，一直热爱着民谣布鲁斯的Samwell Smith——曾一度为乐队音乐掌舵的贝司手退出了The YardBirds，他随即以一名制作人的身份出现。

1966年8月乐队第二次进军美国，鉴于上述原因及前次美国之行在Beck心中留下的阴影，他一直患有的神经衰弱症加重了，以致于他的精神状态使他无法继续扮演舞台上的角色。这时，Jimmy Page加入了The YardBirds，弹起了主音吉它，贝斯手则由Dreja去担当，时不时当Beck的病情好转时与Page形成了双吉它阵容——虽然这种情况很少发生——他俩不能说是很娴熟的配合使The YardBirds的音乐进入一种连乐队本身都没有料到的奇妙境界。不久，乐队尝试着以这种吉它配合录制了四首歌曲"Happenings Ten Years Time Ago"、"Psycho Daisies"、"Beck's Bolero"与"Strollon"。其中第一首被定义为The YardBirds创作的最具超时代感的作品，你可以从中听到时而象警笛，象核爆炸，时而又冷静、干枯得使人麻木的双SOLO以及中间音乐断开时Beck充满空旷感的喃喃自："People Ground,Are YA?…Got That Long Air…"，那是The YardBirds对迷幻时代的回应与感召。以这首作品名义发表的单曲封皮上五名成员中你可以同时找到Beck和Page，这已是The YardBirds的第四种阵容了。最后一首"Strollon"成为由Michelangelo Antonioni执导的，成功定义了六十年代西方社会的电影"Blow Up"的主题曲，本来导演想请The Who来做着件事，但没征得Townshend的同意，以致"Strollon"随影片成为The YardBirds最广为人知的一首单曲。

一支R&B组合是没有必要拥有两位主音吉它手的，一山难容二虎，况且，当时摇滚圈内更推崇在乐器技艺方面有过人之处的乐手，这样Beck离开了核心位置并逐渐迷失于Page眩目的光晕之中。于是Beck成为第二名离开The YardBirds的主音吉它手。在以后的岁月中，从1968年发行锋芒毕露的个人专辑到80年代内敛而平静的爵士摇滚创作，作为摇滚领域里真正具有革新精神的Jeff Beck终成一位倍受后人尊敬的吉它英雄。

Jimmy Page，摇滚史上唯一可与Jimmi Hendrix相提并论的吉它大师，在加入The YardBirds之前已在摇滚圈里羸得普遍的赞誉。深受布鲁斯大师Otis Rush影响的Page从不把吉它玩得华而不实，而他亦勇于去打破音乐上所有的陈规陋习，如大量吉它泛音的运用及"拉吉它"——那是1966年时一个小担手问Page是否尝试过用一把小提琴的琴弓玩吉它，他说没有试过，当他这样做时，吉它发出了极不寻常，无法定义的声响，这正是力图避免吉它奏出清晰而薄脆的声音的Jimmy Page一直寻觅的。60年代中期Page同许多伟大的吉它手一同工作过，这不但使他在表演中不断改进完善自己的风格，而且掌握了何时何地怎样去捕捉灵感。至少，Page的入队，使The YardBirds成为那时公认的技巧型R&B组合的领袖。

1966年12月22日，The YardBirds首次录制完成没有Beck参与的两首单"You Stole My Love"和"L.S.D."。1967年春天，乐队推出单曲"Little Games"。7月，推出以这首单曲命名的乐队最后一张专辑《Little Games》。

《Little Games》包括十首曲目，是The YardBirds最为出色的一张专辑，每一支歌曲都可令现今被用泛滥的轰炸机般嘶鸣遮掩底虚的音乐细节的另类摇滚侵淫得麻木不仁的耳朵悚然而惊。在"Glimpses Tinker Tailor Soldier Sailor"两首作品中，Page都运用了"拉吉它"的手法，特别在"Glimpses"中这种蜂鸣般持续而充满焦灼感的声效隐藏在其它乐器的鸣奏之后，加上Keith Relf对一首诗机械冰冷的诵读，将整部音乐营造为一个辉煌的幻觉景象。熟悉Zeppelin音乐家的人一定可以从由Page独奏的曲目"White Summer"中找到似曾相识的感觉，的确，Zepplin的两首经典曲目"Black Mountain Side"与"Over The Hills And Far Away"即分别由"White Summer"中的两段主玩具旋律改编而成。同Jimi Hendrix一样，Page的吉它声里荡漾的亦是隶属灵魂世界的超自然气息。这张专辑里，我们还可以听到同名歌曲中回肠荡气的弦乐；"I Remember The Night"扑面而至压抑而低缓的爵士风格；"Little Soldier Boy"里McCatry急促紧张的军鼓声明；以及"Drinking Muddy Water"中乐队对自己根源的R&B风格炉火纯青的回归。

"Little Games"既是The YardBirds的顶点，亦是终点。1968年7月，乐队举行了他们的最后一次演出。随后除Page之外的三名成员先后离队，形只影单的Page刚组建Led Zeppelin时曾以"The New Yardbirds"为队名，可见他对The YardBirds的留恋。总之，这只稚鸟终于结束了它传奇的飞行，在摇滚史上留下了永难磨灭的五彩斑斓的身姿。

"几乎没有任何乐队能够象The Yardbirds一样具有如此错综复杂且令人难以记怀的经历"。这是1992年The YardBirds入摇滚名人堂时主持人说的话，也许还该加上几句：对各种乐器，特别是吉它的技术性重塑，配器上交响乐般的繁鞠与精妙，鼻祖身份的噪音摇滚实践，等等。The YardBirds开启了多种摇滚乐风的大门——迷幻摇滚、艺术摇滚及绵延不绝的英伦吉它音乐。The YardBirds最伟大之外在于从未间断的充满灵性的自我否认和勇于开拓，及从对音乐不染尘埃的执着与认真态度上体现出对艺术宗教般的忠贞不渝。在这支从未游离现在被视为"过时"的R&B风格的60年代乐队身上，我们几乎可以找到90年代英伦摇滚乐中缺少的所有东西。
推荐歌曲：The+Nazz+Are+Blue（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-21 13:14

27.British Folk（英国民谣）
         英国民谣通常和美国民谣共同拥有传统中相同的精髓，换句话说，它比个人音乐覆盖得更广泛，传统的凯尔特、英国捷格舞和纺车舞成为英国民谣的三大元素。英国民谣也采纳演唱者/词曲作者在当代民谣中的革新，但没有丧失它的英国音乐明显的特点

具有该风格的乐队/艺人名单：

Monks


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        the monks(和尚乐队)可能大多数人都不是很熟悉，但他们却是真正意义上的第一支Punk乐队，当性手枪和冲撞乐队们尚未撤掉尿布的60年代中期，五位来自美国FRANKFURL军事基地的士兵组建了世界上第一支真正的朋克乐队MONKS，从60年代的眼光去看MONKS的音乐，外表与意义是古怪的超乎想象。MONKS们将头顶的头发剃了精光，配上黑色的僧袍，“领带”则是绞索，让那些卫道士们看得目瞪口呆，而他们的音乐用言简意赅的歌词联结了战争，死亡与憎恨，由主唱BUGER恶毒愤怒的夸张表情，抽搐不乾的口中吐出。他们是未来的先知。
1964年组队，1967年解散只出版过3张正式的唱片，可他们的影响力将一直持续下去，向先驱者致敬！<
那些远离摇滚本质的空中楼阁里的艺术摇滚时髦电子之流的的动静终究也必然只能是昙花一现，那些暧昧之音已经把我呛的胃疼，你们难道不感觉到难受？回顾那些根源的摇滚乐吧，我不知道该对你们说些什么，这里的朋克并没有你想象的CHAOS或者ANARCH，也无法让你玩闹的POGO起来。因为THE MONKS不属于那种吵闹的PUNK音乐，有的只是另一种表达方式，他会冷冷的向你说出：我恨你们！
暂且不说60年代我们都在乾什么，当然了我相信能看到这些胡扯的几乎就不可能有那时代的人，可我觉得就算今天听来THE MONKS一样让人感到残忍的无望。这些感情隐藏的非常好，喃喃的充你嘟囔着SHUT UP!LOVE COME TUMBLING DOWN.LOVE CAN TAME THE WILD.
在THE MONKS眼里这个世界根本不值得歌颂，只不过他们狡猾的用另一种手段表达了出来，我喜欢这样的阴险这样的玩世不恭。当然了THE MONKS会给你醉人的旋律，就好像他们是一支狂冒傻气的爵士乐队一样，这可真有意思！
难道你忘记THE MONKS了？去找来儿时看过的那本杨波编写的黑色小册子吧，小册子上有4个字，朋克时代！其中选择的THE MONK的那首complication不知让多少孩子惊奇。
同时在此向杨波致敬，借以怀念只出版了3期就被文化局喊停的朋克时代，被朋克时代影响的孩子请举手，我知道那里面也许还有你！
推荐歌曲：莲花余晖（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-22 13:03

28.British Invasion（英国入侵）
        出现在60年代中期，在美国披头士取得成功性突破时，一波英国摇滚乐队横渡到美国市场。尽管不是所有的乐队演奏都有所雷同，但在从Rolling和Stones Kink的硬摇滚到深受美国摇滚、布鲁斯和R＆B影响的Gerry和the Pacemakers、Hermans Herimts的范围内变化。英国入侵乐队的风格是用吉他演奏迷人的韵律，配以布鲁斯、摇滚和流行乐。在1964年到1966年间，英国乐队垄断了美国和英国联合王国的乐队。在那时候，又涌现出第二波英国入侵的乐队－－比如the Who和“蟒神”乐队－－它们又吸收了美国摇滚和英国入侵流行的优点。在60年代后期，许多乐队成为摇滚中的偶像，但更多的却逐渐消失。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Deep Purple


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        “Deep Purple深紫”乐队是英国的一支老牌摇滚乐队，和著名的“Beatles披头士”和“Rolling Stone滚石”并称英国的三大摇滚乐队。同时是英国的摇滚和流行跨界音乐的先驱乐队。这是具有诗史般传奇色彩的乐队，自1968年乐队成立以来的三十年的时间里，共先后发表了17张专辑，全球唱片总销量超过1亿张，仅次于“Beatles披头士”，且遥遥领先于另一支曾经有望来华演出的乐队--“滚石”。演唱会曾涉足110多个国家和地区。因其具有高超的技术和强烈的现场感染力，所到之处无不成为摇滚乐迷，特别是新音乐爱好者的节日。

Deep Purple作为世界摇滚音乐史上最伟大的重金属乐队之一，其于1968年组建于英国的Hertford，Deep Purple之所以未能问鼎重金属领域中桂冠的位置，主要有两个原因，其一在于Deep Purple频繁地更换乐队成员，就连主唱也调整过三回，再有就是同时期Led Zeppelin乐队的崛起，其中主唱Robert Plant和主音吉他Jimmy Page珠连璧合的演绎，至今，在整个摇滚音乐史上也无人能匹敌。由此看来，Deep Purple中的主音吉他Ritchie Blackmore虽然技艺超群，但始终没有遇到能与自己实力相当的主唱，而只能存活在Jimmy Page的阴影里。Deep Purple于1976年解散后，又于1984年重组，但是他们重组后的音乐作品，其水准实在令人难以恭维，同时期组建的新劲重金属乐队Extreme的任何一张专辑都足以令Deep Purple汗颜。然而，Deep Purple在重金属音乐的起始阶段，所做出的杰出贡献无疑会令后人永远地尊敬。
推荐歌曲：Smoke on The Water（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-22 13:17

29.British Metal（英国金属）
        单单来看英国金属，是和朋克摇滚一样具有巨大的反动力在70年代中期缓慢发展的重金属乐队领域。通过Black Sabbath所表演的grimy riffs形式，英国金属这个风格比他们的前辈更为快速，强硬和喧闹。常常穿着皮衣来玩快速，重击重复段，他们远离了在70时代早期的重型摇滚领域占据优势的AOR-oriented metal风格。Judas Priest, Iron Maiden 和Motorhead都是这张变革的领导者，他们在欧洲和美国赢取了忠诚的跟随者，即使他们没有参与主流　他们仍然为所有的金属乐队从鞭挞到死亡摇滚，制造了一定的音乐氛围。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Black Sabbath


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        这支来自伯明翰的乐队是由贝司手GEEZER BUTLER，吉他手TONY IOMMI，鼓手BILL WARD，歌手OSBOURNE OZZY组成。1969年乐队把原名“Earth”改成了“BLACK SABBATH”他们以使用纯正音色，极度简化的音乐和魔术般的联想著称。1970年推出了第一张同名专辑《BLACK SABBATH》。他们的第二张专辑《PARANOID>>中的同名专辑也取得了一次瞬间的轰动。乐队的演出结合了核战争与死亡的主题，还显示了毒品，青年反叛的厄运和毁灭与队的感染力是建立在于青年观众一对一的确定的基础上。但几乎没有电台乐于给他们播放唱片，其中最著名的就是《MASTERS OF REALITY》和《SABBATH BLOODY SABBATH》他们的巡演也几乎场场爆满。在八十年代BLACK SABBATH的人员一直在处于不断的变化中，只有IOMMO一人一直留在乐队中。到了九十年代BLACK SABBATH已渐渐的被人遗忘，但他们早期的唱片仍能给新一代的乐队和听众带来灵感。
推荐歌曲：War Pigs（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-23 16:46

30.British Psychedelia（英国迷幻）
        虽然属于英国迷幻乐的分类风格之间在艺术和技法方面十分相似，但她和美国迷幻还是有很多的不同。总的来说，英国迷幻比美国迷幻在演奏上更倾向于流行歌曲的结构，也更有艺术的实践性。这不是一条硬性和短时间就定下来的规则。然而，他们的简明正体现了流行的单一性，Pink Floyed依然有它在舞台上的戏剧性，通过演出让歌曲步入一个未知的领域。然而，有些时候，特别是英国迷幻在录音棚时，这些总的原则总是过多或过少的被采用。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Yes


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        YES乐队绝对不是摇滚乐史上最有名气的乐队，也绝对不是最受欢迎的乐队，但是YES乐队绝对是乐队史上最有贡献的乐队，不论从乐队编制的演奏，还是音乐创作的水准，都可以说YES乐队绝对是一座他人无法超越的巅峰。

“YES”乐队是70年代艺术摇滚的领头人物之一，成立于1968年夏天。乐队最早的成员有乔恩·安德森，贝司手克里斯·斯奎尔（Chris Squire；鼓手比尔·布拉福德（Bill Bruford，吉他手皮特·班克斯（Pete Banks，于1947年7月7日出生）以及键盘手托尼·凯（Tony Kaye，1946年1月11日出生）加入，乐队完成组队。他们加入了亚特兰大公司，并于1969年录制了第1张专辑《是》。从专辑中可以看出乐队受基思·埃默森（Keith Emerson）的演奏风格以及“第五维”（Fifth Dimension）乐队的演唱风格的影响很深。在第2张专辑《时间和一个词》（Time and a Word,1970）中，乐队继续了这种风格的发展，特别体现在他们对里奇·黑文斯（Richie Havens）的《没有必须的机会，没有需要的经历》（No opportunity Necessary, No Experience Needed）和斯蒂芬·斯蒂尔斯（STILLS, STEPENEN*）的《每天》（Everydays）这两首歌的处理上。

不久，班克斯离开了乐队，史蒂夫·豪（Steve Howe，1947年4月8日出生）在“是”中取代了班克斯的位置。他是“明天”（Tomorrow）乐队的吉他手。1971年推出了专辑《是的专辑》（The Yes Album），标志着乐队后期风格的开始。从此，乐队的作品全部由乐队成员自己编写，并且凯开始引进了多种合成器。

克里·韦克曼（WAKEMAN, RICK*）后来代替了凯，克里·韦克曼是皇家音乐学院正式学员，他的古典键盘风格给乐队1971年的专辑《脆弱》（Fragile）带来了一种突破性的效果。1972年，在精明的经理人布赖恩·莱恩（Brain Lane）引导下，“是”乐队开始尝试一种叙事性的交响乐式的风格，先后于1972年和1974年推出了专辑《靠近边缘》（Close to the Edge）和《从地形海洋来的传说》（Tales from Topographic Oceans）。两张专辑都由艾伦·怀特（Alan White，1949年6月14日出生）出任鼓手。于1972年取代了比尔·布拉福德。虽然安德森的歌词意思变得前后不连贯，两张专辑中也充满了在时间上、音量和音色上前后矛盾的问题，但是这些“缺陷”加在一起却变得很有力量。1973年乐队推出了现场录音专辑《是之歌》（Yes Songs），第2年又出版了专辑《继电器》（Relayer）。当时里克·韦克曼已离开了乐队，开始了他相当成功的个人生涯，瑞士人帕特里克·莫拉斯（Patrick Moraz）代替了韦克曼。

1975-1976年间，乐队成员开始了一些个人活动。1977年，他们的专辑《为一个目标奔忙》（Going for the One）出版了，随后莫拉斯由于同乐队在音乐方面不可调和的分歧而离开了，而韦克曼重新加入乐队。他们1977年的专辑表明乐队经过一系列的探索之后，又在一定程度上回到传统的摇滚乐上来了。从专辑中挑出的《神秘故事》（Wonderous Sotrises）录成单曲出版后，于同年成为英国排行榜第7名。

乐队1977年 专辑还有一点引人注目的是没有用罗杰·迪安（Roger Dean）设计的封面，前一年开始同乐队关系紧张的制作人埃迪·奥福德（Eddie Offord，）也没有出现。YES乐队的专辑封面从来都是一流的艺术作品，仅仅就这些封面而言就已经值得珍存了。

1979年，主唱安德森和韦克曼都离开了乐队，他们的位置由BUGGLES乐队的特雷弗·霍恩（HORN, TREVOR*）和格夫·唐斯（Geff Downes）代替。但是他们1980年出的专辑《戏剧》（Drama）进一步显示了这个新组合的内部矛盾。1980年底，乐队不复存在了。豪和唐斯加入了“亚洲”（ASIA*）乐队，而霍恩把他的全部时间都投入到唱片制作上去了。年底以前，“是”乐队的一张现场录音专辑《是的演出》（Yes Show）问世。

直到1981年4月，乐队才对外宣布解散。这期间，“Yes”的成员各自发展。1983年，乐队又重组，特雷弗·霍恩担任主唱/吉他手并负责一部分制作工作。他们录制了一首在排行榜上获得意想不到成功的单曲《孤独之心的主人》（Owner of a Lonely Heart），这首不同于以往艺术摇滚风格的当代硬摇滚的歌曲在1984年1月成为美国榜的冠军。这首歌也促使他们出版了那张摇滚史上最有价值的专辑《90125》。这张取名《90125》的专辑可以说是旷世之作！成为世界上无数乐队的推崇专辑。

但乐队却没有抓住这个好时机。一直到1987年，他们才出版新专辑《强力发动机》（The Big Generator），专辑给人的感觉也是一般化。由于在使用乐队名称上的争议，原“是”的4位成员在重组时不能使用“是”这一名称，因此他们只能以“安德森-布拉福德-韦克曼-豪”名义出版专辑。非常幸运的是，他们在1989年出版的这张同名专辑赢得了歌迷的认同，获得了美国榜的第30名、英国榜的第20名，在乐队名称使用权上获得了胜利。因此他们得以在随后的巡回演出时冠以“是音乐之夜”的名称，他们的巡回演出也场场爆满，包括在麦迪逊广场花园的演出。后来出版的专辑《团结》（Union），获英国榜的第7名、美国榜的第15名，90年代出版的《谈话》（TALK）再创佳绩，显示了这支乐队的生命力，而2000年的新专辑《是之屋》也同样保有水准。

作为拥有深厚古典音乐素质的YES乐队，以他们天才式的音乐才能为摇滚音乐增添了不可替代的华丽篇章，他们的精湛无比的演奏技术，以及乔恩·安德森天籁一般的嗓音征服了包括明星音乐家在内的无数乐迷，他们繁富华丽的编曲无异于最高等的音乐教程，虽然由于他们同时代的娱乐巨星太多，从而遮蔽了他们的艺术光芒，但是YES乐队的音乐影响之深远，是在很长旧的时期里都不会磨灭的，因为他们是一座无法超越的巅峰。

推荐歌曲：Sweetness（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-24 21:53

31.British Punk（英国朋克）
        尽管英国不是朋克摇滚的诞生地，它依旧是朋克音乐盛行和产生文化碰撞的地方，紧紧把持住其与美国在表达愤怒和叛逆上的不同思想。英国朋克通过酒吧摇滚乐章中的传统摇滚和任何舞台效果的摇滚形式来得到灵感的，但是最主要的催化剂是早期的纽约朋克如the Ramones 和the New York Dolls。在一个有等级意识的国家诞生并与经济低迷期的抗争，朋克似乎对正是这样一种结构的英国社会造成了威胁，说出了情绪激动的下层阶级和愤青们的心声。它就是通过高声的喧吵，快速的节奏以及最真实地面对现实来做到这一点的。第一个并且是最具影响力的英国朋克乐队就是Sex Pistols，他们在1976年出现，并且通过直接煽动造成了很快速的影响以至于所有的英国朋克乐队都紧随其后。他们的率真，自然，大胆破除吉他重复段的特点为英国朋克描绘了很好的蓝图，他们带来的感官刺激，讽刺颠覆般的花言巧语是他们在公众压力下成为了魔鬼，甚至在大街上都遭到了人身攻击。另一个关键的英国朋克乐队便是the Clash，他们不仅仅是史上最具空想主义的乐队，而且还是音乐上最折衷的乐队，把早期的摇滚和瑞歌舞结合了起来。但在早期的时候，这种风格很多变的：the Buzzcocks谱出了带有诙谐浪漫标志的紧凑的流行朋克的曲调；the Jam用适当的改变英国青年们的庆典音乐缓和了他们的社会批评；the Damned一群暴动分子，他们击败了the Sex Pistols法系各地一张英国朋克单曲（“New Rose）；X-Ray Spex的显著特征则是它们的成员都是女性。不管他们音乐的收发货这个词的主题，能让其他英国摇滚乐队分享的是鲜脆的能量，对那个时期停滞的主流音乐的厌恶之情以及让每个人能完全释放的动力---抛去他们的演奏技巧而言---能够随意用乐器演奏，在舞台上任意发挥，宣泄他们想说的一切和猛击出一些刺耳的噪音。The Sex Pistols 和the Clash都是主要的标志，唯一可发泄的出口；无论怎样他们自创的审美学在英国引起了独立自由音乐的繁荣。第一阶段英国朋克伴随着the Sex Pistols在1978一月份的解散而中止了，但是这种风格仍旧繁盛---它的音乐是朋克的标志---直到1982年左右。在那段时期，残留的原始朋克已经扩大了他们的音乐风格，并且英国朋克本身已经变异和分裂成一些其他的流派，如流行传统的新潮，艺术挑逗的前朋克，冰冷阴暗的歌特摇滚，无政府的硬核朋克和早期的另类摇滚。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Sex Pistols


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        虽然被称作“朋克”的一切是１９７３年之后兴起于美国那些激进青年们忽冷忽热的心中。但它作为横扫四野的运动却只出现在英国。在1974年的伦敦切西区，有一家专卖５０年代服装的商店名为“摇起来”。“摇起来”的老板马科姆．麦克菜伦是那种典型的不甘寂寞的人，因而当1974年一支名叫“纽约小妞”的美国“朋克”乐队来到英国且未造成多大影响时，麦克菜伦却对他们一见钟情，并在自荐成为其经纪人之后随同他们飞去了纽约。在“纽约小妞”于１９７５年矮夭亡之后，麦克菜伦回到了伦敦，将商店更名为“性”并专献各式“朋克”服装，一时生意火爆之极，他自然又闲不住了，干脆自己出头招来一帮“朋克”哥们，组成了后来天下驰名的“性手枪”。他挑出的主唱是约翰．菜顿，原因是这厮经常在“性”商店遛达，常常发出弱智儿一样的尖叫，并酷爱惹事生非。乐队人员已经就位，马科姆．麦克菜伦开始按他的思想和生活方式塑造它。主唱约翰．菜顿牙齿不甚美观常被队友中的吉他手Steve Jones戏称为“烂牙”，McLaren遂为其取名为Johnny Rotten(约翰尼·罗顿)Rotten意义为腐朽、烂掉的，McLaren以此来显示社会本身的病态和既成观念的腐朽。他的总店名日“Sex”，店里出售的时装上曾有过一淫荡的标语“Sex Pistols”(性手枪)此刻被籍来做队名。 Strand与the Sex Pistols相比的确未免太不够刺激...
推荐歌曲：性手枪（点击下载）
作者: 明天吃大排    时间: 2007-7-25 00:26

感觉按这样来分的话有点别扭
按时代比较好一点
作者: Raito    时间: 2007-7-26 19:29

32.British Rap（英国说唱）
        尽管英国金属在大不列颠和北爱尔兰联合王国以及欧洲以外很少听说，但却是有英国说唱传统并一脉相承的音乐风格。尽管它没有很受美国hip-hop传统的影响，但许多说唱音乐人却成长在肥沃的加勒比海，因为当地的传统和方言成了hip-hop的风格。应该说说唱开始于80年代后期，“公敌”乐队的声波社团成为一个登陆的标志。很快，许多联合王国的说唱乐家纷纷加入酸性乐房，充实到他们的歌声中，而这类音乐风格在同期比美国更加黯淡，并成为美国说唱音乐可怜的复制。但是最好英国Hip-hop分化为三个阵营，向“天才”乐队的演奏就结合了hip-hop和锐舞，而Lifefield乐队就类似舞吧中hip的风格，另外慢hip-hop打击风格的打击乐队也加入了酸性爵士大军中，发展成trip-hop。甚至这三支组合继续追寻新的领域，那些单一复制美国说唱的英国说唱乐者依然有一定的优势。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Black Grape  


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组队国籍：英国
组建时间：1993
解散时间：1998
黑葡萄(BlackGrape)是一支英国乐队,黑葡萄是HappyMondays的ShaunRyder组建，但只是临时性的.
PS:这个乐队资料实在难搞..希望有更详细资料的朋友PM偶~~

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-7-26 07:54 PM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-7-26 19:38

33.British Trad Rock（英国传统摇滚）
        在90年代，在英伦摇滚后不久便出现了主流英国摇滚的新声音，传统摇滚成为英国音乐中占有支配地位的分支。如同这个名字一样，传统摇滚是传统的---这是种毫无遮掩的沿袭了经典摇滚的音乐。在英国传统摇滚下，the Beatles, Stones, Who, Kinks, Small Faces和Traffic建立了地基。所有英国传统摇滚乐队都为坚持音乐的保守和真实而困扰---为了获取完美的60秒的电子颤音纪录，他们使用最佳的乐器并且不偏离古典歌曲结构。Oasis 和Paul Weller在90年代早期通过他们的专辑Definitely Maybe和Wildwood开始运用这种新的方式。当Oasis背离了传统摇滚的规则，便有很多乐队因为毫无遮掩复制的６０秒摇滚从而投入经典摇滚。Ocean Colour Scene, Cast, Northern Uproar, Embrace和Kula Shaker全都跟随了同样的基本模式并且都紧紧被压于”Noelrock”这个由Oasis的主唱Noel Gallagher所带来的英伦压力。Weller加入了Ocean Colour Scene，是联合起来冲而成为了传统摇滚的前辈，并且一直延续到了９０年代末期。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Oasis


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        说起这只来自英国的摇滚乐队,其实有好多人都认为他们是一只流行乐队,但其实了解英国摇滚的朋友们就一定知道英国传统摇滚,就是以the Beatles, Stones等老牌乐队为首的英国老牌摇滚音乐类型.OASIS就是在这个基础上建立起来的乐队. Oasis 是近十年来英国最受欢迎和最受评论家承认的乐队之一；他们在将英国的guitar-pop 推向顶峰的过程中起了不小的作用。 　　这个来自曼彻斯特的演唱组沿袭了 Stones 和 the Who 的粗糙灰暗的形象，融合了 Beatles 的曲调并带有明显的英国抒情色彩的主题。他们将这一切用吉他的吼叫声串起来。而他们的挑衅式的讥笑可以和 Sex Pistols 的叛逆与 Stone Rose 的傲慢自大媲美。

最初，组合是由 Liam Gallagher , Paul "Bonehead" Arthurs , Paul McGuigan , 和 Tony McCaroll 几个同学组成的. 他们最初是为 Stone Roses 做吉他伴奏。当 Noel Gallagher 回到曼彻斯特是发现他的兄弟成立了一个乐队后便提出要加入。但是前提是他能够完全的控制这个组合，其中包括创作所有的歌曲；乐队的其他成员同意了他的提议并将乐队更名为 Oasis 。 　　在经历了大量的俱乐部演出之后，乐队引起了 Creation 唱片的老板 Alan McGee 的注意并聆听了他们的样带。

与 Creation 唱片签约后，小组在1994年推出了第一张单曲 " Supersonic "。歌曲 " Shakermaker " 成为了初夏的热门歌曲。在首张专辑出版前一个月推出的单曲 " Live Forever "成为英格兰的热门单曲 小组的首张唱片 Definitely Maybe 成为英国历史上卖的最快的处女碟。Oasis 热持续了整整一个1994年，小组开始在更大的剧场中演出，每一首新歌都是演出的压轴戏。但是小组内部的关系开始变的紧张。当 “ Supersonic ” 开始在美国打榜时，non-LP, String-laden 的“ Whatever ”登上了英国圣诞节期间的排行榜第二名。

在1995年初，小组着眼于美国，推出单曲 " Live Forever "。这首歌成为MTV，album rock 和 modern rock 电台的热门歌曲并登上排行榜第二名。Definitely Maybe 在美国售得金唱片。回到英格兰后，小组录制了新的单曲。但他们的单曲《Roll With It》和Blur的新作同一天发行，从此英国摇滚乐史上的两大乐队之争开始了。那时发生了一件不那么愉快的事:Noel公然宣布希望Blur的两个队员死于艾滋病。虽然Noel做了道歉，但他们还是输了这场单曲之争，在排行榜上仅次于Blur。在《Some Might Say》在发布的前夜，鼓手 Tony McCaroll 与乐队分道扬镳了，据猜测有可能是他在酒吧中和Liam的一场争斗引起的（实际情况似乎是他水平有限）。Alan White 顶替了他的位置。《Some Might Say 》在五月一经推出即高居排行榜的榜首。它的成功使小组以前的单曲又重新走红起来。Oasis 在那个夏天完成了他们的第二张专辑《( What's the Story ) Morning Glory?》并在1995年十月推出。
也许是命运的安排，Blur的新作也在同一天发行了，从此，这两支英国最有活力的乐队开始了无休止的竞争。这一次Oasis终于扬眉吐气，《(What's the Story) Morning Glory?》成了自Beatles的《Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band》后英国最畅销的专辑，并冲进了美国和欧洲大陆的音乐排行榜，全球销量高达两千万，第二次“英伦侵略”的号角已然吹响。这一年他们赢得了英国最佳专辑、最佳组合奖。有的人认为Oasis的成名全在一夜间，而Blur却是辛辛苦苦、一步步才取得的成就。只是他们都忘了他们所谈论的是音乐。这一年Oasis赢得了英国最佳专辑，最佳组合奖，《Wonderwall》得到最佳歌曲的提名。

在1996年，Oasis 热成了世界现象。凭借着单曲 《Wonderwall 》，《(What's the Story) Morning Glory?》 成为美国十大专辑之一，并最终获得五白金唱片；它也登上了欧洲和亚洲的 Top Ten . 他们赢得MTV音乐奖的最佳组合及最佳歌曲奖（《Wonderwall》），尽管他们没有出席晚会。他们还得到MTV音乐奖最佳摇滚乐队的提名，但输给了Smashing Pumpkins 。D'Arcy（Smashing Pumpkins 成员）说：“我很抱歉，因为Oasis应该得奖，因为他们是自Beatles以来最好的乐队。”但人们开始怀疑Oasis的稳定，因为 Gallagher 兄弟俩的争执已不是什么秘密了。但他们非但没有解散，还掀起了一场新的Oasis狂潮。

在1996年，Gallaghers 的关系不和成为八卦新闻的热门。在Oasis 取消了美国之行后，他们集中精力录制第三张专辑。1997年，单曲“Do You Know What I Mean？”发行的第一天就售出了16万张，而《Be Here Now》更是在发行的首日售出了35万张，成为英国历史上发行首日售量最多的专辑，Oasis步上了事业的巅峰，虽然总量并没有《（What's the Story） Morning Glory?》成功(全球销量两千万)。

1998年，在举行了一场可以算得上成功的巡回演出后，经过和歌迷的冲撞以及由于在飞机上的不规矩行为而被宣布为不受欢迎的乘客等一系列事件，Oasis只是以在家中看世界杯足球赛打发时间。后Noel为电影《X档案》写了一首歌，在这几年前电影《乌鸦续集》也请过他写歌，但遭到了拒绝，因为那时Noel只想为Oasis写。 1998年底，《The Masterplan（Be－Sides）》发行，排行榜上只拿到亚军的位置。此后的两年时间，Oasis忙着巡演、在录音室里准备新作。

1999年--他们开始了新专辑的制作。四月，到法国录音。八月，在专辑完成后Bonehead宣布退出，其实他在三月份就决定了。两周后Guigsy也离开了Oasis。

早在1995年，乐队的鼓手Tony McCaroll就离开了乐队。对于他的离开，有人说是因为Oasis的内部发生了分歧，也有人称是他和Liam发生了争执。Tony离开后，Alan White取代了他的位置，毋庸置疑，乐队鼓手、吉他手的更迭再自然不过，只要乐队的核心不倒，乐队仍然可能保持甚至超出以往水准。1999年，当一直紧随乐队的Bonehead和Guigsy相继离开Oasis时，人们开始议论：“Oasis解散的赔率是多少？一赔二么？”但Noel并不慌张，Liam甚至有些无动于衷：“如果他们不想待在队里，不想合作那就滚开，再见。就是这样的——你并没有和他们结婚不是吗？这曾是他们的乐队，但也是我们的乐队，不想奉献就百分之百要再见。”在贴出招聘告示后，很快，Oasis有了新的吉他手和贝司手：曾是Heavy Stereo（那是一支70年代Glam Rock风格的乐队，没取得过世界范围的成功，但是引起过Noel的主意）主音吉他手的Gem Archer于1999年10月加盟Oasis；一个月后，一直在Hurricane＃1乐队中任吉他、键盘、和声以及词曲作者的Andy Bell也来到Oasis当起贝司手，三星期后，他就和其他队员一起在费城演出了。解散的危机还没有放下咖啡杯就已经远离了。

2000年二月，单曲《Go Let It》 发行后直登英国各排行榜榜首，成为Oasis第五张榜首单曲。三星期后专辑《Standing on the Shoulder of Giants》发行，也成了榜首专辑。Noel在录音完后瞥见一枚新版的铜币，以牛顿为像，让他想到了牛顿所讲过的“如果我能比别人看得更远，那是因为我站在巨人的肩膀上”，一时兴起让他把这句话的半截当成了新专辑的名字，这样的专辑名称令人感到兴奋，似乎伴随新世纪的到来，Oasis也会安然无恙地一起走到下个一百年里去。当被问道是否觉得专辑名称太长时，Noel说：“那时我们发行《(What's the Story) Morning Glory?》的时候他们也是这么说的”。

就一张普通的摇滚专辑来讲，其实Oasis并未失职，但就承载了太多期望的超级乐团来讲，《Standing On The Shoulder Of Giants》并不是出色的专辑，也考验着Oasis自己曾讲过的话:"有朝一日我们会是世界上最成功的乐团。"

Oasis仍安然无恙，却似乎失去了原来令人沉迷的吸引力了。在四月五日于西雅图的一场演出，Oasis被安排在现在大受欢迎，颇有Radiohead气质又比较年轻有趣的Travis后面表演，在上台前萤幕投射出John Lennon在纽约的居所与被枪杀的地点，跟着是Oasis不带劲的表演，台下的观众看傻了眼。虽然Noel在台上哀悼Kurt Cobain死去六周年(他是于四月初自杀的)，Noel唱了一曲Neil Young的《Hey Hey My My (into the black)》。Cobain死前曾在遗书上提到歌中的数句:“瞬时毁灭殆尽比衰老来得好多了。”当歌迷们因而回想起Kurt Cobain时，对台上无精打采的Oasis好像是更大的讽刺。

三月，Oasis开始环球演出。七月在英国温布尔登球场举行的两场Oasis演唱会，成为摇滚史上又一令人难忘的片段：网络直播、喝醉酒说粗话的主唱、狂热的现场、全世界几千万歌迷的实时关注……这场演唱会不仅仅诞生了一张Live专辑——《Familiar To Millions》，也让Oasis走上转折时刻。

作为乐队的词曲作者、第二主唱、主音吉他手，Noel是主导乐队方向的人。也许是地位使然，也许是兄弟俩一样爱喝酒，Noel和Liam兄弟之间，很早就开始了争执。有一次Noel还说：“还好我们不是生在美国，因为我会用枪把他（Liam）的脑袋打下来。但是我不能这么做，因为我妈妈会杀了我。”在2000年环球巡演的第一站——东京横滨体育场演出中，Liam在《Stand By Me》中唱错了歌词。“如果你出席排练你就会记得歌词了，”Noel当场厉声责备，“也许我们把你塞进最近的酒吧就没事了。”而这时Liam却在问台下的观众：“谁有饼干吗？”5月20日，乐队来到了巴塞罗那，当晚演出后，在更衣室里，Noel和Liam之间的矛盾突然迸发了，当着50多人的面，兄弟俩好好地干了一架。随后，Noel一人坐飞机去了巴黎，而Liam则和其他团员一起继续着在欧洲的三十场演出，由Mother Earth乐队的吉他手Matt临时代替Noel的位置。5月30日，乐队来到米兰演出，Liam一出场就对狂叫的歌迷说：“好了，没人死了，冷静些，我们开始吧。”当听到歌迷呼喊Noel的名字时，Liam在台上说：“Oasis是一个整体，不是一个人，要叫就叫Oasis吧”。而每到歌中Noel的和声部分，Liam就把话筒对准观众，让他们替Noel唱，但是，没有Noel，Oasis怎么还会和以前一样呢？

2000年七月，在六个星期的休息后，Noel终于回到了Oasis在爱尔兰和英国的演出。尽管兄弟俩的关系还是紧张，但他们还是在舞台上握了手。七月二十一日，伦敦的温伯利体育馆，Oasis进行了自1996年Knebworth以来在英国的最大演出。第一晚平安无事，第二晚Liam喝醉了，失去了控制，在“Who Feels Love”的介绍词完后，他又加上一句：“要在温伯利演出你就最好喝得烂醉。”事后他形容自己当时在舞台上是个混蛋。八月，Oasis的世界巡演尾声响起，以三场音乐节收场。在Leeds音乐节，Noel揶揄着观众：“我们之间要分钱了，我，Liam，Alan，Gem，还有，呃，还有个叫什么来着的？”九月二十三日，当Noel和Liam一起为Channel 4录制纪念John Lennon的节目，同时Liam又和乐队其他成员开始制作新歌样带时，Oasis恢复了平静。对此，Noel说：“我爱他（Liam），但是不喜欢他。”

能安然度过2000年的危机，在外界人士眼中，这是一个谜。但乐队灵魂Noel角色的变换或许能说明问题。上文曾提到，Oasis的所有歌曲，都是由Noel创作的，而在新队员Gem和Andy来到后，事情改变了，他们和Liam一起，也各自也为乐队贡献作品，在《Stand On The Shoulder Of Giants》中，Liam已有了自己的作品——《Little James》，虽略嫌简单，却也情感真挚。
推荐歌曲：Be here now（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-27 19:42

34.Britpop（英伦摇滚）
        The Beatles 确立了很长时期的英国传统和谐的音乐，吉他流行乐队，是一种通过音乐运动时常更新的传统形式。然而英伦摇滚采用了很多90年代那些比之前任何时期对传统音乐的使用都要多的乐队。尽管这个音乐形式起源于英国音乐独立时期，但是英伦摇滚有很大的商业价值---着类型的乐队可以有经济上很大的报酬，他们是闪亮的，容易让人上瘾的，就像主流流行的歌手们一样，并且他们为新一代英国年轻人的生活创造了新的精神环境。它被英国的年轻一代瞄准：因为英伦摇滚甚少关心其路线是否会使自身较难被美国听众接受，从而使英国年轻的一代充分感觉其唱出了他们的生活，他们的文化和他们的音乐追求。英伦摇滚年轻的活力和渴望公认的特点不仅对90年代早期低调shoegazer风格乐队的老一辈乐手有冲击作用，还对美国阴沉的车库以及在新崛起的地下电子舞曲背后搞创作的乐手有一定的影响力。从音乐上来看，英伦摇滚沿袭了the Beatles，当然也融合了60年代晚期Kinks的田园之声，中速音乐（the Who, the Small Faces），70年代的迷幻（David Bowie, T.Rax, Roxy Music），
朋克和***潮（the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello），还有the Smiths的另类吉他流行。所有的这些乐手都是英国音乐的精髓---他们用明显的英国思维极大的发挥想象，作词和有谱曲，这也是他们几乎没发和美国的Cult相比以及造成英伦摇滚形式单一的一大因素。在影响中分裂后，英伦摇滚已经在曼切斯特拥有了他们最迅速的根基，那是个强调好时机和偏重于shoegazer美学易记曲调的地方。The Stone Roses的颓靡流行风格和摇滚明星的姿态是英伦摇滚创立的主要部分，但是真正意义上的英伦摇滚之父应当属于
Suede。在1993年他们以同名专辑第一次发行唱片时，他们那融合了glam-rock权威的式样和Smiths改进后的风格使他们收到了意想不到的出色效果。Suede为之后1994年Blur（Parklife）和Oasis（Definitely Maybe）更强烈的突破开启了大门，使他们从而很快地成为了英伦摇滚的两大最流行的巨星。通过前两者成功，炫目地在乐坛上爆炸而得到灵感，用相似的风格出现的乐队：Elastica, Pulp, Supergrass, the Boo Radleys也同样并列于巨星行列。到了1996，只有Oasis真正的成为了美国乐坛主流音乐的明星。1997年英伦摇滚盛行光环的逐渐消失，也就是Oasis在回顾第三张专辑是表现的贫乏和Blurs转向美国独立摇滚的时期。然而就是在这场运动中慢慢暗淡的巨星们，也仍有个别的继续保持强大的势利，较少的初期传统摇滚保持古典风格继续生存。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Auteurs  


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        乐队由Luke Haines于1992年春建立。Luke Haines（是乐队的主唱兼吉他手以及Auteurs所有歌曲的创作者）出生于南英格兰的Surrey，那时大概有29岁了。在他15岁时便开始了以乐队形式的演艺生涯，从那时起就在许多不同的乐队里呆过，但在加入Auteurs前呆过最著名的应属The Servants了，这已经是80年代的事情了。但Luke还是希望建立自己的乐队，因此他召入了他女朋友——贝斯手Alice Readman（她也为Servants最近几张专辑演奏过贝斯）和鼓手Glenn Collins...

推荐歌曲：How Could I Be Wrong （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-27 19:48

35.Celtic（凯尔特音乐）
        比利亚半岛，超过了两千年历史的凯尔特音乐因他们横跨欧洲大陆的派生而卷入了征服与撤退的周期性循环中。明显的凯尔特民族的人现在分布在爱尔兰，苏格兰，康沃尔和威尔士，那是他们制定具有支配性文化和使他们的语言与英语并列的地方。然而，凯尔特人目前仍大量的居住在法国的布列塔尼半岛和西班牙的佳力斯亚，并且凯尔特音乐在这些地方幸免而存在。爱尔兰的凯尔特人通过独特的凯尔特音乐风格起源的地方如加拿大的布里多尼，把凯尔特文化带到了the New World。在美国，在大批芝加哥和波士顿的爱尔兰移民中出现了一些在创作歌曲中运用到比在本土的音乐家更多传统风格的音乐家。

传统的凯尔特音乐是以歌为基础的，并以抒发关于爱情和英雄的传说为主，运用大量的快步舞曲和在跳舞时演奏的旋转曲调的乐器。一连串相关联的乐器，像宝斯莱鼓般的手持鼓和多种的管乐器在常常独奏或小型组合中被音乐家们使用。现代凯尔特音乐已经从the New Age类型中受到了主要的影响：它的在流行和摇滚上的影响是两种途径的，通过一些现代凯尔特乐队中引人注意的接近于重型摇滚的风格，就如the Pogues和the Saw Doctors这样的摇滚乐队混合了凯尔特的乐器和曲调。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Enya


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见3楼

作者: 明天吃大排    时间: 2007-7-27 20:48

Enya是Celtic吗？
楼主你错了吧～是New Age
作者: Raito    时间: 2007-7-28 00:54

New Age全称是Celtic New Age(凯尔特百度潮) 难道不是凯尔特?
再说每个音乐人可以有很多种风格 如果一个乐队只有一种风格 听众不就会听腻了?
enya 也是Contemporary Celtic（当代凯尔特）的代表

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-7-28 12:57 AM 编辑 ]
作者: soso1982    时间: 2007-7-28 01:00     标题: 回复 #39 Raito 的帖子

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这个帖子真的很精彩！:s_13:
作者: Raito    时间: 2007-7-28 15:10

36.Celtic Fusion（Celtic Fusion）
        凯尔特溶解通过凯尔特***潮和流行融合了传统凯尔特的原理。那是回顾凯尔特音乐的一些行为，特别是在主旋律上，但是乐器确实是用当代的，而且全部的感觉是既不像凯尔特也不像***潮---它是这两者的结合。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Corrs


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        Corrs们生长在爱尔兰东部海岸一个叫Dundalk的小镇（距都柏林只有50英里），Andrea对此描述过“那是一个人人都互相认识的小地方。”“我们就是在音乐的包围中成长起来的，”Jim告诉我们，“我们的父母Jean和Gerry就曾经在一起搞过乐队，妈妈是主唱，而父亲则是个键盘手。从Karen Carpenter、The Eagles到经典名曲甚至宗教音乐，他们都玩，丝毫不限制自己的风格。在这个音乐之家里，我们自然而然地就找到了将来的路...
推荐歌曲：say （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-7-30 14:46

37.Celtic New Age（凯尔特***潮）
        凯尔特***潮是凯尔特主旋律，乐器和歌曲的混合物，加上***潮自身的创作和敏感性。Clanned 和Enya是这种流派最具代表性的乐队，但是他们并不仅是擅长于这种溶解风格的音乐家。这种天籁之声通过60年代末的Ebyas Watermark得以传播，并且一直持续旺盛贯穿于整个90年代。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Enya


见3楼

作者: Raito    时间: 2007-7-30 15:05

38.Celtic Pop（凯尔特流行）  
        相对于传统的凯尔特音乐有很多的相似之处，美国和英国的乡村流行就利用这点来模仿---虽然悦耳的音调或是乐器在跟随流行习俗并且很少误解传统形式的音乐核心上明显的被可信的文章影响。这种风格在很大程度上开发于80年代，沿袭了在70年代复苏的传统爱尔兰民谣，这些民谣随着时间的流逝，最初创立的坚定玩民谣的表演者开始在其曲风中混合了摇滚和流行的元素（尽管顶级的摇滚乐手像the Pogues并没有适应这种类型）。当***潮乐迷开始在一些死板的凯尔特音乐中发掘缥缈的元素，一些凯尔特流行也开始适应这种变化，除了标准基于声学的乐器外还融入了电子合成器（但不是和凯尔特溶解的风格很相似）。Capercaillie 和Clannad是玩这种风格中最重要的两支乐队。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Corrs


见41楼

作者: Raito    时间: 2007-8-1 00:11

39.Celtic Rock（凯尔特摇滚）
        从朋克管弦乐队如the Pogues到纽约/凯尔特的混合物如Black 47到轻微的改变爱尔兰曲调的Cranberries，Celtic这些摇滚乐队通过摇滚的韵律结合了爱尔兰演奏乐器来创作音乐，那是狂热与激情，忧郁和浪漫共存的风格。凯尔特摇滚经常展现出明显的爱尔兰酒吧音乐的特征，但是它也同时描绘了与R&B和另类摇滚并列的流行音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Cranberries


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        The Cranberries(“卡百利”乐队, 也有译作”小红莓”乐队)是一个来自爱尔兰(爱尔兰是以英语为主要语言的欧洲音乐重镇)的知名摇滚乐队，与 U2、Sinead O’Connor、Enya 等一样, 都是带领爱尔兰音乐走向世界的重要力量.  

  在卡百利乐队成立以前, 三个主要成员 Noel, Mike 和 Fergal 都是在一个名叫“The Cranberry Saw Us”的乐队中干了大约半年. 后来, 这个乐队的主唱 Nial 因为个人的原因, 决定退出, 为了不影响乐队的正常发展, 他把他的一个好朋友推荐给了乐队, 这个人后来成了卡百利乐队最重要的人物, 她就是Dolores(德洛丽丝), 全名为Dolores Mary Eileen O'Riordan(德洛丽丝 玛丽 艾琳 奥里奥丹), 在嫁给巡回演出经纪人 Don Burton 后, 改名为 Dolores Mary O'Riordan Burton(德洛丽丝 ).

  The Cranberries受到人们喜爱与女主音Dolores是分不开的. 她出身于一个天主教家庭，三岁起就开始唱歌, 因此念就了一副天使般的嗓 , 尤其是她独特的咽音发声, 更是受到后来的一些女歌手相继的模仿(比如王菲). 十几岁的时候, 她已开始弹钢琴并且自己作曲, 另外也有了组建乐队的一些想法. 上帝的安排, 使 Dolores 与这帮急于找到一个新搭档的家伙走到了一起. 她一流的演唱水平很快就得到了另外三人的认同. 为了有个新的开始, 他(她)们一起组建了新的乐队, 取名就叫 The Cranberries, 时间是在 1990年 5月.

  1993年2月22日, The Cranberries的首张专辑《Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?》(每个人都可以做, 我们又有什么不可以?)问世, 随即获得了巨大的成功, 并为她们赢得了世界性的荣誉. 这张专辑在Billboard专辑榜停留达两年之久, 至今销量已超过 700 万张，在中国也有双白金销量。《Dreams》高亢的回复音色，发出 Dolores 自信的宣告，神话色彩的 MTV 里她浅吟低唱，和弦节奏密实紧凑，清爽干净。这首单曲后来曾被王菲翻唱成《梦中人》。

  1994年9月27日, 他(她)们又发行了第二 No Need To Argue》(勿需争辩), 大获成功, 一年内即热卖一千两百万张。乐队也跻身世界一流乐队的行列.  
  
  1995年11月27日, 乐队推出了第一、二张专辑的合 Everybody Else Is Doing It/ No Need To Argue》以馈乐迷, 套双碟版的合辑收录了前两张专辑的全部歌曲.
  
  1996年4月29日, 第三张专辑《To the faithful departed》（致死去的人们）问世. 整张专辑制作得非常完整，不仅如此，他们还嘲笑了偶像（也许还包括自己），Dolores的嗓音终于可以畅快淋漓一把。这张专辑比起他们的上两张专辑而言，在编曲和配器上精巧细致，在歌词里，内容更广泛、更广阔，The Cranberries 可以歌颂爱情，可以庭院深深，可以幽怨曲曲，但他们也可以关注不幸，指责战争，呼唤和平，而且他们还可以做的很好。

  1999年4月19日, The Cranberries 推出了他(她)们的第 , 名为“Bury The Hatchet”(和解), 这张在Dolores产子后(1997 年, 女儿 Taylor Baxter Burton在多伦多诞生)推出的专辑虽然受到了一些诘难(如有人说她因为在加拿大呆得太久, 原先在爱尔兰的灵气也失掉了，旋律滞重, 呆板等), 但我认为还是有不少的经典歌曲, 如 Animal Instinct(动物本 ), Promises(承诺), Just My Imagination(只是想想而已)等. （值得说明的是本专辑中的dying in the sun修改者认为还是很纯美的）

  2000年4月19日, 乐队又发行双碟装的《Bury The Hatchet : The Complete Sessions 》, 它是“和解”这张专辑的增强版, 1号碟与《Bury The Hatchet》这张专辑相同, 2号碟中则主要以前面的专辑中的歌曲的现场版为主, 另外也加入了 Baby Blues(产后抑郁症, 这时候 Dolores 已经作母亲了), Sweetest Thing(最甜蜜的事), Woman Without Pride(失去自尊), Such A Shame(耻辱), Paparazzi On Mopeds(骑脚踏车的摄影师)等几首新歌.

  2001年10月3日, 卡百利乐队的第 Wake Up And Smell The Coffee》(起床闻闻咖啡香)开始发行, 这张在乐队沉寂乐坛两年后推出的专辑为乐迷们带来了新鲜的气息, 专辑由昔日的制作搭档 Stephen Streets在爱尔兰首府都柏林制作完成。透过新专辑，可以听见团员们内蕴的感情充分获得释放，而纯熟的技流畅轻快的首支单曲"Analyse"(追根究底)提醒乐迷别钻牛角尖、别追根究底，要懂得享受生活中简单的幸福，极致展现主唱 Dolores 的招牌唱腔俳句式的"Pretty Eyes"(迷人的眼睛)散发出迷人的 60 年代风味；"Time is Ticking Out"(时光飞逝)则延续 The Cranberries 的批判风格。另外, 这张专辑根据不同的版本(英国版，北美版，日本版), 还增加了几首附送的歌曲以馈乐迷. 如日本 I Can't Be With You (不能和你在一起，Live in Paris 1999)，Zombie (行尸走肉，Live in Paris 1999)及 In The Ghetto (犹太人区，Studio version)  

  2002年4月8日，The Cranberries 发行了回顾历史性质的《Treasure Box》(“珍宝盒”), “盒子”里是可谓重量级的四碟装的珍藏版套装, 几乎收录了乐队成立以来全部重要的歌曲. 可以算是对乐队成立十多年来的一个总结.  而同年 9月16日推出的《Stars - The Best Of 1992 – 2002》(星光大道)则是主要收
录了1992年至2002年, 乐队这十年间的经典歌曲的精选集, 共计 20首歌曲. 其中只有New New York(崭新纽约, 专为 9.11而作)和 Stars(星光大道)两首是新歌.

  接下来的2002年9月24日,The Cranberries 推出了一张双碟装的限量版的精选集 - 《Stars - The Best of 1992-2002(Limited Edition)》, 即(星光大道限量版). 其中一张和前面的《Stars - The Best Of 1992 – 2002》完全相同. 另一张则只有五首歌, 全部是 2002 年在瑞典首都斯德哥尔摩录制的现场版的歌曲, 分别是: Zombie(行尸走肉), Ode To My Family(献给我的家人), Animal Instinct (动物本能), Salvation (救赎), Daffodil Lament (水仙挽歌), 这些都是为了纪念 9.11 事件而专门制作的.  
推荐歌曲：This is the day（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-1 00:20

40.Chamber Pop（会所流行）
        为Chamber Pop繁荣时期的最深重部分作一素描，就是包括有Brian Wilson, Burt Bacharach, 和Lee Hazlewood的管弦乐表演，Chamber Pop的升起很大程度上是因为Lo-Fi音乐的审美观的全盘统治以及90年代另类音乐团体的反作用。Chamber Pop一部分是由lounge-Music（休闲音乐）中得到灵感，却完全没有了Lounge-Music的讽刺和粗劣；Chamber Pop也重申和强调了旋律和作品的重要性，就象这些音乐家们在不断将他们巴洛克式的绚烂多彩的歌曲用丰富的纹路分明的管弦乐团用线分层或者装上触角。而在事实上Chamber Pop由始至终都在否定一些实质存在的诸如Grunge，Electronica和其他的音乐形式。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Thrills


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        从2002年末到2003年，成军未满3年的爱尔兰都柏林五人乐队The Thrills，以其环绕美西岸阳光合声旋律的民谣摇滚，初出道两张单曲即有前20名的佳绩，还得于老摩Morrissey点名赏识而为其演出暖场，且处男专辑So Much For The City不仅在专辑销售上只落于The Darkness后一位，更获得英国音乐传媒Q杂志[最佳新进乐团]的大赏，The Thrills虽然风光却无骄气，不但努力巡回累积歌唱实力，同时也为了乐团的第二张专辑做好准备。
　　不过才1年多的时间，乐团第二张专辑Let's Bottle Bohemia就以更成熟的面貌出世,主唱Conor Deasy的嗓音虽减去不少青涩，但原本就属于沙哑音域的他或许更适合沧桑的味道与风情,这成长的一面可在Not For All The Loves In The World这首听出，回忆于过往还多了份弦乐上的层次，而原本就有的健琴音色，在慢板节奏下更为突出，反而有了种情节奏感的浪漫点缀。而上张专辑的优异表现也为他们挣来不少大牌乐迷，纷纷替此张做嫁跨刀；例如REM的吉他手Peter Buck在歌曲Faded Beauty Queens玩着清脆曼陀铃的自在写意，也在另一首The Curse Of Comfort快意地弹奏吉他;而在The lrish Keep Gatecrashing里找来海滩男孩的御用制作Van Dyke Parks为其乐曲编排，那份在夏日出游的开心，从60年代至今依然没变。
   The Thrills从来就不属于现今任一种乐风潮流或气候，从使60年代的音乐影响如何在他们身上根深蒂固，但那份美好却有如呼吸空气般地清新自然，纯真朴实的流行质素更是The Thrills征服乐坛的不变利器。
推荐歌曲：BIG SUR（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-1 23:48

41.Christmas（圣诞音乐）
        圣诞长篇覆盖了很多不同的种类---他们可以是合唱的，流行的，摇滚的，乡村的或是爵士的---但是这些形式在此类型中都百变不离其中的表达圣诞。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Low


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        相信每个人的心底都会珍藏着某段音乐，它能立即勾起人的最深远、最美好、最难忘、最模糊、最琐碎的回忆，或者引发人的最无拘无束、最诗情画意的想象。Low的音乐对我就具有这种难以用文字表达的意味。I Could Live In Hope，Low的首张专辑，它把许多无意义的回忆碎片嵌进我的心底，那寂静无人的山丘小径，那反射在湖面的落日，那些影影绰绰的树木，那些橙黄色温暖的路灯，那些入睡之前的漫长黑夜，Low引领我离开了狭窄的空间，穿过屋檐，穿过树的枝枝叶叶，穿过云朵，一直飘升至地球的平流层，我躺在云端，放眼是无边无际的蓝天，在那里我不必担心会缺氧而窒息，因为我正在呼吸着音乐......
推荐歌曲：In The Drugs（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-1 23:55

42.Club/Dance（舞曲）
         不同的音乐形式，从disco到hip-hop。尽管有很多类型的狂热贯穿整个流行音乐的历史，舞曲仍在70年代中期形成了自己的风格，就如其灵魂变异为了disco从而使全部的夜总会都专心于舞曲。在70年代后期，夜总会播放着disco，但是在十年的尽头，disco便已成了许多不同的流派。所有的这些流派都集中在热舞下，虽然在dance-pop, house, techo以及其他的派生中存在着截然不同的特征。能让他们全都集中一体的是他们都强调节奏的风格---在每一种舞曲的派生种类中，强烈的节拍至始至终都是最重要的。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Beck


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        崛起于90年代另类音乐革命中的贝克，是后现代时髦人物的缩影，也是当时最有创造性和最不拘一格的人物之一。受到流行、民谣、迷幻、嘻哈、乡村、蓝调、R&B、疯克、独立摇滚、实验摇滚、爵士等流派的影响，他的音乐形成了自己狂放、混乱而出人意料的颤音，充斥着喷涌而出的音乐理念。
原名贝克·大卫·坎贝尔（Beck David Campbell）的贝克1970年7月8日出生在洛杉矶。他的父亲、指挥家大卫·坎贝尔（David Campbell）很早就离开了家，贝克大部分时间和母亲住在洛杉矶，偶尔和爷爷、外祖父生活一段日子。十年级时贝克辍了学，开始在街头卖艺，演奏原声蓝调和乡村音乐，1988年，他制作了一盘名为《The Banjo Story》的家庭录音卡带。91年夏，贝克分别被Bong Load唱片公司的老板汤姆·罗斯洛克（Tom Rothrock）和罗勃·施奈夫（Rob Schnapf）发现，并应他们要求录制了《Loser》和其他歌曲的精选集。1993
年，贝克终于正式发行了首张唱片——单曲《MTV Makes Me Want to Smoke Crack》和一盘完整的《Golden Feelings》录音带。9月，由Bong Load发行的单曲《Loser》，立刻成为洛杉矶独立广播电台常播不衰的金曲。贝克与Geffen签下的创新合约，让他可以继续与独立的小公司合作发行非商业化的音乐。他的首张主要公司唱片《Mellow Gold》于1994年3月问世，同时Geffen在全国范围内重新发行了《Loser》，该曲打入Top Ten
排行榜，并成功荣升为公告牌现代摇滚榜冠军；《Mellow Gold》打入Top 20并取得白金销量。1994年，贝克又发行了《Stereopathetic Soul Manure》、《One Foot in the Grave》和《Steve Threw Up》三张独立专辑。次年，贝克举行了他第一次主要宣传巡唱，作为《Lollapalooza》第五版的推广活动。他与制作人Dust Brothers通力合作，在录音棚里录制了第二张专辑《Odelay》，专辑问世后赢得广泛赞誉，商业上也很成功，打入Top 20榜，售出200万张拷贝，单曲《Where It's At》和专辑分别为他赢得格莱美最佳摇滚男歌手奖和最佳另类歌手奖。
1998年，贝克开始制作一张全新的民谣风格的专辑，并由Geffen公司发行，《Mutations》安静柔和迷幻的曲调和简单直白的表达，与《Odelay》迥然相异。整张唱片低调的作风并没有妨碍其成为贝克第三张Top 20上榜专辑。经过了漫长耗人的14个月，《Odelay》的正式续集终于录制完成，于99年11月面世。被定位为派对唱片的《Midnite Vultures》，成为疯克全部流派的大展览，贝克还扮演起R&B爱人的角色。专辑获得的评论褒贬不一，销量也不如《Odelay》。2000年初《Mutations》为贝克赢得另一尊格莱美最佳另类歌手奖，他为了宣传《Midnite Vultures》举行了全球巡唱。
贝克的下一张专辑《Sea Change》仍然是民谣的风格，由Geffen发行于2002年9月，他请来烈焰红唇（Flaming Lips）担任自己的伴奏乐队，并举行巡唱进行宣传。2005年3月，他发行了与Dust Brothers再次合作的专辑《Guero》，其中的《E-Pro》和《Hell Yes》两首金曲被看作是昔日“Odelay”辉煌岁月的回归。2006年的《The Information》是一张深受嘻哈影响的专辑，空白的封面附以一板不干胶，让歌迷们自行设计独特的封面。
推荐歌曲：Loser（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-2 22:19

43.College Rock（学院摇滚）
         本质上来说，学院摇滚是很大型的另类音乐，它在80年代（大约1083-84）中通过college radio playlists中占据优势。大部分的学院摇滚是在新潮，前朋克和早期的另类摇滚的混合中产生的。学院摇滚要求乐队不能像***潮一样去适应主流；尽管它可能是艺术的，但它又不同于试验或是分离的前朋克；并且在早期另类摇滚和美国地下根源于的朋克和硬核，并不是所有的学院摇滚都重复着一过程。（虽然，很多早期的另类乐队很精确的适应了这种风格）。早期的学院摇滚中两大最具影响力的乐队是R.E.M 和the Smiths，他们为无数美国（the dBs, Lets Active）和英国（Housemartins, Las ）jangly guitar-pop的开拓者展现了一条光明大路。但是学院摇滚还包括了很多的东西：萌芽阶段的前硬核风格的美国地下（SonicYouth, the Minutemen, the Mear Puppets, Dinosaur Jr., the Replacements）；离奇的英国流行在***潮中的幸存者XTC和Robyn Hitchcock；类似离奇的美国乐队如They Might Be Giants, the Violent Femmes, Camper Van Beathoven和the Pixies；有内涵的民谣摇滚（Billy Bragg, the Waterboys和10,000 Maniacs）；加入了很多流行元素在音乐中的前朋克（tbe Cure, Siouxsie & Banshees）；以电子合成器为基础的忧郁的舞曲流行，好自省的歌词（New Order, Depeche Mode）；和带有轻微流行，制造出使耳朵爆裂的快速吉他噪音（the Pixies, the Jesus & Mery Chain）。学院摇滚还包括了像U2, Peter Gabriel, Sting这样少数的主流明星，他们有思想的歌词以及社会意识的唯心论使他们在校园中广为流行。学院摇滚意义上的全盛期伴随着1991年Nirvana的突破而结束，它为那些主流的耳朵拓宽了更多关于另类流行的理解；如college radio playlists开始像商业的alternative radio, 更多另类音乐的实验分支以及独立摇滚在地下更被驱策地向前发展。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Concrete Blonde  


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        或许因为我活得还不够久，或者是势道败落，又或者是因为太多的麻木掩住了人们真实的形象，总之我此生还没有遇到这样一位高贵的女人，让我心跳趋于停止，只剩下崇拜的光芒在血管中颤动。

无论是成都小酒馆一闪即逝的，用寻找的眼光在人群中打量的黑衣女士，还是北京夏日黄昏，靠在汽车旁边点烟的少妇，无论是爱我刻骨的处子，还是有着潮湿声音的故人......我知道此生平庸，即使在歌声中眺望了另一种生活，当然我至少可以说起Johnette Napolitano这个生活在我耳中，继而穿越我心向夜雾而去的歌者，她的声音几乎已经成了我在俗世可以相信的最真实的高贵，我是说，这个本来可以狂野但却从未嘶吼过得声音，肯定会在市井的某一个角落再度响起，驱散你渺小的郁闷。

1986年，J.N和吉他手James Mankey,鼓手Harry Rushakoff(她自己弹贝司)一起离开家乡洛杉矶，来到好莱坞那个被电影明星，无家可归者，政客和小偷充斥着的浮华世界，他们在这里签了I.R.S.唱片公司，并在R.E.M乐队主唱Micheal Stipe的建议下把队名由Dream 6改为Concrete Blonde。七年后，他们在推出5张专辑和一盒Video后依然无人喝采 ，终于悄然解散，正如他们无声无息的到来,留下地下的神采让后人追寻。J.N.后来又和前Wall of Voodoo的吉他手Marc Moreland及鼓手Danny Montgomery组建了新乐队Pretty &Twisted(优美和扭曲)，在1995年发表了首张专辑－－此前，她还和故友Holly Vincent 起用六天时间录制了一张专辑Vowel Movement(《元音运动》)，与Mankey重新合作发表了LP Concrete Blonde&Los Illegals(《金发混凝土与洛杉矶不法之徒》)，后者是与他们合作的一支拉丁朋克乐队。我知道提及这些，无非是鼓舞人像资讯奴隶一样搜寻那神秘女人的轨迹，却不可尽述她摄人心魄的风采。

那一年《XX天堂》公布了“金发混凝土”的一首电影插曲Everybody Knows。Leonard Cohen混浊的喉音曾把这首歌长的黯淡艰涩，而J.N.则为它铺上了微暗高远的光芒。其实，据说广州乐迷到处搜寻“金发混凝土”，以至打口CD都炒到了数十元的高价。事实上这只乐队对音乐的贡献并不是太大，他们成为地下明星，全然是J.N.的天然的气质，她还曾翻唱过Jimi Hendrix的Litter Wing，Bob Dylan和Janis Joplin的成名作，这些60年代摇滚巨人为她带来了源源不息的原创力－－那种朴素，强大的生命冲动。在1990年的The Beast(《野兽》)中J.N.唱道：“爱是喝你血的吸血鬼；爱是攫取你心脏的野兽...... 爱是猎取你头颅的幽灵；爱是你视作朋友的杀手；爱是生活在黑暗中的老师。”这种阴暗，热烈的风格同样也渗透了“金发混凝土”最热门的一首单曲，同一张专辑里面的情歌Joey(《乔伊》)，“哦，乔伊，我再也不会生气。”当然不会生气，因为她已经看破，超越。
推荐歌曲：Joey（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-2 22:25

44.Comedy Rock（喜剧摇滚）
        喜剧摇滚是在摇滚中被设计成取笑传统和主流社会的摇滚音乐。再曲调和歌词上的抨击使它显得很幽默。有时喜剧摇滚是不成熟的---这种风格的教父: Frank Zappa, 喜欢队废物排放问题和傻瓜开玩笑---但是它最好的一面是它很聪明的将陈词滥调与传统串联在一起。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Ween


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        生于美国，1984年组队于宾西法尼亚洲，8张专辑5张现场的精选辑，那么畅快的节奏，那么感伤的旋律，那么戏虐的颠覆，这就是Ween吗？

　　Ween是特立独行的一队音乐奇兵，他们不是后摇滚，不是朋克，不是实验，不是低调，更不是艺术摇滚，说他们是独立摇滚或者说另类流行也不尽是，他们却有着上述所有的美和力量，他们有一颗低保真的心，这就是他们的本色。这几年来Ween一直令我分外关注，他们并不低产，但行事低调，他们用各种不同的笑容把自已包起来，除此你很难抓到他们其它的表情，而音乐却是那样的丰富多彩，直如万花筒般的奇幻音乐世界每每让人会心一笑，其蜕变性也是一直有着突破性的发展。


　　Ween首先是反流行的，他们反对任何流行明星式的宣传，他们更讨厌程序化的音乐生产，真正的音乐人讲的是灵感和创作力，而不是概念的堆砌和包装。这是另类摇滚历史上最终极的大智若愚最富有才华的并最为直接的二人组合，他们擅长用旅行者般飘逸的手法超越像普通乐队那样简单滑稽的模仿，从而表现出超现实主义迷宫般的博大情怀。尽管他们掌握所有音乐的技巧，可从不直接表现出来。ween用发狂的快乐彻底颠覆环绕他们周遭的流行世界，在早期的时候他们热衷于迷幻摇滚，而在唱腔上诙谐极端的尝试和器乐上不落俗套的编配让许许多多的资深乐迷堕入期间不能自己。


　　虽然在后来的几年ween逐渐改变行径，创作出多首令大众接受亦流行度很强的歌曲，但其核心的创新精神从未抛弃，对低保真乐风的捍卫，对各种效果音色几近疯狂的颠覆，毫不夸张地说ween是在大众的口味上构建一种灵巧的前卫试验音乐，而且做得非常的聪明，让人感觉不露痕迹。


　　表面上看起来像两个大学男孩的Ween好似在遵循一种自定的习惯，习惯于把专辑的跟动植物或食物有关，包括以前那些1991年专辑《The Pod》(豆荚)、1992年专辑《Pure Guava》(纯净的番石榴)、从封面像马戏团小丑装扮的1994年专辑《Chocolate & Cheese》(巧克力与奶酪)、1997年专辑《The Mollusk》(软体动物)，乃至2000年的那张专辑《White Pepper》(白辣椒)，打开它惨白的唱片封皮，里面是红色、绿色、黄色的辣椒，油亮油亮，果然又没有歌词，我们无法通过太多的文本去解读，而失望之后最大安慰就是ween频频的玩笑之下包裹着精巧的音乐。


　　在著名的音乐网站www.allmusic.com上，Ween简介往往跟Primus(煤油炉)、Beastie Boys(野兽男孩)、The Flaming Lips(燃烧的唇)、Laurie Anderson(劳丽。安德森)、Pavement(人行道)、Pink Floyd(平克。佛洛伊德)等名字有关，所以Ween的音乐细节里有大段大段的炫技SOLO撩人心事，迷幻的Comedy Rock(喜剧摇滚)也是他们的本色之一，而硬式搖滾、噪音迷幻、乡村民谣、灵魂放克、朋克、电子、Lo-Fi等乐风也无不是信手掂来，甚至Soul(骚灵乐)也是他们乐于制造的，Ween以前也用过四轨机录音，同样做出了至真至美的音乐。这一切经过这两个眯着眼睛开笑的烹调师，Ween的缔造者Gene Ween和Dean Ween这两兄弟的灵巧之手，都变的那么的美妙，他们开开心心的唱歌，有时候优郁起来也是那样的深情，但他们永远都是那样的快乐，他们的脸永远淀放着笑容，无法想象如果整天愁云密布的Ween将是什么样的？


　　当我拿到这张名为《 Live in Chicago》的精选辑欣喜若狂，这真的是一种难奈的等待，2000年的那张专辑听得我激情难按，我并不奢望他们能够迅速再有一张专辑，而这张在他们演出过程中随意录下的专辑虽不精致，但却是足够。Ween就是这样的，他们喜欢拿一些很粗糙的录音，在公开销售后却是销量不错，只是因为他们音乐太迷人，令人无法抗拒，他们独树一帜的演绎下，再配上饱含极具男性美的嗓音，简直没法让人不觉得这是听觉上的极大幸福。


　　我常常惊呀于他们对旋律的敏感，仿佛音乐就生长在他们的血液里，奔流不息，那些层层迭迭的吉它音墙往往轻易的笼罩出一片昏眩的天空，让人惊喜的是大段大段的SOLO，它不炫技，而是准确无误的捏住了听觉神经，摇摇晃晃的乐段是那忘却烦恼事的源头。那怕是已成大路货的朋克，Ween玩起来也是别有一番滋味，那种内敛与外扩的张力调节得恰到好处，轰轰隆隆的是对叛逆的不死情结。


　　有时候Ween突然弹出来一段苦乐掺半的吉它又像是Fool's Garden(傻瓜花园)的“Lemon Tree”(柠檬树)的兄弟篇，痛苦不是耻辱，忘却才是痛苦。Ween有充分的心理准备来对付生命中不能承受之轻，那么多滑动的伤痛之音里喃喃的告诉我们。他们亦有很多小夜曲似的作品，其里面的安宁往往展现了一种豁达的心境。他们还有很多怪异的行为，看似单纯、干净的Ween却每每喜欢在现场调侃，他们在舞台上的疯狂与热力常常令人膛目结舌。而Ween在音乐上却是绝对的认真，他们只是想用一种轻松的心态去做音乐，心态也是非常的健康，音乐就是其最好的爱，他们太爱乐，太热爱音乐生活了，而面对着有时侯不那么干净的现实，以至于Ween用一种看似荒谬、滑稽的心态去发出一现奇怪的声音……


　　“必须重申，虽然我们不得不使用语言，但决定性的是，生命的表现和表现的生命。真的生命和表现的真，”Ween无疑一直在做着这件快乐而又富于机智的事，哪怕一个人笑一个人哭，在寂静的角落里歌唱，歌唱生命历程中的起起落落……
推荐歌曲：Take me away（点击下载）
作者: chriswu    时间: 2007-8-3 14:23

HOHO  顶一下教学帖~~~
作者: Raito    时间: 2007-8-3 20:45

45.Computer Music（计算机音乐）
        计算机音乐是音乐完全被电脑创造出来的一种普遍种类。电脑供给，就如一个乐器的功能或是一个作曲家，并且很明确干脆的修补音乐。膝上电脑正在越来越流行和实用，大体上来看，电脑已经帮助计算机音乐比原来更流行了。工作沉重的艺术家将焦点集中在电脑的使用上，一个乐队的成员可以互相联系通过电脑的网络，如Laurie Spiegel通过她自己编电脑程序来帮助完成音乐的创作。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Frank Zappa


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        Frank Zappa原名Francis Vincent Zappa Jr.1940年生于巴尔地摩,是美国六十年代摇滚乐发展史上的先锋人物之一.1960年出版了第一张唱片，不过是为一部电影做的插曲。随后他又为电影配乐使得他有钱自己买了一间录音棚。1964年他和与他公事的乐手组成了一支乐队“Mothers”。1966年乐队推出了双专辑《Freak Out！》。体现了乐队“嬉皮“的风格，也使人们对他们有了更深的印象。再这张专辑中，Zappa在录音方面比同时期的其他乐手到要先进。1966年出版专辑《Absoulately Free》和1967年出版专辑《We’re only in it for the money》。1969年Zappa出版了个人专辑《Hot Rats》。这张专辑使他获得了“出色的爵士摇滚音乐家的”的称号。在此后的多张专辑中他尝试了多样的主题和手法，使专辑呈现出不同的特色。1968年他与他的经理人组建了自己唱片公司，并推出一些亲手提拔的一些乐队。在此后推出了一些个人专辑如1975年的《Bongo Fury》，1978的《Zappa in New》。此后，Zappa解除了同公司的合同并建立了自己的公司Zappa。1979年推出了经典作品《Joe’s Garage Act 1》，《Joe’s Garage Act 2，3》。到了八十年代他几乎每年都出一张专辑。并写了一部音乐剧和一部卡通片。虽然也有失败的地方但他依然被公认为是一位摇滚大师。1991年Zappa被查处患有癌症，但他依然不停的出专辑直到他1993年12月去世。 ……
推荐歌曲：Who Are The Brain Police? Frank Zappa Freak Out!（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-3 20:55

46.Contemporary Celtic（当代凯尔特）
        在80年代和90年代，一些乐队通过添加流行，摇滚，民俗，爵士和***潮音乐来扩大凯尔特音乐的界限。就如Clannad, 让当代凯尔特在开始时就一下猛发起来。

具有该风格的乐队/艺人名单：

enya


见3楼

作者: Raito    时间: 2007-8-3 21:04

47.Contemporary Instrumental（工业时代）
        工业时代音乐通过美学的***潮改革了电子音乐的派别而形成了，仅仅描绘了宽广的情感与潮流的并列。在前进的电子音乐强调豪华，精细和经常性的堂皇，合成的时期，工业时代只是自由的制定了简单，安静的沉思，或是除了易理解的悦耳音调之外还明确的以独唱为特征。工业时代也制造出华丽的音乐，有些时候还孤傲的运用声学乐器，特别是当月对象创造出柔美，舒适的状态。钢琴家George Winston的唱片在80年代早期帮助建立了这一趋势。并不是所有的工业时代的乐队都运用了***潮的思想，既使他们的音乐还常常利用类似的感情和影响；此外，工业时代的音乐可能运用了少量的流行，摇滚，爵士，民谣，古典和世界音乐。不过，在80年代和90年代，通过乐队同时适应多于一个种类的音乐的趋势从而继续证明了进化的电子音乐，类似成人另类的风格和工业时代的高阶段的交叉点。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Black Tape For A Blue Girls


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        人们经常拿Black Tape For A Blue Girl与Projekt旗下另一队组合Lycia以及Miranda Sex Garden等乐队进行比较。或许这样的比较毫无意义，但至少可以为您大致勾勒出他们的音乐方向，或说趣味。后一个词也许可以用于形容大多数Projekt旗下的Dark Wave乐队，他们并非以4AD为代表的Dream Pop乐派，亦非Mute那种黑暗压抑的艺术。他们的音乐，很多都可以形容为美丽的自恋，并径自徜徉其中而留连忘返。

乐队主要创作者/键盘手/歌手Sam Rosenthal于1983年在佛洛里达建立了Projekt厂牌，那时公司的性质还主要是Sam自娱自乐，用来销售他独力做出的一些具有Techno Pop风格的电子音乐。三年之后，公司搬去加州，发行了Black Tape for a Blue Girl等的作品，它的名字才开始逐渐为人们所知。此时正是英美地下摇滚乐的"黑暗"时期，众多工业/噪音/哥特乐团开发着人们所有对于黑暗病态艺术的想象，这是一个考验你的接受能力和修正你的审美观念的年代。而Black Tape For A Blue Girl以他们混合了ambient, new age和哥特摇滚的曲风,使他们很快成为Projekt旗下最为引人注目的乐队。


关于乐队的名字：Black Tape For A Blue Girl，Sam不愿详加解释，只是说仔细听他们音乐的人自会理解。他也很乐意留给人们想象的空间。与4AD的This Mortal Coil和Ivo的关系不同。Sam对Black Tape for a Blue Girl的参与要多得多，他对文学的爱好亦使得他的创作无论是歌词还是音乐中都充满了唯美的悲剧气氛，而Sam自己则提到了卡夫卡、萨特、波德莱尔等名字对他的激励。Sam并未把Black Tape For A Blue Girl视为一支严格意义上的乐队，他说"Black Tape For a Blue Girl"让我了解自己的想法和我对艺术的观念。所有同我一起工作的人都理解我所要表达的东西并帮我将它们付诸实施。与那种大家走到一起共同发表意见的乐队不同，在Black Tape For a Blue Girl里，每个人都贡献自己的才能，但大家都知道是由我决定如何安排。在这个意义上，我们更类似于一出戏剧，而我则是做最后总结的导演。

除了Rosenthal，乐队其他成员一直变化不定；事实上,唯一长期的合作者只有男歌手/吉他手Oscar Herrera,其他值得注意的出现过的乐手还有：一位让你想起希腊神话中的海妖塞壬的女歌手Lucian Casselman, 小提琴手Vicki Richards，大提琴手Mera Roberts ，木箫手Richard Watson。长笛手LisaFeuer（同时也参与了很多唱片包装设计）。这支乐队从未举行过现场演出（原文如此，据我所知还是有，很少就是，译者注），也很少凑在一起录音。


他们弥漫着深深悲伤的音乐是在午夜梦回时产生的阴暗的激情，在失意者听来，不啻于天籁仙音。也许可以用一位歌迷的话来形容："在他们的世界里，爱与痛苦并肩而行。痛苦似乎是到达最深的真爱的必经之路。而爱则不可避免的会带来痛苦。"Sam自己则说："这种悲伤来自于我个人经历的影响。我所爱的人、他们如何改变我，都会从我的音乐中反映来。这是一个缓慢渐进的过程，因为生命本身就是由许多细微的小起伏组成。的确，在我的唱片中很难找到一首可以被形容为"快乐"的歌曲，尽管"through sky blue rooms" (1989年专辑Ashes In The Brittle Air中)，听起来有一些快乐的情绪，但最后还是会以悲伤的调子结束。对我来说，的确很难写出些快乐的作品，我和Oscar有时会讲起写首快乐的歌多少是件不可想象的事。但我并非是以消极的心态去看人生。不象很多哥特艺术家所做的，我并不预言必然的衰落和人类的毁灭。我仍然充满希望并向前看。我只是没有受过什么音乐方面的训练，我所受的影响更多的来自文学家而非音乐家。我所着迷的是萨特的存在主义叙述:你就是唯一使你成为你自己的东西。这里面并没有什么偶然和运气的成分在内。是你自己塑造自己的生活，如果你将时间花在悲叹和感慨没有什么事情是完美的话，那你只会发现实情如此。为自己寻找真爱，或是取得成功，或是变得高兴起来，什么都需要靠自己进行!生命只是我们所得到的机会，我们必须找到什么是美的，什么是我们可以为自己做的!因为在人们死后不会有美丽的天使来引导人们进入幸福的天堂。你必须为自己做这一切。我想人们宁愿欺骗自己，也不愿意承认他们对现状不满，我也曾放弃自己的信念，来避免面对痛苦。我认识到爱就意味着放弃抵抗，准备被你所爱的人摧毁。"Sam并不畏惧在自己的音乐中解刨自己，对他来说，真正的艺术就意味着要涉足人们经常会掩藏的东西。除了歌词，Sam在音乐上的创作也达到?讼嗟钡母叨龋?谒?囊衾种校?憧梢蕴?剿?侨绾斡贸墒於?岫ǖ男奶?ッ娑园?屯纯啵?谒?亲詈玫淖髌稲emnants Of A Deeper Purity中，这种心态到达了极有表现力的高度。很长的组曲用带有魔力的大，小提琴作为主体。Sam的键盘。Lucian的歌声,悠远而悲伤, 安静的啜泣里，眼泪暗暗流出。今年的新专辑As One Aflame Laid Bare by Desire中弦乐成分更重，Sam与曾经合作过的女歌手/吉他手JuliannaTowns等合作，作出了一张比以前更向古典乐靠拢的作品。一方面专辑的内容是象以往那样，以一对男女痴缠的故事来表现纯洁的浪漫与痛苦的激情，告诉我们："Gothic"，并非是指Marilyn Manson之流的装扮。


另一方面则展示了Sam所受的，来自二、三十年代的法国象征主义画家马塞尔·杜桑（以其历时十二年创作出的作品"大玻璃"又名"被单身汉剥光了的新娘"而著名）的影响。这位艺术家晚期的作品主要讨论色欲，在他为自己的作品"The Bride Stripped Bare by Her Bachelors,Even."所写的导读中中，他写道"I used to think of Love as a machine; myself as a motor, erotic energy," Sam则将其原文引入了音乐，在歌中，主人公唱着自己想要感觉到爱，想要被爱彻底占有，想要抛开表面意义上的爱而浸淫其中。十几年过去了，今天的Projekt在DarkWave/Gothic乐迷心中已无异于教徒的圣地，它所出版的那些混合了NewAge和吸血鬼的歌曲，深刻的揭示出人们心中的爱和欲望的交战。并被认为是填补了4ad迈入商业之后地下氛围摇滚乐的空白。Black Tape for a Blue Girl也被视为Projekt之声的代表。除了Black Tape for a Blue Girl，Sam还参加了Projekt旗下另一支叫做Thanatos哥特-民谣风格的乐队。既要经营公司，又要参与两支乐队的活动，Sam也难免感慨分身乏术了。

推荐歌曲：Black Tape For A Blue Girls（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-3 09:06 PM 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-8-3 21:40

48.Country（乡村音乐）
        乡村音乐是属于传统的，尽管它简单的形式使自身无止境的萌发出许多类似的主旋律。像蓝调---两种流派常常分享主旋律, 音调和歌曲---乡村音乐的核心就是简单的音乐。大部分的乡村歌曲都是围绕三和弦，和平调而创作的，但是这些形式是很基本的，他们允许很多不同的风格，从honky tonk坚硬的声音到Western Swing即席创作的爵士乐。乡村音乐由美国南方民谣（Appalachian和蓝调）而来，早时期的乡村音乐是简单和民族的，仅用吉他和小提琴。当流派在不断的派生时，早时期的由吉他和小提琴组成的乡村音乐通过honky tonk和Western Swings到早期流行的Countrypolitan 和使摇滚改变风格的Bakersfield Sound从而被驱策为传统的乡村音乐，成为现代乡村音乐的基础。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Mark Knopfler


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         Mark Knopfler 是Dire Straits（恐怖海峡）的主音吉它兼主唱，是乐队的灵魂人物，可以说，这个乐队是他个人情感的宣泄。 Dire Straits（恐怖海峡）乐队融合了爵士与民谣，表演质朴而有内涵，让我们在电声音乐中还能感受到许多传统音乐的温馨，他们作品可以说张张是精品，是新音乐中比较具有特色的一支乐队。乐队的作品基本上出于Mark Knopfler的手笔，Mark是一位才子型人物，他不仅有出众的吉它演奏技巧，而且十分自信且很有观念，他力求做真正的完美音乐家而不是一位娱乐界的明星。
推荐歌曲：In the Heartland （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-3 21:47

49.Country-Rock（乡村摇滚）
        本质上来说，乡村摇滚是摇滚的乐队在演奏乡村音乐。它是通过相反的文化观念而形成的乡村音乐，同样，它依靠扩大的高声喧闹，卓越的基调强节奏和流行的音调。第一个乡村摇滚乐队---the Flying Burrito Brothers, Gram Parsns, the Byrds和Neil Young---演奏直接的乡村音乐，从Merle Haggard和Buck Owens的Bakersfield乐曲中获取灵感，就如honky tonkers像Hank Williams一样。在这些流派进入了70年代后，较粗糙的边缘被平缓的划除，比如the Eagles, Poco, Pure Prairie League 和Linda Ronstadt创作出更平缓更舒畅的音乐一样。这就使乡村摇滚在７０年代成为杰出的类型。在８０年代末，一个另类摇滚的小乐队开始复苏了早期Parsons 和Young刚毅曲风。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Grateful Dead


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        1964年组建。起初乐队的名字叫“Warlocks”，后来乐队的成员开始服用LSD兵书；并开创了“迷幻摇滚”的先河。同时他们还成为第一支在吸毒后即兴表演的乐队。也是在这一时期乐队改名为“The Grateful Dead”。1966年乐队已在地下乐坛名声显赫，他们的音乐无所不包从小调到硬摇滚。1967年夏天乐队参加了雷蒙德音乐节，并被誉为音乐界上最好的乐队。同年乐队发行了第一张同名专辑，被称为用布鲁斯演唱的迷幻摇滚。1968年因与签约公司关系不好而使得第二张专辑《Anthem of the Sun》并不出色。1967年到1969年之间乐队进行了巡演并推出了第三张专辑《Aoxomoxoa》成绩依然不理想。1970年推出了现场双专辑《Live/Dead》，《Workingman’s Dead》及《American Beauty》均获得了成功，其中后两张专辑是乐队历史上销量最大的专辑。在此后乐队及乐队成员都出了许多专辑，并一直进行着巡演。在这期间的专辑《In the Dark》被认为是最好的作品，并为乐队赢得了第一首热门歌曲“Touch of Gery”。1995年Jerry Garcia去世，乐队宣布解散。The Grateful Dead系统的把自由自在的一种音乐形式引入了摇滚乐，他们的音乐表明了他们在不断的发展自己的音乐理想。 ……
推荐歌曲： Terrapin Station（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-3 21:57

50.Dark Ambient（黑暗氛围）
        Brian Enos独创的unobtrusive musical wlalpaper环境音乐, 随后被温暖的室内旋律所包围并且在90年代通过Orb被给予俏皮的感觉，在一切的改变中，它发掘了风格相反的另一种音乐形式---Dark Ambient。这些音乐领域的新移民被以很大程度的进行了人身攻击---并列的从旧式工业和金属实验（ScornsMick Harris, Current 93s David Tibet, Nurse with Wounds Steven Stapleton）到电子研究（Kim Cascone/PGR, Psychick Warriors Ov Gaia），日本噪音乐队（K.K Null, Merzbow），和进来的独立摇滚（Main, Bark Psychosis）---黑暗氛围是以低沉的音调或是键盘弹奏的完全无规则节拍，怪诞令人不安的实验以及主要的吉他效果为特征的。像大部分在90年代有关电子舞曲的风格一样，它是很模糊体系：许多乐队通过各自相继的发表作品进入或离开这种风格。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Burzum


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        varg vikernes于1973年2月11日21点58分生于挪威的bergen。但一些人认为这一刻就是第六个月的第六天六点钟（666代表恶魔），但无论怎么说，这都是一个?婀适碌目?肌：诎档暮鸵帐醯钠?⑹贾瞻樗孀舠candinavian black metal乐队burzum，但人们真正感兴趣的却是乐队的成员varg本人，因此甚至忽略了burzum本身音乐的价值。burzum的音乐是他们对凡人痛苦的阐述，乐队在黑暗中思考，以至于在众多的blackmetal乐队中，burzum是的在思想深度上和音乐的概念上走的最远的乐队，乐队在哲学上的理论和在历史问题上的观点吸引了大批的追随者，然而，他们在亦在古典音乐和死亡金属的融合上创造了新的概念。于是，他们一次次大创造出了充满黑暗思想的音乐旋律，而你必须从他们大角度才能理解这些黑暗的音乐中的感情之所在...
推荐歌曲： Dunkelheit（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-4 22:24

51.Death Metal/Black Metal（死亡/黑色金属）
        死亡金属由80年代后期的鞭挞金属而来。带着坚硬的歌词和对鞭挞病态的困扰走着极端路线，死亡金属是---就像它的名字所暗示的一样---仅仅是关于死亡，痛苦和受折磨的内容。这些残酷寒冷的歌词被不断喧闹，重型的重复着，这种风格受到很多像Black Sabbath迟缓金属般的影响，Metallica就是典型的代表。死亡金属乐队也同样受了很多70年代艺术摇滚复杂歌曲结构的影响，尽管大部分的这些复杂的歌曲结构是从Metallica那里学来的。死亡金属从没有在大众中产生共鸣，但是对于一些顽固的重金属乐迷来说，Metallica 和Guns N Roses是最优秀的---他们在80年代后期到90年代早期买了数百万的唱片---或者还有流行金属，如Poison。死亡/黑色金属在90年代保持了一小批忠实的乐迷。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Abigor


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      在blackmetal蓬勃发展的今天，每个国家都有一支可以说是带头的乐队，象挪威的mayhem，瑞典的dissection等。而在奥地利abigor可以说是奥地利blackmetal的带头人，他们带领了一批具有奥地利风格的blackmetal乐队。abigor成立于1993年，当时乐队是由p.k和t.t.组建的，不久之后rune（就是现在的tharen）加入乐队担任乐队的主唱，很快第一张demo《ash nazgh…》发表于93年的秋天，同年十二月，第二张demo《lux devictaest》发表。94年二月，乐队又制作了一张试听带，而在94年的三月，abigor终于发行了他们最后一张demo《moonrise》，在这张作品发表后，主唱tharen决定离开乐队去干自己想干事。之后，他的位置由silenius代替。silenius在任时，乐队又制作了一张试听带名为《hate&sin》，并且签约于奥地利的唱片公司napalm records。94年六月，乐队终于推出了第一张正式专辑《verwuestung/invoke the dark age》，专辑一发表，这支年青的乐队就以他们惊人的创造力和烈火般的作品被人们推为blackmetal界的天才。94年十一月，abigor又发表了一张概念专辑《orkblut－the retaliation》，这张专辑讲的是一个勇士的故事，他为了追寻他异教徒的根而最终燃烧了自己的心，专辑中用音乐描写了他起伏的生活，他的感觉和他最后的搏斗。这是在blackmetal专辑中不多见的概念专辑，也是blackmetal中经典的作品...
推荐歌曲：Seberance（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-4 22:27 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-8-5 13:53

52.Detroit Rock（底特率摇滚）
      在60年代后期到70年代早期这段时间，底特律摇滚并不仅是在底特律内流行，它是在70年代仅崛起的对主流重金属其主要冲击力量的风格，而且为朋克运动打下了坚固的基础。底特律摇滚是简单的，强劲的和过激的；它还是原始的，粗野的，展现一种远离优雅的姿态。底特律摇滚的根基实际上是延伸于两个邻近的城市：the industrial Flint和the college town of Ann Arbor，尽管它最重要的舞台是在底特律本身。最早的底特律摇滚包括了像Amboy Dukes和the Mysterians的迷魂气息车库乐队，还有像the Rationals和Mitch Ryders Detroit Wheels重金属蓝调的灵魂乐队，他们都是主要受早期R & B和摇滚（Chuck Berry, Little Richard等）影响的乐队。底特律摇滚真正的大跨步的前进，然而，通过the Stooges 和the MC5这两个在1969年初次发行唱片就造成大轰动并且在70年代早期一直持续唱片辉煌的原始朋克乐队的巨大影响。在商业价值上，底特律摇滚有着他们不可比拟的优越性。当Cub Kodas Brownsville Station用经典的专辑”Smpkin in the Boys Room”重击了摇滚界，Grand Funk Railroad和早期的Amboy Duke Ted Nugent 都在70年代由于他们是重型摇滚的代表而成为了巨星。Alice Cooper，玩底特律音乐出身的，在Arizona 和Los Angeles演出，又重回了这个城市并且将他的乐队改进为最伟大的重金属摇滚之一的乐队，当早期的Ann Arbor和车库摇滚Bob Seger在差不多接近十年的唱片辉煌和保持传统摇滚风格后，最终在70年代中期突破自身来成为底特律摇滚的演奏者。而且，底特律为朋克摇滚的产生发展提供了辉煌的帮助并且这也是为什么底特律摇滚如今仍被尊敬的主要原因。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Mc5


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      要开创一个新时代,需要一无前的勇气，MC5在六十年代末的出现决不是偶然的，他们代表了新代追求理想的年轻人，朋克也在时开始向死气沉沉的世界注入勃生机.“你闭起眼睛听我们的音乐，会听到地球粉碎的声音”，MC5的成员这样说过。很难想象在十年代末会出现如此激烈而嗜杂音乐，MC5用空前的勇气和单纯的动向世界呐喊看：“Brothers and Sisters,it's time for revolution!”这种能够毁一切的音乐，足以在心灵中重一个理想的新世界。这张Live版专辑最大程度地传递了一种革命冲动，在那一往无前的音乐里，灵魂的呐喊、理想的火焰、死亡的沉迷都爆发出极大的能量，你感到心灵在震颤，生命在极限的边缘开始清晰和明亮...
推荐歌曲：I Can Only Give You Everything（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-5 13:57 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-8-5 14:04

53.Disco（Disco）
       Disco标志着以舞曲为基础的早期流行音乐的开始。绕开70年代日益繁盛的声音和疯克，disco强调节拍，甚至是歌手和歌曲。Disco是在那些不放任何的音乐除了舞曲的夜总会，discotheque后命名的。大部分在纽约的discotheque都是同性恋的俱乐部，DJ们因此专门挑选强烈节奏，重型风格的疯克唱片来播放。在disco出现后，唱片开始在电台播放，并且有很大的销量。很快，唱片公司和音乐制作者开始削减除了disco以外一切音乐形式的创作。自然的，这些唱片也有很强的流行因素，所以他们可以如此成功。Disco专辑常常不需什么改变---他们屈指可数的长的歌曲只是保持节拍在不停的敲打。同样的，那些单曲被发行为12英寸的唱片形式，有利于延长再混合的时间。DJ们可以混合这些磁轨，只要它们被标记为每分钟节拍的数量，就可以匹配每首歌的拍子。很快，一直以强烈拍子为标志的disco在流行音乐中占有了优势，并且每个乐队都融合了一些disco的成分，从摇滚明星the Rolling Stons和Rod Stewart到流行明星the Bee Gees和***潮乐队如Blondie。一些disco乐队成为了明星---Donna Summer, Chic, the Village People,和KC & the Sunshine Band---自他们创作这些节奏和谱曲以来，都是制作者的音乐中扮演主要的媒介作用。Disco在70年代到80年代逐渐失去了动力，但是它并没有消亡---它变异为了多种的以舞曲为基础的流派，从业余到专业的广泛的舞曲流行。  

具有该风格的乐队/艺人名单：



Bee Gees


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        出生在爱尔兰海曼岛的Bee Gees(比吉斯兄弟)从小便受到音乐的熏陶，父亲Hugh是乐团的团长，母亲Barbara则是位歌手。9岁那时Barry已经开始歌唱并弹奏父亲送给他的吉他，帮他伴奏的是两个6岁的双胞胎兄弟Robin与Maurice。Robin与Barry那独一无二的嗓音成为日后乐团的著名卷标，Maurice则是在吉他、贝斯及键盘等乐器上钻研。在十几岁时，他们随着父母搬至澳洲，以Rattlesnakes为团名在布里斯本的赛马场表演。1966年的《Spicks & Specks》为他们在澳洲得到首张冠军单曲，1967年三人以Bee Gees为团名正式重返英伦。

　　经纪人一职由披头士经理人Brian Epstein的伙伴Robert Stigwood担任，从60年代开始，Bee Gees以旋风之姿风靡了英伦。1967年推出的首张大碟《The Bee Gees First》不但让他们成为榜上常客，其运用文字描绘影像的歌词与让人无法抗拒的旋律，使得歌曲《New York Mining Disaster 1941》、《I Started A Joke》、《Massachusetts》、《Holiday》和《Words》如今依旧是代表那个年代的伟大歌曲。早期的Bee Gees以充满灵魂的音乐为走向，指针作To Love Somebody便是献给Otis Redding这位对Robin唱腔影响极钜的节奏蓝调大师。在专辑呈现上Bee Gees也不落俗套，69年的《Odessa》便是一例，该专辑与The Who的《Tommy》并列为先导概念之作。

　　随着《How Can You Mend A Broken Heart》在70年代初期夺下排行榜的冠军，Bee Gees堂堂迈入他们的辉煌时期。70年代中期，Bee Gees转向他们称之为“蓝眼灵魂乐”的音乐风格，以假音唱腔搭配富旋律的曲调与肥厚的贝斯声线，俨然成为新式的R&B风潮。对于他们来说，放克的增添使得他们对节奏蓝调的热情再次苏醒。《Main Course》这张由Arif Mardin打造的专辑，其中2支单曲《Jive Talkin'》与《Nights on Broadway》更在97年轰动各大舞池。然而对之后的《Saturday Night Fever》而言，它们只是道开胃前菜，因为这张《Saturday Night Fever(周末的狂热)》电影原声带后来成为70年代最受欢迎的专辑，并开出4000万张的销售狂潮。  

　　接下来的《Spirits Having Flown》奠定了他们“世界最伟大乐团”的地位，在这段光辉岁月里，Bee Gees缔造了两项空前绝后的纪录：乐史上唯一连续创作出6首全美冠军曲的艺人、以及唯一同时拥有5首歌曲在美国单曲榜Top 10的歌手。另一位Gibb家族成员也在70年代末期展露头角，在Barry的庇护下，19岁的Andy Gibb在1978年囊括了三座单曲冠军《I Just Want to Be Your Everything》、《(Love Is) Thicker than Water》及《Shadow Dancing》。

　　Bee Gees在80年代开始各自发展，80年初期Barry与他的制作群大部份时间都在和歌坛巨星如芭芭拉史翠珊的专辑《Guilty》、戴安娜罗丝的《Chain Reaction》、Dionne Warwick的《Heartbreaker》以及肯尼罗杰斯与桃丽芭顿合唱的《Islands in the Stream》合作。这些由Bee Gees创作加上Barry制作的歌曲，最后多数都成为歌手们最具代表的作品，而最佳拍挡Bee Gees自己本身也以UK冠军《You Win Again》再现横扫全球的魅力。90年初Bee Gees在五大洲举办久违的现场演出，紧接着的One Night Only电视特集更在全球造成热烈回响。

　　如今专辑在全球累积销售量已突破1亿张大关的Bee Gees，不仅是唯一在60到90年代都能夺得排行榜冠军的歌手，更是史上最成功的三重唱。《周末的狂热》依旧保有全球最畅销电影原声带的纪录，同时也开创日后以歌曲为导向的电影原声带模式。拥抱过7次葛莱美奖的Bee Gees，也光荣的成为创作名人堂与摇滚名人堂一员，并获全英音乐奖颁授“杰出贡献奖”，表扬他们对音乐的众多贡献。另外，改编翻唱Bee Gees的歌曲高达500多首，其中不少是像芭芭拉史翠珊、超级男孩、天命真女、席琳迪翁、猫王、珍妮丝贾普林、戴安娜罗丝等天王天后级的歌手。  

　　过去这些过人的成就更肯定了Bee Gees 2001年的新专辑《This Is Where I Came In(我的开始在这里)》的音乐性，从《Sacred Trust》的优雅耳语到《Loose Talk Costs Lives》的深远灵魂，再到《Deja Vu与Embrace》的浪漫激情，除了音乐本质其它都无需在乎。对于在流行音乐界有着举足轻重地位的Bee Gees而言，能在数十年后依旧受到欢迎与尊重的确是件很棒的事，而《This Is Where I Came In》也再次证明了Bee Gees的音乐有着跨越时代的魅力。  

　　Bee Gees保留昔日传奇性的信念，同时持续探索着从未接触的领域。一段段令人难忘的旋律随着空心吉他缓缓流泻，尾随而来的是由三个不同特质音色所组成的合声，真实地呈现出他们对过去这40年来所发生的一切感受。
推荐歌曲：first of may The Your Song 2（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-5 15:07

54.Doom Metal（厄运金属）
        从缓慢的哀悼曲和偏执黑暗的Black Sabbath中得到了灵感，厄运金属正是少数那些抛开浮华的技巧来表达感情的重金属流派（尽管浮华的表现手法是流行的）。正如它比大多数金属更多地描写安息日，厄运金属非常的缓慢，沉重和颓靡，阴沉的情绪几乎不能离开；它稳重的节拍和黑暗的吉他声代表着一种对厄运迫近感觉的唤起。在80年代中期这场运动显露了它的面貌，像地下乐队the SST标志的Saint Vitus，批评欢呼的Trouble和以他们非潮流的风格吸引听众的Swedens Candlemass, 安息日是众多乐队乐于描写的主题。在90年代，Trouble和Cathedral将厄运金属带入了更宽广的金属听众中，很快，拥有不同品位的听众被代表黑暗的厄运金属所吸引。厄运金属是90年代众多在减速迷幻stone metal运动中被格式化影响的风格之一，对于乐队来说它并不是很难找到可取成分的。另一个在90年代厄运金属中有一定程度上压力是---像Paradise Lost, My Dying Bride, Anathema这样的英国乐队先驱---把Sabbath在声音上沉重的覆盖了哥特金属的敏感性，在偶尔的加上死亡金属的成分；结果是悲伤和笼罩着阴沉气氛的感觉。90年代在新奥尔良还诞生了独特的厄运金属：像Crowbar和Eyehategod的那种常爱描述”sludge metal”形式的乐队，因为他们沿袭了像the Melvins和Soundgarden般早期的西雅图车库。个别的厄运金属乐队有一体化的前进的趋势，尽管这种现象并不是普遍。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Anathema



        Anathema可以说是90年代最受低估的乐队了。刚起步时没人会知道你被低估了，因为那个时候你已经被低估了，有时候会那些有才华的人们会备感折磨。这些话绝不是自夸自大，而这种情况也确实是Anathema的负担。乐队的诞生、孕育和成长都深深刻有利物浦的风范，乐队的这四个成员同时也是四个好朋友（其中两个是弟兄）对于Anathema传奇性的开端很是感到骄傲。

然而到1999年6月Anathema发行他们的第五张专辑“Judgement”——这绝对这10年里是一张定义同类音乐风格的专辑！Judgement录制于意大利 Ventimiglia的Damage公司录音棚，Kit Woolven（Thin Lizzy和Cradle Of Filth）担当了制作人，Anathema花了足足3个月录制完成了他们的这张杰作。在专辑制作完成以前已有消息说这张专辑中将会有非常特别的东西，而Anathema录音期间在意大利做的一些演出正暗示了这点。

“Judgement”最终在1999年6月21日浮出水面，马上受到广大歌迷和评论的一致喝彩，专辑被公认为神圣崇高而富有启示意义，同时全球有20多家杂志将“Judgement”评为月度最佳专辑，凡是自称为摇滚乐迷的人会引用这张专辑来提及这支极端金属的最前沿乐队Anathema。

当这三个人——Vinnie,Danny和Jamie Cavanagh玩弄着一两把又老又破的原声吉他的时候，几乎没人会想象出他们能达到什么地步。但就在一年之后他们第一张小样“An Iliad Of Woes”完成了，1990年时便在地下音乐圈里广为流传，在如此早的阶段就有人认为Anathema相当出色而且前途无量，但没有人会预测到乐队将来到底会取得如何的成就。

第二年乐队又继续出了第二张小样“All Faith Is Lost”，同年乐队也以官方形式发行了第一张唱片——一张由Witchhunt唱片发行的7"EP，名为“They Die”。凭借着这几张唱片的实力，Peaceville签下了Anathema，不久后边发行了“The Crestfallen”，一张为歌迷焦急等待的单曲碟。然而唱片却没有让让歌迷们失望，歌迷们还给予了“The Crestfallen”任何唱片发行都无法得到的赞誉。到了这个时候Anathema那独特的风格已日趋成熟，并在乐队的第一张专辑“Serenades”中得到了集中体现。这张专辑发行不久后又是一张名为“Pentecost III”的mini-CD，唱片的风格类似于乐队的第一张专辑，也体现了乐队非凡的创作能力。

紧接着这张唱片是乐队的第二张专辑“The Silent Enigma”，主唱Darren White在录制进行到一半时离开了乐队。为了完成这张专辑吉他手Vincent Cavanagh顶替了主唱位置，而Anathema也尽可能完成专辑的录制工作。结果这张专辑还是一张出色的作品，并体现着Anathema音乐自然而然的进步，而所剔除的是含糊的合作方式以及旧的歌曲结构，同时专辑展现了更多简明的金属交响曲，却没有失去诗篇般的独特魅力，专辑里还包括乐队演唱会时令人激动欢心的压轴曲目“A Dying Wish”。现在人们已开始认识到这个来自利物浦的年轻乐队迟早有一天将成为一个伟大的音乐组合。

Anathema的下一张专辑“Eternity”然而也是乐队对自己音乐做的最大一次的改动，但“Eternity”至少也是如史诗般一样的作品。专辑的时间正好是1个小时（不包括extra tracks），一共12首关于爱情及死亡的悲惨痛苦的歌曲，其中还有一曲Pink Floyd的“Hope”（Dave Gilmour做主唱时的Pink Floyd）翻唱。Vincent依然担当主唱一职，而且不象前些专辑中几近咆哮般的嗓音，Vincent用一种更为成熟更有技巧的方式表现自己的嗓音，在Anathema感情低调的音乐中衬显着Vincent庄严的声音，乐队深厚功底更增强着古典音乐元素的底蕴——这种音乐随后取得了良好的回响。

接下来的两张专辑里Anathema体现了一种完全不同的风格,在原先音乐的基础上做了果断而重大的调整。“Alternative 4”是乐队第四张专辑，但仍会象他们第一张专辑一样给人以全新的感觉，Anathema面目一新的音乐再次博得广泛的喝彩，而“Alternative 4”也成为乐队历史上一张比较杰出的专辑。尽管音乐中加入大量传统摇滚乐元素，但仍如前几张专辑一样保持着自己阴暗的一面，再加上简洁的专辑制作还有Vincent出色的主唱表现，“Alternative 4”无疑是乐队最精练的一张作品，这也是贝斯手Duncan Patterson最后一次为Anathema录制的专辑。

1999年乐队发生了一系列变化，加盟Music For Nations并还找来了新的贝斯手Dave Pybus，以及原来的John Douglas做鼓手，随后乐队去意大利录制了“Judgement”。Anathema原先几张唱片销量都很好，但乐迷们知道乐队最经典、最具代表性的专辑还没有出世。而到了新千年，即乐队10周年的前一年，这种等待总算结束了。

键盘手Les Smith（Les Smith在乐队为专辑“Eternity”做的巡演上就曾出过一份力）在2001年加入了乐队，并且参与了创作的工作，Les的成果在专辑中有着鲜明的体现，他也在录制专辑期间担当了工程师助手。Anathema的第六张专辑“A Fine Day to Exit”发行于10月1日，这张“A Fine Day to Exit”由Nick Griffith（Cast,Mansun,Pink Floyd）出任制作人，乐队用2001年的整个夏季最终在Chapel的Windings录音室完成了录制工作。“A Fine Day to Exit”再次说明了乐队有能力探索新的音乐疆界，同时又不失原先音乐中的梦幻氛围以及感情标准。专辑一经发行便取得了热烈的反响，并被认为是Anathema迄今以来最为出色的作品。在完成录制后不久的7月，Dave Pybus由于一些个人原因和音乐上的意见不合而决定离开乐队，同时George Roberts为乐队巡演担当了临时贝斯手，但Anathema仍在寻找下一位永久贝斯手。

Anathema依靠去做每一位艺人都应该能够做到的事情——写出好的作品——而达到了自己的目标。现在Anathema开始全球巡演只是时间问题了，因为这是乐队现在应该去做的。
推荐歌曲Scars of the old Stream（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-5 15:18

55.Dream Pop（梦幻流行）
        梦幻流行是另类金属的一个流派，它依音速处理音乐质地来表达悦耳的音调。梦幻流行尝使用气声和充满回音的吉他效果和电子合成器来加以处理效果的。尽管the Cocteau Twins通过他们模糊的声音和颓靡的音景常被看作是梦幻流行的领导者，但是这个流派在形式上还有比缓慢电子结构更为多的的差异。梦幻流行也包含Galaxie 500的the post-Velvet Underground 吉他摇滚，以及My Bloody Valentine的loud, shimmering feedback。他们都因依音速处理音乐质地，表演手法与唱腔的相同形式而归为一类。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Acetone



        头一次接触这支乐队，是在一个下雨的冬夜，在土豆家翻他们的杂乱无比的CD册，看见一张没有封皮、土黄色的打口——ACETONE？没听说过，可上面那 Vernon Yard 唱片公司的狼头标志（还是狗头？） 吸引了我，记得我最初买LOW的打口磁带的时候，那老板（也许是我见识过的最好的卖打口的了）就告诉我 Vernon Yard 这唱片公司不错。于是，在寒冷幽暗之中，偌大的房间里响起了清醇的 Folk +Blues 的 ACETONE，我坐在土豆的沙滩椅上，感觉到淳朴而清新的空气在流动，仿佛回到了“如果你是朝露，我愿是那小草，如果你是那片云，我愿是那小雨”这样的校园民谣流行的八十年代。
现时的唱片工业是如此发达，音乐的分类也越来越复杂，听众的口味不断改变，今天流行“另类”，明天时兴“电子”，不少乐队有意地使自己的作品打上种种特定的烙印，以迎合听众的需要。而来自洛杉矶的 ACETONE 则是一支不迎合潮流口味的乐队，他们只凭自己的对音乐的个人喜好而创作。
1987年，乐队的三名成员走到了一起，主唱/贝司手：Richie Lee，当时在加州一所艺术学校学习油画；吉他手：Mark Lightcap，同一所学校的作曲系学生兼大号手；鼓手：Steve Hadley，是 Lee 在中学时认识的。他们只是出于对音乐的爱好，聚在一起自娱自乐地演奏和创作，在这样的轻松随便的过程中渐渐地加深了对彼此的个性和音乐口味的了解。同时，随着他们的音乐理念和技巧的成熟，也渐渐地形成了自己的音乐风格。一切都顺其自然，随心所欲，他们从不把自己固定在一个音乐模式中。就这样，ACETONE，以其亲切而容易引起共鸣的音乐，默默地抵抗着繁杂而无意义的音乐分类。Lee解释说：“语言使你的作品带有某种特色，人们大概就凭这个将你的音乐归到某个分类中去。可是，艺术是跟语言无关的，而是利用语言来达到更高的境界。假如你的音乐已被定性为某一类，听众就会想，‘哦，这种类型的音乐就是这样的啊。’如此一来，音乐就不再是一种体验了。其实这些分类跟音乐本身一点关系都没有。”Lee的这番话，或多或少流露出他的视觉艺术家的气质。
ACETONE 的首张专辑，《Cindy》，发行于1993年，包含了朗朗上口的流行调子、车库摇滚、地下丝绒式的粗糙失真轰鸣，显示了乐队音乐风格的多样化。而1994年发行的 EP，《 I Guess I Would》，则转向乡村摇滚风格，总共七首歌，翻唱了The Flying Burrito rothers乐队、John Prine、Johnny Horton等乡谣前辈的作品。1996年，乐队的第二张专辑，《 If You Only Knew》，更充分体现了乐队的渐趋成熟、生动丰富的音乐技巧，整张专辑就是非常自然的个人情感流露。
从1997年发行的第三张专辑《Acetone》起，ACETONE 转投到 Vapor唱片公司旗下。这是该乐队全情投入创作出的又一颗结晶，延续了乐队一贯坚持的不断向前发展、不断重新自我定向的努力。主唱 Lee 说：“我们就好象建筑工人一样，先把房子的各个部分砌好，完了再把它们拼到一起，从而完成整座房屋的架构。在这张专辑里，我们更强调现场录音。”在录音过程中，尽量使一切保持简洁，结果却使《Acetone》获得了既纯净又不失多元化的出色效果。在<All The Time>一曲中，展现了扑朔迷离的画面，正如 Lee 唱道：“What I'm saying / How I wish it were clear.” 另一首歌，<Shobud>，ACETONE 把 Twin Peaks 式的抽象布鲁斯融入歌曲中，创造出神秘的和音。而<All You Know>听起来显得懒洋洋、无精打采的，展现了生活的另一面。ACETONE 的音乐，混合着草根布鲁斯和弦，生动圆润的音色，内省而诚挚的歌词，自然地散发着美的光泽，为乐队赢得了同行们的尊敬，例如 Garbage，The Verve，Oasis，Mazzy Star等乐队，都曾邀请ACETONE 一起巡回演出。
在 ACETONE 看来，音符、旋律、歌词、和声应该在不受限制的空间中和谐地碰撞。他们的音乐，是在对音乐本身的思辩的追求中不断成熟的。有一点在他们看来至关重要，那就是，摇滚乐主要地是一种体验.这也许值得我们这些听音乐的人借鉴。
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作者: Raito    时间: 2007-8-5 19:34

56.East Coast Rap（东海岸说唱）
        在 hip-hop 时代到来之前，几乎所有的说唱都是东海岸说唱。说唱界最著名的早期艺人都是在纽约市发展起来的，例如一些旧学院派的传奇式人物：DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, the Sugarhill Gang, Kurtis Blow, 以及 Run-D.M.C. 80年代的时候，说唱艺术有了进一步的发展，形式更加多样，并从纽约扩散到了更多其它的地区；然而东海岸说唱在80年代的大部分时候，都占着主流的位置。尽管东海岸说唱在音乐上并不完全一致，但到80年代中后期的时候，他们都越发趋向于使用激进的鼓点和对取样进行拼贴，并且很多MC都具有高超的作词本领。换句话说，虽然有一些例外，但东岸说唱逐渐成为了一种更具有可听性的音乐形式而不仅仅适用于舞池；它变得越发精细和复杂，并作为一种值得尊敬的艺术形式成为了一个新的流派。东海岸说唱黄金时期的典型艺人包括 Eric B. & Rakim 和 Boogie Down Productions ，他们都有比 EPMD 和 Public Enemy 更强烈的击打式的声音，同时也具有建立在旧学院派基础上的高超的作词技巧。同样以东海岸说唱为基础的还有 Native Tongues ,这是由 Afrika Bambaataa 发起的一个以黑人歌手为中心的向上的组合；还有 De La Soul, A Tribe Called Quest, the Jungle Brothers 以及大部分对80年代后期 hip-hop 形成具有重要影响的纽约乐队，他们都更多的属于一种折衷的音乐形式，而不是某个既成的音乐流派。1989年时 N.W.A.发行了专辑 Straight Outta Compton ，从此西海岸说唱在它研磨的唱腔与市井的内容之上又加入了更强硬的嗓音，再加上它保持了其原有的作为聚会音乐的基本功能，这一切都使它在90年代成为 hip-hop 的主要力量。另外，南方说唱的兴起也使得东海岸说唱无法再保有其原先的音乐地位，但它也没有在90年代完全消失。除了 Puff Daddy 着 Bad Boy 的招牌占据了极其有利的地势并在流行乐坛也极负盛名以外，东海岸说唱还影响了一批风格各异且获得高度评价的艺人，包括词作鉴赏家 Nas、电子化的 Fugees and Roots、以及受其影响极深的硬核组合 Wu-Tang Clan.

具有该风格的乐队/艺人名单：

Jay-Z


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      Jay-Z自从1996年出道以来迅速的就成为了整个东海岸说唱的统帅级人物，他不仅是一位最顶尖的说唱歌手同时还是最出色的音乐制作人之一，在流行音乐界拥有很高的地位。除此以外，Jay-Z所经营的Roc-A-Fella唱片公司，在整个黑人音乐市场中也是商业成绩最突出的厂牌之一，对于整个说唱音乐的市场有着非常重要的影响力。Jay-Z的每一张专辑销量都超过白金，而在进入新世纪以后，随着音乐上不断的取得新成就，以及音乐影响力的增强，Jay-Z的触角也从说唱音乐本身渐渐移向其他音乐上，比如加大与东海岸以外的南方说唱和西海岸说唱之间的合作以及在R&B音乐的制作等方面，为推动说唱音乐以及整个流行音乐都做出了不小的贡献。 Jay-Z原名Shawn Carter，又名Sean Carter，于1970年12月4日出生在美国纽约的布鲁克林区，和在这里出生的其他说唱歌星一样，Shawn Carter的父亲在他很小的时候就离开了他和他的母亲Gloria Carter，这段艰苦的岁月是Shawn Carter印象最为深刻的。少年的Shawn Carter独自撑起了他和母亲的生活，不久他就成了街头一名普通的黑人说唱歌手，最初的时候他为自己取了一个源自爵士乐的名字“Jazzy”，不久之后简化为Jay-Z。当一名说唱歌手并不能挣足够的钱，为了生存，Jay-Z还必须和那里其他的年轻人一样从事一些并不光明的行为，不过更多的时候Jay-Z还是靠在一些小录音室自己录制一些磁带然后拿出去卖来赚钱糊口。在Jay-Z的说唱才华渐渐被附近的人所了解之后，Jay-Z开始在当地一些小的说唱组合和一些歌手那里打短工，在这里他有机会接触到说唱音乐的制作等工作，而这些唱片录制工业也激起了Jay-Z的野心，Jay-Z并没有像其他歌手一样和大的唱片公司签约，而是和两个朋友Damon Dash和Kareem "Biggs" Burke一起创办了Roc-A-Fella唱片公司，他把自己的唱片公司依附于Def Jam公司(当时还叫做Priority Records)的旗下，并且开始制作和发行音乐专辑。 1996年，Jay-Z录制并发行了自己的第一张个人专辑，同时也是Roc-A-Fella唱片公司的第一张专辑《Reasonable Doubt》，这张发行自东西海岸说唱音乐争斗最残酷时期的帮匪说唱专辑非常令人惊奇，多首单曲成为排行榜主打，到了如今他也被公认是Jay-Z在上个世纪最杰出的专辑，同时也成为了帮匪说唱专辑的经典作品。《Reasonable Doubt》的初获成功也为Jay-Z的下一张专辑以及Roc-A-Fella唱片公司的发展开了一个好头。1997年，Jay-Z的第二张专辑《In My Lifetime, Vol. 1》发行，富有商业头脑的Jay-Z在这张专辑中为了吸引更多的听众以及扩大他的知名度和唱片公司的影响力，把专辑的音乐风格从偏激的帮匪说唱转变为了更加易于各方面听众接受的流行说唱，同时在专辑中邀请了包括吹牛老爹Sean "Puffy" Combs在内的多位大牌歌星助阵，而这些措施效果显著，不仅拥有多首单曲打榜，而且这张专辑的销量也迅速超过了《Reasonable Doubt》，杀进了Billboard 200排行榜的前三名，Jay-Z已经成为了一名一流的说唱歌星。 1998年9月29日，Jay-Z的第三张个人专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》正式发行，这张纯粹的流行音乐专辑的14首单曲中近半数成为排行榜热门，其中的一些在现在已经成为了Jay-Z的标志性作品，比如《Hard Knock Life (Ghetto Anthem)》，Jay-Z借此更进一步的扩大了自己的领地，同时这张专辑也在发行后成为了Billboard 200排行榜的冠军，这也是Jay-Z第一张冠军专辑，已经完全转变成为了流行说唱歌手的Jay-Z在1998年度第41届格莱美颁奖典礼上获得了到目前为止他个人唯一的一尊格莱美奖杯，专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》获得了年度最佳说唱专辑大奖(Best Rap Album)，Jay-Z成为了被各方面都认可的最顶尖的说唱明星。 1999年，Jay-Z发行了第四张个人专辑，这张专辑是依旧讲述自己的故事的《Vol. 3: Life and Times of S. Carter》。此时的Jay-Z已经普遍的采用和其他歌星合作演唱的方式来表演歌曲，这张专辑中几乎每一首歌都是由Jay-Z和其他歌星共同演唱的，在商业上也依旧保持着自己的辉煌，而这种大面积和其他歌星合作的做法也使Roc-A-Fella唱片公司渐渐成为了说唱工业的一个重要的组成部分。2000年，Jay-Z发行了第五张个人专辑《Dynasty Roc la Familia》，除了唱片本身依旧保持着很高的商业成绩以外，已经在业界名声鹊起的Roc-A-Fella唱片公司开始在这张专辑中逐渐的推出自己公司的一些新人来和Jay-Z一起演唱歌曲。也许是因为确实缺乏大牌歌星的加盟，因此在销量上比以往出现了一些下降。不过在这张专辑里，Jay-Z开始和一些超级音乐制作人展开合作，比如大名鼎鼎的the Neptunes和Kayne West等，这在一定程度上也为Jay-Z在制作人方向的发展期了一定的推动作用。 2001年9月18日，Jay-Z在新世纪最优秀的专辑《The Blueprint》正式发行，这张专辑中颇有些令人以外的没有邀请大牌的明星参与演唱，只是和Eminem一起演唱了《Renagade》，这张专辑也成为了自首张专辑《Reasonable Doubt》之后，最为Jay-Z个人化的作品，因此也被认为是Jay-Z自《Reasonable Doubt》之后最经典的专辑。巨大的销量和影响以及专辑中的多首优秀单曲使这张专辑更强有力的巩固了Jay-Z在说唱乐坛的地位，Jay-Z与吹牛老爹Sean "Puffy" Combs等人一起成为了说唱工业的代表性人物。
但是这张专辑中的一些单曲引起了些麻烦，由于在此前演唱会中Jay-Z利用一些单曲进行了针对其他歌手的讽刺而引起了旷日持久的口水战，并且一直延续到了专辑发行之后的很长时间。但是在这之后Jay-Z又开始了和其他歌手的合作，他首先与the Roots合作在2001年稍晚的时候发行了MTV台的不插电现场专辑《Unplugged》又与另一名说唱歌星R. Kelly在2002年联合发行了专辑《Best of Both Worlds》。 2002年，Jay-Z发行了与其他明星合作的双CD专辑《The Blueprint? The Gift & the Curse》，以及在2003年上半年发行这张专辑的单CD版本《Blueprint 2.1》虽然这两张专辑作为2001年的《The Blueprint》的续集作品在商业上依旧是相当的火爆，并且在其中仍然包括了相当大量的明星，但是在歌迷和评论家眼中他们却都没有达到《The Blueprint》的高度。2003年11月14日，Jay-Z发行了号称是最后一张专辑的第十张专辑《The Black Album》。 说这张专辑是Jay-Z音乐生涯的最后一张个人专辑你信么？可是唱片宣传的时候确实是这么说的，但是不论怎样，这样的噱头让这张专辑在发行短短四天之后就卖出了46万3千张，成为了Jay-Z的第六张冠军专辑，这一销量甚至比他的经典专辑《The Blueprint》在2001年9月份的成绩还要高出一点，不过对于Jay-Z这样的说唱歌手来说，即便没有这样的宣传也照样会卖出这样的成绩出来。 假如这真是Jay-Z的最后一张专辑的话，那么对于歌迷来说也完全没有什么遗憾了，因为这的确是一张非常出色的专辑。在这张专辑中，Jay-Z没有邀请任何其他歌手与他合作，所以，从专辑的制作角度来讲，这张专辑比《The Blueprint》甚至还要能体现出Jay-Z的个人风格。虽然没有大牌歌星合唱，但是却拥有超豪华的制作阵容，单曲的几名制作人分别是Timbaland，Eminem，The Neptunes，Kanye West，Just Blaze这些声名显赫的金牌制作人。 音乐方面，整张专辑都营造出了告别的氛围，《December 4th》是Jay-Z献给他的母亲的歌曲，把这首深情的单曲作为专辑的第一支单曲，不免会让人有所联想，这可能的确是Jay-Z的告别专辑了，而更让人体会深刻的则是在《Moment of Clarity》中，Jay-Z居然回忆了他的父亲，并且在单曲最后还表示出了原谅已经去世的父亲的想法，这足以让人深陷到这张专辑的告别氛围中去，值得一提的是《Moment of Clarity》的制作人和混音是和Jay-Z有着相似经历的Eminem。整张专辑的最后一首歌名字是“My 1st Song(我的第一首歌)”，看到他就会让人莫名的产生出一中离别时的伤感。这张专辑也许不是Jay-Z最经典的专辑，但也绝对是前三位的，以这张专辑作为Jay-Z的谢幕大作也足以答谢歌迷了，不过可能绝大多数的歌迷都在等待Jay-Z的加演曲目。
推荐歌曲：dead presidents ii （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-5 20:45

57.Electronica（电子）
        一个合适的模糊术语用来形容电子舞曲很快转向了听从而代替了严格意义上的跳舞的新新事物便是电子，它最初是被用于形容一系列像Juan Atkins 和Underground Resistance 那样在欧洲艺术家旁，已经获得了很多来自Motor Citys未来派对技术上的预见的编辑聚集于新颖音乐材料的人。这个词的概念随后被来自美国的压力所调整，在美国，对于任何一个年轻的乐手来说使用电子乐器或是设备都是轻而易举的事情，除此之外电子还描述以技术为基础的音乐，它们可适用于在家庭内听也同样适用于舞池（自从许多电子乐手兼当俱乐部的DJs）

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire


见15楼

作者: Raito    时间: 2007-8-6 19:35

58.Ethnic Fusion（Ethnic Fusion）
       Ethnic Fusion没有被world fusion（综合了爵士和世界音乐）或是worldbeat（可能起源于任何一组世界音乐，经常被西方流行所影响）。取而代替的是，Ethnic Fusion一般来说起源于新时代音乐的声音和观点，试图把传统Ethnic Folk音乐合并进入当代的电子音乐。常常，虽然不是始终，它的目标是在Western技术中和更多强调自然与人性为导向的文化中去寻找创造协调的融合的方法。如Tony Scott和Don Cherry这样的爵士乐手是最早将世界音乐带有Western形式的人之一，并且如Terry Riley和Philip Glass这样最低纲领主义者的作曲家有时会利用non—Western的结构。这些试验形成了早期的Ethnic Fusion，最显著的是Jon Hassell的音乐，他帮助在70年代末期和80年代早期通过他的独立工作和与氛围先驱Brian Eno的协作工作共同建立这种风格。很快，Ethnic Fusion就成为了同时代喜欢刺激玩乐器人们的宠儿，他们在新的节奏或non-Western上用它来拓宽他们的声音；其他的人也很自然的加入独特的Ethnci音乐并为它用当代的乐器和新时代的敏感来装饰。后来的音乐家包括了Clanned （凯尔特乡村音乐），Ottmar Liebert（弗拉门科民歌），Kitaro （民间调）和Carlos Nakai（美国本土长笛音乐）。在90年代早期，Ethnic Fusion乐手像Enigma, Dead Can Dance, 和Deep Forest发现了更宽的被介绍了关于混合着夜总会里快速跳舞节拍的听众群，这种音乐形式可以表示任何从中世纪European音乐到关于Afican pygmies的实验领域。但是即使这里有很少商业的突破，Ethnic Fusion仍能在90年代维持一个流行的地位。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Dead Can Dance  


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        英国另类音乐界里为人称道的隐士。这是来自澳洲的双人组乐团，汲收了许多欧陆音乐因子（宗教音乐、古典音乐、民族音乐及现代的摇滚、叛客音乐等），在Bredan Perry及Lisa Gerrard精巧的编排后，呈现了另类乐界新古典主义的第一传人。在他们的音乐中，你可能惊讶地发现诵诗班的后叛客或带有强烈电子节奏的西班牙民俗舞蹈音乐。如果，另类音乐中要找个乐团来定义新古典主义乐派的话，则非Dead Can Dance莫属。
Can Dance的两位成员Brendan Perry和Lisa Gerrard都是爱尔兰後裔，1980年他们在澳洲墨尔本相遇後，共同开发并分享著彼此对音乐、文学和视觉艺术的热爱，第一首作品"Fast Forward"被澳洲的一家小公司收录在一张圣诞节合辑里，算是D.C.D.初试啼声的佳作。1982年，D.C.D.前往伦敦，寻求澳洲市场外的成功机会，经过一年的摸索，终於被4AD相中签约，在隔年3月为他们出版首张同名专辑，纪录D.C.D.成军4年间的心血创作...
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作者: Raito    时间: 2007-8-6 19:45

59.Euro-Pop（欧洲流行）
        欧洲流行这个名词是和故意微弱，无助，平凡创作的流行音乐风格有关联的；正如其名，大部分（虽然不是所有）都是起源于欧洲大陆，尽管偶然也由英国或美国的音乐被这种风格影响。ABBA就是Euro-Pop乐队的代表，假装不费力气，用快活的舞曲节奏和空洞的歌词创作出令人禁不住被吸引的作品。自从歌词不再在是音乐增值的一个重要部分，它便很容易在非英语国家也能很快流行起来；歌曲可以很容易得在更多其它地区市场用本国语言录制避免了损失歌词的细微差别。即使ABBA在70年代成为了世界级的巨星，大部分Euro-Pop仍然仅限于欧洲大陆，特别是法国，意大利，荷兰和瑞典。在接下来的十年，瑞士生产了大多数的Euro-Pop碟但是在英语国家几乎没有销售市场，包括了在80年代的Army and Roxette，90年代的Ace of Base和Robyn。90年代的舞曲流行由像Take That, the Spice Girls和the Backstreet Bouys扮演了复兴的先头部队，他们都从Euro-Pop风格中吸取了很多声音方面的特点，当英语国家的乐手因为它易记的风格经常混合讽刺和大量废话而去模仿。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Abba


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         ABBA是瑞典的流行组合，成立于1973年。成员包括：比约恩·奥瓦尔斯（Bjorn Ulvaeus，1945年4月25日生于哥德堡）、本尼·安德森（Benny Andersson，1946年12月16日生于斯德哥尔摩）、阿格妮莎·福斯克格（Agnetha Faltskog，1950年4月5日生于乔克平）、安妮-弗瑞德·林斯塔德（Anni-Frid Lyngstad，1954年11月15日生于挪威的纳尔维克）。在成立乐队前，安妮和阿格妮莎已是瑞典颇有名气的独唱演员，比约恩属于Hootenanny演唱组，本尼是Hep Stars乐队的成员。后来，本尼和安妮、比约恩和阿格妮莎分别结成夫妻，并用每个人名字的第一个字母组成ABBA乐队...
这个70年代最成功的合唱组来自瑞典。最早应回溯到1966年，当时键盘手兼歌手的Benny Andersson与吉他手兼歌手的Bjorn Ulvaeus组成一个合唱小组。他们开始为Polar Music/Union Songs作曲写歌。这家公司是个出版公司，老板是Stig Andersson，他本人是个多产的词作家，在50年代和60年代十分有名。与此同时，Andersson和Ulvaeus正与他们各自的女友为一些计划而忙碌着：Ulvaeus与歌手Agnetha Faltskog合作演唱了一首后来成为全瑞典冠军的歌曲，"I Was So In Love"(我如此真爱着)，而Andersson和Anni-Frida Lyngstad开始约会。Lyngstad是个爵士歌手，在全国都十分有名。

　　后来，Andersson和Ulvaeus演唱了享誉国际的歌曲"People Need Love"(人们需要爱)，这首歌的背景声就是Faltskog和Lyngstad伴唱的。

　　"ABBA"一词是Stig Andersson提出的，该词代表了4个人的姓名的第一个字母。一曲"Waterloo"（滑铁卢）一曲赢得欧洲电视台大赛的奖励。之后，他们演唱了"S.O.S"，这支歌不仅在美国和英国等说英语的国家一炮打响，而且也在西班牙、德国等国赢得巨大成功，这是他们始料不及的。此外，他们还有"Lay All Your Love On Me"(把你的爱都放在我身上)、"The Winner Takes It All"(赢者称帝)，等等。这些歌有很多在80年代被引入我国，并被广为传唱。《五色谱》就是当时非常走红的磁带，而里面的歌曲大部分都是ABBA乐队的歌曲,重新填上词，唱遍大江南北。然后又有"Mamma Mia"（我的妈妈），"Fernando"(费尔南多)和"Dancing Queen"（舞皇后）。到了1976年，他们已经准备出"精选集"了。

　　1977年，ABBA合唱组新作"Rnowing Me,Know-ing You"（知我知你）和"The Name Of The Game"（游戏名称）占据了各大电台的音乐节目中。

　　1978年，Andersson与Lyngstad结婚，而Ulvaeus和Faltskog早于1971年就结婚了，但几个月后，就又分开了。事实上，ABBA合唱组所演唱的下一专集"Voulez Vous"（请）的歌曲主题中有很多都是描写爱情中的苦痛的。"Super Trouper"（超级巨星）于1980年发行之后，Andersson与Lyngstad也分道扬镳了。1982年，这个4人合唱组正式解散。
推荐歌曲：dancing queen（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-6 19:52

60.Experimental(试验音乐)
        是对任何推动现有的音乐边界线和流派定义的一种普遍的分类，像在摇滚，爵士，现代合成或其他的风格。当一个音乐家或作曲家接近一种全异风格的混合物或是合成非正统的，新的，明显独特的成分，这种音乐都可以被分类成试验音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Current 93


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        1981年，当黑暗民谣的起源乐队Death In June正要出版他们的《Heaven Street》这张专辑的前夕，作为开创者之一的David Tibet便离开了他们，组建了自己的乐队Current93。这支乐队成为了今后20多年最重要的一支黑暗民谣乐队。在很多乐评里会提到David Tibet受到东南亚和西藏密宗音乐的影响（david tibet出生于东南亚，而且对西藏非常着迷，看他自己改的名字就知道了）。这么说应该没错，不过如果把current93的音乐理解成那种加入了很多亚洲音乐元素的world music或者new age那就错了，那种影响应该说是气质上的，Current93的音乐风格虽然多变，但是内里的神秘主义和异教情结却是始终如一。

早期的Current93应该说是比较重型的乐队，尽管偶有一些比较简单的木吉他作品问世，但是总体上而言，工业噪音/金属/先锋电子等作品占了绝大多数。后期的Current93，也许是厌倦了喧嚣，大部分作品都抛弃了早年的狂躁风格，沉静内敛的作品越来越多，也越来越接近民谣的根源。难得的是在这些作品中竟很难寻到早年的那些音乐的痕迹。也许一些工噪迷会对此失望，不过于我而言，却非常喜欢他们这种轻型化的转变。

说到current93跟我的缘分，其实在我刚刚接触民谣的时候就已经听过，某前辈曾经很严肃的跟我说这是20世纪最棒的乐队，也许对那家伙来说确实是这样，就如同他认为烤馒头是世界上最伟大的食物一般毋庸置疑。

当时他十万分隆重的把current93推荐给我，可是，奈何明月照沟渠，我听了一会实在没法忍受那种半说话半唱歌的怪异唱法，又听说这个乐队很变态的出了近百张专辑/Ep/single，顿时觉得眼前发黑........便把这乐队放在一边。

再后来，某个变态竟然在我常逛的音乐论坛里提供了他们的全集（估计即使不是全集也差不多了...），本着宁可错杀1K不可放过一个的原则，花了好几天才把这些音乐拖到自己的硬盘上，从此，当我没什么新东西要听的时候，便翻出current93来听听。

current93不知道是精力过剩还是太过天才的缘故，作品的风格非常多变，传统民谣、neo-folk、试验电子、哥特、甚至金属都尝试过，像某前辈那样全都喜欢显然是不可能的，我仅仅喜欢他们作品里那些比较柔软安静的部分，不过尽管如此，也很多了（我的hddmp3里放了50多首选出来的自己比较喜欢的current93）

我喜欢的那部分current93非常适合在半梦半醒的时候听，听那家伙在你耳边低语，告诉你死后的世界会是怎么样，或者听他告诉你在某个地方有着那么安静吃草的漂亮小马，还有那些软软的闪着光的星星，还有关于宗教，关于这个世界实际上就是一首没有尽头的哀歌...

也许有些人会说这样的音乐有何意义呢？听current93你得到了什么？我觉得，current93跟爱伦坡的小说一样，充满着形式上的美感。如果你再追问我，让我说“鄂谢府崩溃记”这样的小说有何实际意义，那我也只好说，那根本什么意义都没有，我只是知道对某些人而言，这些无意义的事情对他们很重要就是了^^  
推荐歌曲：soft black stars （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-8 14:00

61.Experimental Jungle（试验舞曲）
        用贝斯鼓打乱拍子包装试验，明确的表示试验舞曲不是为舞池而创作的。主要来看，试验舞曲的编写者既不是倾向于avant-garde（Twisted Science, T.Power, Richard Thomas）也不是倾向于独立摇滚（Third Eye Foundation, Designer）。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Aphex Twin



见3楼

作者: Raito    时间: 2007-8-8 14:10

62. Experimental Rock（试验摇滚）
       正如名字所示，试验摇滚是在形式上推动了音乐，远离了以前传统流行的敏感性的一种音乐派别。代表性的，试验摇滚是与诗歌般的合唱音乐背道而驰的。因为所有的指向都是释放改革，不再遵循严格的规律，包括像即兴的表演，avant-garde的影响，不固定的使用乐器，简单的歌词（或更本没有歌词），奇怪的合成结构和旋律还有对商业诱惑的潜在拒绝这样区别性的特征。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Der Blutharsch


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       Der Blutharsch 意为“融在血里的雪”或“凝干的血迹”，这是瑞士古老传统里对14至15世纪左右的总是冲锋在最前沿击退敌人的最英勇的士兵称谓，相当于德语中的“志愿兵”。奥地利的DER BLUTHARSCH 乐队由 Albin Julius 独力创办，他是业已解散的 The Moon Lay HiddenBehind A Cloud 乐队的首脑。

令人恍惚地缥缈虚无，然而内中渗透着金属色彩的鼓击乐的凝重力量，交响乐序曲似的前启示录民谣和军乐色彩的后工业进行曲，血腥的音乐史诗，阿里乌斯英雄颂歌，勇敢的胜利者的合唱，老歌《莉莉·玛莲》的芬兰版本《丽莎·佩恩》仿佛记录片背景音乐，“到处是血腥，然而胜利了！”小号声拉开了一场音乐祭典的序幕，低音轰鸣营造着最黑暗的氛围，弦乐，定音鼓，天使的布道，戏剧化的幽闭恐怖症般的郁郁寡欢。彻底的绝望，不可救药。这些就是 DERBLUTHARSCH 的音乐动机。

有人在画面背后叙说着，死神在悄悄地飞翔盘旋，死亡是永恒的捆扰，它隐藏在万事万物的背后，包括你所思想和感受到的一切——冰冷的单音节和单调苍白的语言，慢镜头，回顾往昔的剪接片段。他心目中的看不见的、形象模糊的英雄总是年纪轻轻就已死去，他们在我们的记忆里将永远那么年轻。就是这样，Albin Julius 仿如欧洲编年史的戏剧性版本的记载者，他再现了鲜血四溅的神秘传说，人性历史上的刀光剑影和亘古生息，承受着来自内心深处的几近崩溃的极限……

在 The Moon Lay Hidden Behind A Cloud 乐队解散后，Albin Julius 将全副精力集中在 DER BLUTHARSCH 乐队上，同时他还经营着他的新唱片品牌——为实现他自己的梦想而临时成立的 WKN（Wir Kapitulieren Niemals：“我们永不放弃”）。

在 DER BLUTHARSCH 的作品中到处隐藏着暴力动机，它们仿佛是某种警示：暴力正从四面八方逼近并试图毁灭人们的生活……要在战争中挺住，同时要保持住捱过难关的意志……就好比使用了摄影中的黑白技术来加强细微的差别和对比，DER BLUTHARSCH 的作品给人以深刻的印象。为数不多的“彩色镜头”用于音乐中主人公叙述的背景。这样的构思反映出独特自创的美学观念，它可以蛰伏在每一抹阴影，每一帧画面，每一节声响，时而在少数特别的转折处引爆。就象某种精神病患者的舞蹈，Albin Julius 把舞姿控制在某种节奏中——人性的追求以及人在历史光芒中的天性。“我们祈求真理的光芒能照耀到我们所有人。”

“我想我对二战的兴趣在于它就发生在我们家门口——现在在我居住的地方还能碰到许多二战的幸存者。……我对欧洲历史很着迷——尤其是近代史——从20世纪初到二战结束，尤其是所有文化和社会的变化和体制的瓦解……”"

1998年春，应 Douglas Pearce 之邀，Albin Julius 参与了 DEATH IN JUNE 新专辑《Take Care & Control》的录制，由 Douglas 的 New European Recordings (NER)唱片品牌在澳洲的分部发行，之后他加入 Boyd Rice (NON)两人一起在欧洲西部和东部各国作首次短期巡演。后来他还和 DEATH IN JUNE、FIRE+ICE 乐队在欧洲各国巡回演出（DEATH IN JUNE 在瑞士遭到当地政府的禁演）。

Albin Julius 力图成为“奥地利新音乐圈”里最多产的独立音乐人。在历史的废墟中，他继续试图记载最富戏剧性、最神圣的片段，编写成他笔下那冷酷严峻的英雄史诗，并将他所处的时代一展无遗。
推荐歌曲：Der Blutharsch DB TPS（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-8 14:15

63.Experimental Techno（数码试验）
       电子舞曲的领域可以为实验带来无限的发展空间，所以数码试验便有了一个类似的风格范围---从European Experimenters Oval, Panasonic敲打错误磁盘警告音和刮花磁盘的声音到Cristian Vogel, Neil Landstrumm和Si Begg失去平衡但是整齐向前的节奏。数码试验还可以包括恐怖的背景音乐，像Twisted Science, Nonplace Urban Field和Atom Heart; 如Alec Empire的数码时代朋克；和坚定地在新吉他下早前的工业，如Scorn, Download或是Techo Animal。任何想演奏电子舞曲的乐手从不会使它表现为试验，更好或更坏的是，它包括了很大的派别。 　

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire


见15楼

作者: funny_z    时间: 2007-8-8 20:56

有点不忍心看下去了，想必LZ是PO的别人帖子，别再PO了 你分得音乐类型还有代表的乐队风格明显都是错的，都不match啊。。。请不要让别人误入歧、。。。
作者: fantascy    时间: 2007-8-8 21:17

楼上的多去了解下再说 我看楼主发的基本都对的 而且我也去网上了解过楼主发的各个介绍
楼主发的比网上的还更加详细
作者: WXY1501    时间: 2007-8-8 22:41

这个贴太强了。一下子都给学了。谢搂住了。:s_8:
作者: Raito    时间: 2007-8-9 19:10

64.Folk-Jazz（民谣爵士）
        民谣爵士是被那些常独奏很强的民谣旋律的音乐家（开始于50年代）使用的。他们倾向于关注其他国家音乐的发展（如世界音乐），强调宁静的音量，破除在爵士和其他看似无关派别之间的分界线。民谣爵士的代表人物有Jimmy Giuffre, Tony Scott(post-1959), Paul Horn, Paul Winter和Oregon。民谣爵士对***潮有很直接的影响。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Joni Mitchell


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        Joni Mitchell是上个世纪最成功的女歌手之一，她的音乐影响了目前很多成功的歌手，在音乐风格方面不断创新的她，涉及民谣，摇滚，爵士等众多领域，并且她还是位出色的诗人，画家，1997年她入选了摇滚名人殿堂，滚石杂志，VH1等权威音乐评论对她都有很高的赞誉，但我认为她的音乐并不在于被别人评论的怎么样，她音乐的影响力在于她可以同时用娴熟的音乐技巧，过人的天分和丰富优雅的词作感动别人。

1943年11月7日出生在加拿大的阿尔伯塔的福克麦克劳德，原名Roberta Joan Anderson的Joni Mitchell在还很小的时候就同父母搬到了萨斯咯彻温省的北巴特福德,。在老朋友Frankie McKitrick启发下, 7岁的Joni请求家人让她学钢琴，这样的日子持续了一年半。在搬到萨斯卡通后她还开始了绘画。 9岁那年，Joni被诊断患有小儿麻痹，幸运的是在父母的关心爱护以及对艺术的追求下她康复了，但这后来还是对她的舞台表演起了很大的制约。七年级的时候，她的一位老师Kratzman先生鼓励她去创作歌词，这为老师成了众多影响她后来事业的人之一（还有Pete Seeger对她学习吉他起了很大帮助）。在她少女时期她就曾想方设法的省吃俭用来攒够一笔钱买一把ukele （因为那时侯吉他太贵了），她用它在派对和咖啡屋里表演。

在高中之后，也就是1964年，Joni进入在卡尔加里的阿尔伯塔艺术学院学习了一年。比起上学，她更喜欢在卡尔加里一个叫“沮丧”（The Depression）的咖啡屋作一名正式的表演者。为了追求音乐的理想她将她在绘画方面的爱好屏弃了，至少是作为一门职业。她搬到多伦多，梦想成为一名成功的民谣歌手。但是，60年代在多伦多的俱乐部里表演需要有工会会员证，她那时并不可能提供这个，于是她只能夜以继日的为Simpsons-Sears工作。 同时她也有了前男友的孩子，并在1965年2月生下一个女儿。

民谣歌手Chuck Mitchell并不介意，他同Joni相爱而且他们还结了婚，但对事业的野心以及Joni的年龄，他决定放弃收养Joni的女儿。1965年夏天Mitchell夫妇搬到底特律，这个全新的Joni Mitchell在1966年的Newport民谣节上表演了，但她同Chuck Mitchell的婚姻也走到了尽头，他们在1967年初分开了。再也没有了任何束缚，她去了纽约的切尔西，为的是在这块东海岸音乐集散地上寻找到更多成功的机会。她演唱了传奇般的Tom Rush的"The Urge For Going" 以及其他各种风格歌手的作品，最终得到很多的预约，来自从西芝加哥到东弗罗里达，在经纪人Elliot Roberts的帮助下她在纽约打开了小小的知名度。

在弗罗里达表演时Joni认识了David Crosby （The Byrds），他十分肯定她的才华并将她推荐给Reprise唱片，1968年Joni推出了首张同名专辑。 1968年其他的事还有她同 Graham Nash （The Hollies）在迈阿密流行音乐节上一起表演，Judy Collins演唱了她的"Both Sides Now" 并且成为经典...这也从一定程度上补充了Joni日益扩大的开支。

1969年Joni推出专辑'Clouds' ，里面有她亲自演绎写给其他歌手的几首作品，她还录制了一张现场专辑，虽然最终被废掉了。她同Graham Nash一起去了月桂峡谷，为Crosby, Stills & Nash巡演，那年夏天被还邀请到Woodstock表演 ，但由于随后将出现在电视节目Dick Cavett秀导致她不能冒这个险，因为很有可能被困在拥挤的交通里无法定期返回，作为替代，她在苏尔的Equinox音乐节上的表演被录制并得到发行，她还因这件事创作了具有讽刺意味的经典Woodstock。

'Clouds' 在1970年获得了格莱美奖， 对Joni接着发行的'Ladies Of The Canyon'最终卖到金唱片起了很大的帮助， 由于在怀特岛音乐节上的厄运和失败她决定休息一段时间，这一整年，她不断旅行，绘画并且进行她的下一张专辑Blue的创作。

Blue于1971年发行，成为评论和商业上都十分成功的典范，在Billboard排行榜前20名上停留过短暂时间。她回到了加拿大布列颠哥伦比亚，过着孤独，被森林覆盖着的生活。后来由于频繁的同朋友David Geffen互访与交流，Joni得以重新回到舞台，开始和像Geffen的唱片公司Asylum里拥有成功经历的Jackson Browne 这样的人一样，可以有自己的欧洲巡演，为有希望的总统George McGovern进行收益演出。

1972年她发行了'For The Roses'，她将爵士摇滚巧妙的融入她的音乐里，"You Turn Me On (I'm A Radio)"成为她的第一首电台热门曲目， 她这次真的取得了商业上的成功。但她不希望自己成为一个流行偶像，很快的她开始寻找能够帮助她的音乐更有水准而且更加个人化的音乐人。

于是她开始同Tom Scott以及LA Express合作她的下一张专辑 'Court And Spark' ，同时甚至还为他们的专辑录制了曲子。1974年1月'Court And Spark' 发行，专辑里的Free Man In Paris，Raised On Robbery，Help Me都成为了热门的单曲。她着手准备同LA Express的一个为期20天的巡演，这次巡演的内容也成为她11月发行的的现场专辑 'Miles Of Aisles'。现场版本的"Big Yellow Taxi" 被作为单曲发行，让Joni在排行榜上居高不下。她在加州贝尔艾尔买了一套新房，同LA Express的鼓手John Guerin 一同搬入，随后她获得了格莱美的4项提名。

1975年她重新召集'Court And Spark'的制作班底， 并在11月推出'The Hissing Of Summer Lawns'。虽然评论对Joni描写社会的歌词给予恶劣评价，仍然挡不住新专辑在Billboard排行第4的成绩。她非常希望能够加入Bob Dylan的'Rolling Thunder Revue来结束这年的工作，并且计划着一场与LA Express 再次合作的回归巡演。

巡演从1976年1月就开始了，她走遍了整个美国和加拿大。当巡演结束她同John Guerin分手，并开始花时间同Neil Young在一起。一些朋友确信她是去进行环绕整个国家的旅行，的确是的，而且她回来的时候是带了一整箱她下张专辑'Hejira'的曲谱，'Hejira'于76年夏天录制并在11月发行。11月Joni还在The Band'的"Last Waltz" 演唱会做嘉宾演出，为Martin Scorsese拍电影。同时，'Hejira' 在排行榜上攀升，在12月成为金唱片并在排行榜上一直久居到1977年初。

Joni不断发行着新的专辑：1977年的Don Juan's Reckless Daughter，1979年纪念爵士贝司手Charles Mingus的Mingus，接着她发行了她第二张现场精选1980年的Shadows and Light, 1982年她回到流行领域，发行了Wild Things Run Fast，这张专辑里的第一首单曲翻唱猫王Elvis Presley的经典作品 "(You're So Square) Baby I Don't Care" 成为她8年来头一支上榜单曲。

就在她专辑发行不久后，她同贝司手兼音效师Larry Klein，并同他维持了很长时间的婚姻，他也是Joni音乐上的帮手，包括1985年的Dog Eat Dog。Joni还涉足电子领域，但只到1988年Chalk Mark in a Rain Storm前，这张Chalk Mark in a Rain Storm的嘉宾创作有Peter Gabriel,，Willie Nelson，Tom Petty以及Billy Idol。

Joni在1991年的Night Ride Home里完全回归了她原本的感觉，虽然她一直在不断进行新的实验。在1994年发行Turbulent Indigo之前她同Klein分手了，但尽管如此他还是帮她制作了这张专辑，而它也成为她多年来最让人喝彩的作品。

1996年Joni汇编了她所有的上榜单曲，还有些她自己认为并没有受到充分赏识的作品，分为Hits和Misses两张分别发行， 而一张全新的录音室专辑Taming the Tiger也在1998年随后问世。值得一提的，是当年Chuck Mitchell不肯领养的那个女儿同Joni在1997年见面并相认了，她们现在关系很好。Both Sides Now作为一张水准一流的专辑在2000年初发行。

两年后，Joni带着双张精选Travelogue重新露面，她说这是她最后的一张专辑，2002年10月的她宣告她已经厌倦了唱片工业，她告诉W杂志她想隐退，她还声名她不会再同任何厂牌签约，并且她在滚石杂志里诅咒唱片工业为“一个化粪池” 。Travelogue发行一个月以后，Joni冷静下来，她的退出计划也被暂搁。

2003到现在，Joni还一直有作品问世，最新的作品是一张叫做Songs Of A Prairie Girl的精选专辑和一张由她的朋友们选出的他们最喜欢Joni的一些作品合辑，但不难看出的是，她的确再没有新的创作出炉了，看来我们只能等待她重新爱上音乐的那天，然而拥有诗人，画家，歌手多重身份的她，也许在其他的领域里找到了更多快乐。
推荐歌曲：Both Sides Now（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-9 19:27

65.Folk-Rock（民谣摇滚）
        民谣摇滚吸取了民谣音乐简单直接的谱曲方式并且使它融合了突出的摇滚基调强节奏。其中最显著的民谣摇滚元素就是和谐明快的吉他演奏，结合了协调，清晰的嗓音。民谣摇滚在60年代中期被Byrds起了先驱作用，他们演奏Bob Dylan的歌曲就像他们是英国入侵一样。许多乐队跟随了The Byrds确定的风格。在60年代民谣摇滚风势下降的时候，更多的民谣摇滚乐队强调民谣最初的声学并且后退远离了the Byrds的明快电子风格。在接下来的30年，声学和电子民谣摇滚都是摇滚中的平凡事。  

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bob Dylan


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        鲍勃.迪伦是摇滚乐时代最有影响的歌手和歌曲创作者。1941年5月24日他生于明尼苏达州德卢斯城，本名罗伯特.艾伦.齐默尔曼（Robert Allan Zimmerman）。在希宾附近的高中上学时，他在一个摇滚乐队中进行了一段短暂的演出，然后到位于明尼阿波利斯的明尼苏达大学学习了1年。在那里，罗伯特.齐默尔曼改名为鲍勃.迪伦，他开始成名是在民歌界的圣地纽约格林尼治村。他决心成为一位“著名的民歌手”，并不顾他少年时期的许多其他音乐的影响，朝着这一方面扬起风帆。

1961年经验丰富的制作人约翰.哈蒙德（John Hammond）使他与Columbia公司签约，在他录制的最初几张唱片中，几乎没有表现出他对汉克.威廉斯（WILLIAMS，HANK）或查克.贝里（BERRY，CHUCK）的喜爱——尽管他偶尔也无意中像“埃弗利兄弟”（EVERLY BROTHERS，THE）那样即兴演唱。相反，迪伦的音乐在很大程度上属于民歌复兴的主流之音，而且优美动听，有时是那么光彩照人。他很快被公认为是青年词作家中[像菲尔.帕克斯顿（PAXTON，TOM）一样]最有才华的，他的歌曲成为参加民权和反战运动的白人学生的圣歌，有像《在风中飘荡》（Blowin’in the Wind）和《大雨将至》（A Hard Rain’s Gonna Fall）这样的抗议歌曲，有像传统的《科里纳，科里纳》（Corrina Corrina）和以传统为基础的《来自北部乡村的女孩》（Girl from the Country）这样的爱情歌曲，还有像唱法多种多样的《我将会自由》（I Shall Be Free）这样的滑稽歌曲。其曲调相对来说比较简单（通常取自传统民歌题材），而他的演唱技能（无论在演唱方面还是在吉他与打击乐的演奏方面）在民歌音乐界中来说是纯朴自然的，但他的影响却引人注目。迪伦正在创造一种调式，他所描绘的音乐方式不需要很复杂。他的歌喉、吉他演奏和有时不很完美的口琴声帮助确定音调，使其音乐从中得以展开并在国内引起轰动。在古巴导弹危机和核裁军运动的世界中没有什么比听迪伦演唱《战争的主人》（Masters of War）和《大雨将至》更令人振奋。

正是在这一时期（1961-1964），迪伦成为民歌界和激进分子的英雄，但在更为广大的流行音乐界中，他的歌曲却被认为不过是“最适于别人来翻唱”，其中以“彼得，保罗和玛丽”所翻唱的歌曲最为著名。由于两个原因，把这一切都改变了。第一个原因是他反复扮演的激进分子领袖的角色开始使他恼怒，这种恼怒表现在他的歌曲中，以第4张唱片《鲍勃.迪伦的另一面》（Another Side of Bob Dylan，1964）最为明显。在尚不成熟的歌曲《我的不太有价值的新闻》（My Back Pages）中迪伦对“人生是黑白相间的谎言”进行了谴责，并对其早期坚定的誓言评论说“那时我是多么的老，现在我比那时年轻了”。第二个也是更重要的原因是1963年和1964年期间英国流行音乐的革命。据报道，当迪伦第一次听到“动物”（ANIMALS）乐队演唱他的传统歌曲《旭日之家》（House of the Rising Sun）时，他“跳出汽车的座椅：，因为这望权是无礼的改编。这件事在他眼前战线了一个崭新的音乐世界，并使他认识到他同时表达对查克.贝里和伍迪.格思里（GUTHRIE，WOODY）的热爱是可能的。他的下一张唱片名为《席卷而归》（Bringing It Back Home），微妙地论及了英国艺人唤醒了他斤毫 对美国摇滚乐的兴趣的赞美。该唱片的一面录的却是摇滚乐歌曲，每隔一首歌曲录一段”滚石“（ROLLING STONES，THE）的即兴演唱。在唱片封套上他尖刻地写着：”我已放弃对尽善尽美的追求。“他的音乐欢快而无拘无束地跳跃，他演唱的由查克.贝里的《没完没了的恶作剧》（Too Much Monkey Business）直接派生的歌曲《隐秘的思乡病布鲁斯》（Subterranean Homesick Blues）轻而易举地获得成功。

迪伦在方向上的转变使他失去了一些从前的追随者，但不管怎样，该唱片还有另一面，其上收录了《手鼓手》（Mr.Tambourine Man）和几乎是政治性的歌曲《好极了，妈妈》（It’s All Right，Ma）。但是他在1965-1966年间举办的以他与保罗.巴特菲尔德（BUTTERFIELD，PAUL）布鲁斯乐队为首的在纽波特您民歌音乐节上的演出戏剧性地分裂了他的观众，而实际上迪伦正是由于违约才变成摇滚乐界崇拜的偶像。歌曲《像一块滚石》（Like a Rolling Stone，1965年名列排行榜第2）的成功足以弥补失去的纯粹民歌观众。这一时期的唱片《重访61号公路》（Highway 61 Rivisited）和双唱片《无数金发女郎》（Blonde on Blonde），代表着鲍勃.迪伦的录音生涯的顶峰。与他合作过的乐手阿尔.库珀（KOOPER，AL）、罗比.罗伯逊（Robbie Robertson）和纳什维尔的乐手如查利.麦科伊（Charlie McCoy）和肯尼.巴特里（Kenny Buttrey），是贯彻迪伦把多年吸收的各种风格融合在一起的想法的最佳人选。这些歌曲结构仍很简单，采用陈腐的反复乐句，但它们通常更长一些、更流畅一些。库珀那丰富的风琴乐音使《近似女王简》（Queen Jane Approximately）和《像一块滚石》等歌曲具有权威性效果，迪伦的抒情诗是至关重要的，虽然现在线条的连贯性已崩溃，但却有丰富的、无数的形象蜂拥而至。他们的景象是具有强大而特殊的梦想逻辑性的内心景象。有时[在歌曲《墓碑布鲁斯》（Tombstone Blues）、《荒凉的街道》（Desolation Row）中]它充满着有关联奇怪的历史人物，有时它们机具抒情性[表现在歌曲《约翰娜的景象》（Visions of Johanna）和12分钟《洛兰兹的忧伤眼睛的女人》（Sad Eyed Lady of the Lowlands）中]，使人看到一种把布鲁斯改变成乡村音乐的原型形象。迪伦滑稽而又面无表情的幽默感在《雨天的女人们》（Rainy Day Women）和《豹皮药盒帽》（Leopard Skin Pill Box Hat）中仍明显可见。

迪伦的个人生活方式在他所创作的歌曲的千变万化的无秩序中得到准确的反映。他似乎正驱使自己以惊人的步伐前进（在几个月的时间内发行了《重访61号公路》和《无数金发女郎》等共3张唱片）。“他将成为传奇人物”，皮特.西格（SEEGER，PETE）说，“如果他最终没有精神失常的话”。即将发生内向爆炸的感觉在他1966年与“鹰” [The Hawks，后来变成“乐队”（BAND，THE）]巡回演出时进行的精神发泄性演唱中特别强烈。

1966年8月迪伦的事业突然被一次摩托车祸中断，他有两年没有与公众见面，不过他的风采却无处不在，从每个主要商店的广告画到新闻界对他急切返回歌坛的不断传闻，非法销售的音乐会（如1965年在伦敦举国的著名的艾伯特大厅演出）唱片也很流行。他的沉默相反却促使他的艺术绝技有所发展，具有不同程度的轻信和明智的迪伦学家活跃起来。在1967年间迪伦与“乐队”（他1965-1966年与该乐队一起进行巡回演出）在伍德斯托克居住了一段时间，他的音乐在这种隐蔽的环境中继续发展。这一时期录制的唱片（这些唱片不久在非法交易中可以买到）被歪曲为可探查迪伦要成为新的摇滚乐歌王的想法。有些歌曲是令人狂笑的滑稽的酒后胡言，《让亨利夫人狂欢》（Please Mrs Henry）、《百万美元狂欢会》（Million Dollar Bash），但是那些较忧郁的歌曲决定了整体情绪是悔罪的、充满不详的预兆感。在歌曲《狂怒之泪》（Tears of Rage）和《太多微不足道的事》（Too Much of Nothing）中他似乎对他的过去感到罪责难逃，并对他所扮演的——公认的=不知不觉地——那些角色感到懊悔。在歌曲《我将得到解脱》（I Shall Be Released）和《着火的轮子》（Wheel’s on Fire）中似乎模模糊糊地、下意识地意识到一次迫近的、可能是迪伦演唱的所以歌曲中最有个性、最动人的。丝毫没有表现他以往出版的大多数作品中的乏味、毫无信心、也毫无骄傲之感。他以哀怨而又不加雕饰的声调演唱这些歌曲，偶尔还加入理查德.曼纽尔（Richard Manuel）的和声。迪伦与“乐队”在1967年演唱的所有歌曲被冠以《地下室磁带》（The Basement Tapes）之名非法销售，它是迪伦最有美感、最直截了当的唱片。如果说唱片《佩珀军士孤独心灵俱乐部乐队》（Sgt. Pepper）和《无数金发女郎》是对60年代新反主流文化的乐观主义之最好的庆祝，那么唱片《地下室磁带》则是对这种乐观主义的另一面的关键表达。在这一方面，它必定会被列为70年代非乌托邦式的探索流行语言的一系列主要唱片中的先驱。最后，这些唱片在录制完8年之后的1975年，在Columbia公司正式发行。

迪伦以1968年发行的唱片《约翰.韦斯利.哈丁》（John Wesley Harding）表明他对一般公众的新的态度。与复杂性（音乐的和抒情诗的）流行趋势形成鲜明对照，这些歌曲是直截了当的和简洁的，并且继续探索犯罪和自疑的主题。但是最后的两首歌《顺着小河湾走》（Down Along the Cove）和《今晚我将是你的宝贝》（I’ll Be Your Baby Tonight）趋向后来接着录制的两张乡村音乐唱片的那种柔美的音调，这两张唱片是《纳什维尔天空轮廓》（Mashville Skyline，1969）和《自画像》（Self Portrait，1970）。这些唱片给迪伦招致自1965年转向摇滚乐以来第一次真正的抨击。他被谴责倒退到乡村音乐的平淡和伤感之中，而收入其他民歌的双张唱片《自画像》则被说成不过是放纵自己。事实上，这也是早期音乐对迪伦存在影响的另一个例子：他与约翰尼.卡什（CASH，JOHNNY）的友谊可以追溯到60年代初期，约翰尼.卡什曾与他在唱片《纳什维尔天空轮廓》中合唱了一首《来自北部乡村的女孩》。这些唱片标志着摇滚乐与乡村音乐之间具有重要意义的重新融合的开始，因为许多人，从“飞鸟”（BYRDS，THE）乐队到琼.贝兹（BAEZ，JOAN）都跟随他在纳什维尔录制唱片。然而这些唱片是迪伦最后的一些具有先驱作用的唱片。在70年代，他对摇滚乐的发展小有作用，他的一些唱片冗长而且优劣不均。在唱片《新的早晨》（New Morning，1970）和《行星浪潮》（Planet Waves，1973）中他的发音常常是自然的、甚至是陈腐的，通常代表着远远摆脱早年那刺耳尖利的爱情歌曲传统的爱好家庭生活的角色。《帕特.加勒特与比利小子》（Pat Garrett and Billy the Kid，1973）是一张电影插曲唱片，其中包括一首经典歌曲《敲天堂之门》（Knocking on Heaven’s Door）。与70年代以往的唱片形成对照，唱片《路上的血迹》（Blood on the Tracks，1975）中包括令人痛苦的《愚蠢的风》（Idiot Wind），含义模糊的《莉莉，罗斯玛丽和杰克之心》（Lily，Rosemary，and the Jack of Hearts）和矫柔造作的《简单的命运扭曲》（A Simple Twist of Fate）等歌曲，由此可见迪伦正有意进行探索，在有关鲁本.卡特尔（Reuben Garter）被非法监禁的故事的歌曲《飓风》（Hurricane，1975）中也明显有类似的感觉。

迪伦仍受到他在前10年中所受到的注意。1971年他出版了一本片面的、超现实主义的小说《塔兰图拉》。他在萨姆.佩金帕的影片《帕特.加勒特》中扮演一个简短而突出的角色。他那为数不多的几次公开演出（为孟加拉国举办的音乐会、伍迪.格思里纪念活动）于是着对他1974年与“乐队”进行的美国巡回演出的响亮的回答。演出门票售出600万张，还录制了实况唱片《在洪水到来之前》（Before the Flood），从这张唱片可以看到迪伦和“乐队”都有效地回到他们早年最好时代。当迪伦与Columbia公司的合同期满时，他转到Asylum公司的英国公司Island。这张唱片和另一张唱片《行星浪潮》都是在Asylum公司录制出版的。与Columbia的关系一直是风波叠起的，特别在中止合同的两年和傲慢的克莱夫.戴维斯（Clive Davis）出任最高行政官以后。他试图把合作的音乐业务形象拟人化，而Asylum唱片公司的戴维.格芬则在艺人们的帮助下取得长足的进展。在这以后Columbia公司出版了有感染力的唱片《迪伦》（1974），这是一张只要迪伦歌迷才感兴趣的愤世嫉俗的选编唱片。结果，唱片《行星浪潮》与这张唱片相对较大的销售量在1974年致使迪伦与Columbia公司签订了又一个5年的合约。

70年代中期，迪伦在“滚雷”巡回演出（与琼.贝兹及其他人一起）中表现自己是同行中的音乐家。然而他被谣言和像A.J.韦伯曼（A.J.Weberman）这样的迪伦学家们的严密监视所纠缠，A.J.韦伯曼总是乐于接受对迪伦的私生活和亲以色列的同情感“揭露”的职责。他与妻子萨拉的关系并不是没有问题的，他们的关系正在恶化，即将利益的痛苦与绝望充满于唱片《路上的血迹》（1974）和《心愿》（Desire，1975）之中，后一张唱片中包含了几首与雅克.莱维（Jacques Levy）合作创作的歌曲。1977年迪伦与萨拉正式离婚。迪伦又投入到另一次“滚雷”乐队巡回演出中，并从中产生了一段长达4个小时的影片《雷纳多和克拉拉》（Renaldo and Clara），该影片中插入了一段由迪伦表演的半自传性的音乐会。1978年，即该影片上演的那一年，又发行了唱片《街头示威》（Street Legal），从这张唱片可以明显地听到迪伦正发生着宗教信仰的改变，那生动形象的描述和类似福音音乐的伴唱不久就使他着了迷。1979年迪伦声称自己是一个再生的基督教徒，宗教的主题是他后面4张唱片的核心，这4张唱片是《慢车开来》（Slow Train Coming，1979）、《得救》（Saved，1980）、《爱的爆发》（Shot of Love，1981）和《异教徒》（Infidels，1983）。1985年发行了《皇帝讽刺剧》（Empire Burlesque）和《烂醉如泥》（Knocked Out Loaded），后者是与剧作家萨姆.谢泼德和汤姆.佩蒂（PETTY，TOM）合作的。

1986年，迪伦又回来进行巡回演出。这回是与汤姆.佩蒂和为他伴奏的“伤心人”乐队一起，音乐厅和体育场中仍然人山人海。由丹尼尔.拉努瓦（Daniel Lanois）制作的怪异恐怖的《噢，天啦》（Oh Mercy）也成为迪伦成功专辑之一，由名为“永不停止的巡演”（Never Ending Tour）的巡演和1992年的专辑《像我一样对你好》（Good As I Been to You）中可以看出，迪伦的那种独特的木吉他家沙哑嗓音的民谣形式风格已日渐衰败。为庆祝迪伦50岁生日，CBS公司发行了令人注目的3张一套专辑《私录卡带系列》（The Bootlegs Series），收录了他1961-1991年的非法出版的歌曲。

然而，迪伦的影响力主要体现在60年代，如果没有迪伦，无疑摇滚乐将走一段弯路，将不会有“披头士”（BGEATLES，THE）的《佩珀军士》（Sgt.Pepper），不会有“滚石”（ROLLING STONES，THE）的《乞丐的宴会》（Beggar’s Banquet），也不会有“乐队”的《来自大平克的音乐》（Music form Big Pink），这就是他的影响程度。他对音乐的最主要的贡献，这点也影响了列农和麦卡特尼之后的很多歌手，那就是歌词的深刻寓意与音乐成为同等重要的一部分，从他一开始的抗议歌曲，就展示了他的歌词比他的音乐更浪漫、更激动人心。他对工业国家整个一代人的敏感性的形成起了很大的作用，他的音乐对理解和分析60年代是至关重要的.
推荐歌曲：things have changed（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-9 20:22

66.Funk Metal（疯克金属）
        疯克金属延续了重金属演奏的高声吉他和即兴重复段并且使它们融合了流行的贝斯旋律和疯克的切分节奏。疯克金属在80年代中期开始发展当像the Red Hot Chili Peppers和Fishbone 的另类乐队开始演奏比金属更强节奏的疯克旋律。那些乐队沿袭了比疯克更多的金属特征，尽管他们保留了狂热的贝斯路线。如重金属，这个流派开始展现乐器的威力。

具有该风格的乐队/艺人名单：

311


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乐队成员：S.A. Martinez（主唱），Nicholas Hexum（主唱/吉他手），Tim Mahoney（吉他手），P-Nut（贝斯手），Chad Sexton（鼓手）


311的五名成员都是成长于70年代内布拉斯加州的Omaha，Nick Hexum,Tim Mahoney和Chad Sexton都住在小镇的西面，都在Westside高中读书。P-Nut和SA Martinez住在小镇的南面，是在Bryan高中里的同学。高中里Nick和Tim一起组了摇滚乐队叫“The Ed's”。Nick还和Chad一起参加了学校的爵士乐队。17岁时，Nick早早地就从学校毕业了，为了追求自己的音乐事业搬到了洛杉矶市中心。当Chad和Tim从学校毕业后他也回到了Omaha——音乐总能把这三个人牢牢聚合在一起。之后他们很快找来了一个键盘手名叫Ward Bones并成立了“Unity”乐队。1988年末Nick,Chad和Ward一起去了洛杉矶，他们很快得到了唱片公司的录音合同，并借此人气一度彪升。 但对洛杉矶的音乐情势有了更加深刻的认识之后，Chad回到了Omaha，与P-Nut以及一个叫Jim Watson的吉他手组了乐队。几个月后Chad成功说服了Nick回到他们的家乡并一起加入这个乐队。他们在1990年6月10日为Fugazi开幕做了乐队历史上第一的小型表演。

1991年他们与Jim Watson分道扬镳，并加入Tim Mahoney作为领衔吉他。在那个时候，SA Martinez开始为乐队的表演做客串——并最终作为一员正式加入乐队。由此311正式成立——Nick,Chad,Tim,P-Nut和SA。

在1990和1991年，乐队以他们自己的厂牌（What Have You Records）各发行了三张唱片——它们分别是“Dammit”，“Hydroponic”和“Unity”。凭借着这些唱片和乐队固定的演出，311随即在中西部云迅速建立起了名声，并把影响力逐渐向西海岸延伸。
之后乐队在加利福尼亚州的Van Nuys租下了一间小房子，并全部搬了过去。那段日子对于乐队来说极其拮据，就当乐队眼看要由于经济问题而解散时，Capricorn唱片公司找到了他们并签下了乐队。

311的第一张唱片“Music”在93年默默无闻地发行了。正当乐队准备开始出发去宣传唱片时，却由于他们的一部演出车辆在高速公路上起了火而不得不暂时放弃。大火烧毁了他们所有的道具，服装，钱财和个人物品。尽管什么东西都没有了——乐队却侥幸逃脱了火海，没有造成很大的烧伤。他们决定坚持下去，之后借助由电视新闻上得知这场灾难的乐迷和朋友纷纷的捐助演出设备，311因此只取消了一场演出并最终完成了这场巡演。
94年7月他们发行了乐队的第二张专辑“Grassroots”。那个时候他们也着手开始在全美范围内举行一场声势浩大的巡演。乐队也从Van Nuys的房子搬出，把他们的东西放在了一个仓库里，并在演出途中四海为家。乐队把他们所有的精力都放到了现场演出中去，并最终在全国范围内建立起了稳固而持久的声誉。

95年6月乐队又发行了他们的第三张专辑“311”并再一次起程做巡回演出。到1996年乐队的表演次数以及歌迷的数量都在稳步上升——自从这时起大众媒体不再有意回避311，并开始更多地关心起他们来。在96年的九月（发行了“311”后的第14个月），单曲“Down”在电台中一举挤身排行金曲行列，从此从电台到MTV的流行榜单中都少不了这首歌曲。“Down”最终在Billboard的现代摇滚排行中登上冠军宝座，第二名也为他们的单曲“All Mixed Up”所占据。

专辑“311”获得成功之后（现在已有三百万张的销量），311发行了一张名叫“Enlarged to Show Detail”录象，其中包括乐队的现场演出镜头，采访，MV，后台花絮等等。为了突出这张录象的独一无二，乐队在录象中加入了一张5首的“311”里的编辑单曲碟。这张录象在Billboard的音乐录影带销量榜上一度排行第一，现在已取得100万张的业绩了。

经过这张录影带的发行，311回到了录音棚录制他们的第四张专辑“Transistor”。这张专辑在Billboard前200名专辑中曾有排行第四的佳绩，现在销量已突破100万张。为了宣传这张专辑，311在1997年的巡回演出成为了亿万歌迷的聚焦点，在美国平均每场有10000人的规模。乐队在欧洲、英国、澳大利亚、新西兰和日本也举行了一系列的巡回演出。

1998年9月，311新发行了一张EP“Omaha Session”，其中包括许多老歌。这张EP一共有9首歌，都摘自乐队1989年到1991年独立发行的几张专辑——“Dammit”，“Hydroponic”和“Unity”。这张专辑仍以乐队从前的品牌“What Have You Records”发行，现在只有通过311的官方网站以及311邮寄物列表才能收到。

1998年11月，311发行了311现场版唱片——收录着许多乐队1997年全美巡演的一些录音资料。1999年10月，311发行了他们的第五张专辑“Soundsystem”，发行之后排行一下穿升至第9，乐队在美国和日本广泛举行了乐队演出。

2000年乐队在North Hollywood买下了一家录音棚。翻新后搬入了乐队自己的设备，并把这间录音棚更名为“The Hive”（这也是他们歌迷俱乐部的名字）。这间录音棚曾在70和80年代相当出名，Missing Persons和Adam Ant都在这里灌过唱片，最近还被用来做过电影配音。

现在乐队正在自己的录音棚里，由Ron Saint Germain做为制作人，做311的第六张专辑，Ron曾是乐队那张取得过300万销量同名唱片的制作人。他和Creed,Tool,Soundgarden以及Bad Brains也有过合作。这张专辑最后名为“Soundsystem”于2001年春发行。最近在2002年夏天，乐队发行了最新的专辑——由Volcano发行的“From Chaos”。

“当我们刚一开始建队的时候，我们总是相信并确定，一定会有好事情发生的。”鼓手Chad Sexton说，“因此我们从此一直保持向上发展的良好势头。”
推荐歌曲：Come Original（点击下载）
作者: windboat    时间: 2007-8-9 22:30

实在感叹楼主的知识。但是我想问下，Bon Jovi和Linking park是属于什么类型的呢？
作者: Raito    时间: 2007-8-9 22:54

Linkin Park
并没有相对固定的流派，而是融合了说唱、重金属、嘻哈乐以及电子舞曲等多种风格。
Bon Jovi
Album Rock（专辑摇滚）
Arena Rock（舞台摇滚）
Hair Metal（微金属）
Hard Rock（硬摇滚）
Heavy Metal（重金属）
Pop/Rock（流行/摇滚）
Pop-Metal（流行金属）
其实去百度上搜下就有了  介绍我也是网上找来的 只是把他拼到一起更加全面详细化 网上的只介绍风格 我们大家一同学习
作者: testbug    时间: 2007-8-10 17:39

好全面的扫盲帖，赞一下楼主，无论是原创还是半po的，能收集如此全面的帖子，我还是第一次见着，3q！对某个楼的朋友说一下，喜欢欧美音乐多年，楼主的风格分类和代表乐队差不多都是对的，请不要没有理由的乱说，如果有错误的你可以具体指出，打造一个完美的sis音乐版经典的扫盲帖，何乐而不为呢！
另：请问下楼主，更新什么时候完毕，好收藏：）

[ 本帖最后由 testbug 于 2007-8-10 17:41 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-8-10 20:56

这个很难说 不过我会尽快完成滴 谢谢大家滴支持 如果有什么错误请大家提醒我
作者: Raito    时间: 2007-8-11 19:53

67.Funky Breaks（骤停打击乐）
        将hip-hop和jungle合成在一起展现出恍惚的感觉，骤停打击乐因其为90年代后期想要给流行乐坛和商业广告一些噪音干扰的人们提供了一种声音从而成为电子音乐中最流行的乐曲。由于有像the Chemical Brothers, James Lavelles和Mo Wax Records这些伟大的先驱，骤停打击乐才真正超越其他在1997年站在了音乐的前端，有资历的音乐界专家的预言将最终在主流音乐中削弱新电子音乐的力量。几乎所有被挑选出来当这个革命先锋的乐队，the Prodigy, Death in Vegas, the Crystal Method, Propellerheads都有那种声音风格。自从对所有类似的声音进行高度的吹捧后，这便成了一个关于电子革命失败的重大原因，至少是商业上的。

具有该风格的乐队/艺人名单：


Howie B


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        唱片骑师（DJ）、制作人、音乐厂牌老板、乐手、潮流领军者、多变的后朋克主义者、Bjork的绯闻男友，如此众多的头衔集于一身，我们该如何界定他的身份？Howie B自己说：我把自己看作是一个热爱音乐的人。

以伦敦为基地的Howie B可以说是国际跳舞、电子、流行音乐界一个绝不能缺少的名字。这个于伦敦第一大俱乐部Fabirc的驻场DJ，即既是唱片监制，又是混音师……所有跟音乐相关的身份都几乎给他一网打尽！在九十年代欧洲那场电音Breakbeat革命中，他和DJ Shadow、U.N.K.L.E、Portishead、Cold Cut一同成功抢滩，活跃于英国节奏音乐复兴的第一线。Howie B曾主导的音乐制作多如繁星，合作伙伴大多如雷贯耳，代表作包括曾为U2、Bjork、Tricky、等监制大碟，Massive Attack、New Order、Major force、Placebo等多得不能历数的Remix；个人专集有《Music For Babies》、《Turn the Dark Off》、《Snatch》、《Folk》以及刚于十月推出的全新Project《Mayonnasie》；DJ-Mix专集则有《Fabric Life 05》和《Another Late Night》。

作为专门为世界级音乐家制作音乐的超级制作人Howie B，他的神奇智慧在于多种音乐元素的混合，从灵歌、Hip-hop、House、Jazz甚至Funk，都可以被他在头脑与手指间玩弄。比如他的两张代表性专辑2002年的《Fabric Live 05》和2001年的《Another Late Nite》，前者非常符合Club文化的特征，而后者则融合了像Funk，Soul等多种黑人音乐元素元素。很难让人相信这两张专辑都是出自同一人之手。Howie B一直在寻找缝隙，或者说是不同音乐类型之间的跨界磨合形式。而这个目的也造就了无数个他音乐带给我们的惊喜！

除了录音室工作外，热爱打碟的Howie B更是不停地在世界各地献技！这个夏天便刚于欧洲大型音乐节-Exit festival演出。作为DJ，Howie B并不想成为传统俱乐部里的那种对拍子的混音高手，他在接歌时更在意的是如何制造下一个惊喜，重要的是知道如何调整舞者的情绪，因此音乐的编排尤为关键！如今Howie B的DJ-set风格虽是以Breakbeat为主导，但拥有敏锐音乐触觉和复杂音乐品位的他每次都能将Electro、Funky jazz、2-Step、Hip-hop、Reggage等其他音乐元素巧妙地混合！DJ对他来说，绝对是用电音节拍亲吻热爱音乐的年轻人，是充满表达欲望的精神体验！
推荐歌曲：Gallway（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-13 15:50

68.Fusion（Fusion）
        自从60年代末期Fuson 这个名词已经被任意的使用，它几乎是无意义的。Fusion最初的定义是最好的： 将爵士即席创作混以摇滚的力量和节奏的形式。直到1967年左后，爵士和摇滚的世界开始完全的分裂了。但是当摇滚开始更富有创造性和它的音乐技巧被改良，并且当一些爵士乐因为重英式爵士逐渐使人厌倦和他们不再想去演奏严格意义上的avant-garde音乐后，两种不同类型的名词开始交换思想同时偶尔联合了力量。在70年代早期，Fusion拥有了它创造性爵士风格的独立特征（尽管被很多纯化论者责备），并且像Return to Forever, Weather Report, the Mahavishnu Orchestra, Miles Davis这样主要多样的乐队玩起了高音质的混合了最好质量爵士和摇滚的Fusion。不幸的是，当它开始注重于商业价值并且当摇滚自70年代中期开始就在艺术上走下坡路，大部分标榜为Fusion的乐队实际上是融合了爵士，悠闲流行和轻量R&B的混合物。在一定程度上，Fusion无法按照原来的道路行走了，虽然它继续存在于如Tribal和Chick Coreas Elektric Band这样的乐队中。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Joe Satriani


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        Joe Satriani（乔·塞奇尼）1957年7月15日出生于纽约长岛，在他过完14岁生日不久，他心中的英雄吉米·汉德克斯去世了。失掉偶像的乔绝 定退出高足球队拿起吉它。自学三年后，乔在长岛地区小有名气，常能教上别人两手。有一天一个身材瘦小的小孩抱着一把琴和一打琴弦出现在乔·塞奇尼的家门口，向他求教，这小孩就是 后来成为进步摇滚音乐界一代宗师的吉它手——史蒂夫·范（Steve Vai）在日本生活了几年之后，乔·塞奇尼于1978年定居旧金山，并在著名的加州伯克利大学城内的“二手吉他”学校内教吉他。10年之中乔门下高手辈出，戴维·布莱逊、柯克·汉密特、查利· 亨特及艾力克斯·斯柯尼克等著名乐手都曾是 他的弟子。

1979年，乔和鼓手杰夫·加密泰力、贝司手安迪·弥尔顿一起组建了一支流行乐队：“广场”。后来这种能量巨大的三人结构 乐队形式一直伴随着乔的个演艺生涯。1983年圣诞节，乐认休 息的三个星期中，乔以闪电速度注册了自的唱片发行公司“奇 妙音乐”和以她妻子的名字命名的独立制作公司“鲁华娜”。在 推出了一张录有五首纯吉他音乐的EP专辑之后，乐队的另外两位成员开始讥讽他“神经错乱”，并预测他的录音生涯将不了了之。乔不为所动，反而以更大的热情，用5000美金的超低成本，于1985年制作完成首张完整的纯吉他音乐专辑《不属于这个星球》。直至今天，乔仍用“神经错乱”来赞美其他的优秀音乐 家。

尽管《不属于这个星球》没收到什么反响，但经由史蒂夫·范的大力推荐，为乔赢得了一家唱片公司的录音合同。这时乔以巫师般的狂热钻研吉他演奏技巧，风格日渐成熟。1987年的第二张个人专辑《与魔同行》推出不久即达白金并获得葛莱美奖提 名。1988年，乔两度中断自己的巡演，这期间留下的三首现场录音后来被整理成EP专辑《第11号梦》，使乔再获葛莱美提名。

在1989年的专辑《蓝色梦中飞行》中，乔一口气录制了18首曲子，并演唱了其中6首，只要听听其中的《我相信》，就可知乔作为一名歌手也功力不凡。1992年的专辑《极端分子》刚一推出就上了Billboard榜第24名，其中的主打曲目《夏日之歌》后来 被索尼唱片公司用作纪念CD问世10周年的特别歌曲。

1993年乔·塞奇尼重磅出击，推出双套专辑《时间机器》。第一张中收录了一批历年积攒的录音棚旧作和海外发行版本；第二张中则是14首现场录音。为《时间机器》而作的巡演场场爆满，被誉为摇滚史上难得一见的奇妙之旅。

1995年乔·塞奇尼推出第七张专辑《乔·塞奇尼》。之后经过一年筹备，由乔·塞奇尼、史蒂夫·范和艾力克约翰逊组成的90年代摇滚乐坛的最强吉他阵容G3乐队开始在北美洲巡演。这场历时24天的吉他盛会使得铁杆摇滚乐迷欣喜若狂。之后G3推出《音乐会实况》专辑和录像带刚一面市就被抢购一空。1997年5月G3远征欧洲，6月又回师北美、吉他巫师的神话在一场场激动人心的吉他演奏中延续。
推荐歌曲：The Extremist（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-13 16:07

69.Garage Punk（车库朋克）
         在美国90年代朋克复苏时的流行朋克派别冲击了主流音乐前，一个不同于复兴朋克的种类已经塑造了地下音乐的独立摇滚的形态。一般来看，车库朋克并不是和流行朋克的旋律接近；代替的是，车库朋克勾画出自身的主要灵感是来自于the Stooges和the MC5的the Detroit proto-punk。相对于车库朋克容易上口的旋律来说，它所表现的态度和噪音更为重要，并且它的态度是通过音乐中的声音来表示的：下流的，污秽的，简单的，愤怒的威胁的和平白显露的丑恶。在80年代末和90年代初一些最早的车库朋克乐队带有Sub Pop的形式开始在舞台上显露（Mudhoney, the Supersuckers），早期的车库乐队参与了一些同样的影响和美学（实际上，Mudhoney成为了车库音乐的创始人之一）。虽然车库朋克从没有打击到主流音乐，像New Bomb Turks 和the Humpers这样的乐队却帮助此风格维持了一群乐迷在整个90年代。加上一些重摇滚乐队的复兴运动（例如Nebula）开始创造了一些细微的迷幻变化在车库朋克上。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the White Stripes  


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        “The White Stripes” (白色条纹) 乐队可能是世界上最神秘的乐队。队中的一男一女 Jack White（杰克·怀特）和Meg White（梅格·怀特）声称是兄妹关系，然而有狗仔队的证据明明证明他们是曾经恩爱如今已劳燕分飞的夫妇。他们曾经对记者讲，他们正饱受现实困扰之苦，转眼却被音乐界奉为音乐世界救世的救星——他们将60年代粗野却饱含活力的车库摇滚重新带回了音乐界，使奄奄一息的欧美音乐界忍不住眼光一亮，乐队随之飞上了美国摇滚乐的浪尖。

　　“The White Stripes”成军于1997年。最初，因为穿得像两颗糖果（在中国，会不会有人说他们像两个红包套）和没有贝斯手，他们获得了一定的关注。1999年和 2000年，他们发行了两张唱片后，获得了和“Pavement”（人行道）乐队一起巡演的机会。在发展过程中，乐队开始把音乐做得充满孩子气，这和他们的装束也是一致的，同时他们又在孩子气中加入了人见人爱的幽默感。这是乐队最终胜出的又一大原因所在，而为国内很多“资深”乐迷所津津乐道的“Blues Explosion”（布鲁斯爆炸）尽管有着稚气的风情却由于缺乏幽默感而并未在欧美主流乐坛形成气候。

　　和1992年的“Pavement”乐队一样，“The White Stripes”为独立摇滚乐界带来了浪漫和传奇。到2001年夏天，发行唱片《Blood Cells》（血液细胞）的时候，“白色条纹”已经成为了文化热点。那一年，他们正式签约到了有着相当影响力的V2唱片公司，并拍摄了用于电视台播出的MV。热衷文化讨论的方家们说，他们是上帝送来的天使，他们来治疗音乐界自“Limp Bizkit”（软饼干）以来的创痛。

　　 V2总裁Andy Gershon（安迪·格尚）以150万美元的代价将“The White Stripes”签到了自己的公司里。因为这一点，他被很多人称作一个富有远见卓识的人。他说：“你首要的判断十分重要。每个人都会认为他们缺少一个贝斯手，他们的小样录制得太单薄了。但是，在我听来，他们已经足够好了。他们令我惊奇，我知道他们需要什么样的帮助。”

　　 “The White Stripes”与“The Strokes”（敲击）乐队、“Hives”（麻疹）一起被称作复兴车库摇滚乐的摇滚生力军。其实，他们的贡献不仅仅如此，多少年后，人们会发现，这帮酷毙了的家伙们所奏出的声音，是如此神奇不可方物。

　　 “The White Stripes”来自底特律西南部的一个小镇，出身为略低于中产阶级的阶层。他们称自己的家庭有10个孩子，而自己是最小的两个。他们说，有一天梅格在阁楼里发现了一只鼓，不久他们便组建了“白色条纹”。但是，千万别相信他们。事实上，最初，杰克开了一个小杂货店，而梅格一直在酒吧里作服务生。他们的确来自底特律，而且他们还是底特律这些年来的第一支车库摇滚乐队，尽管他们一直没有找到一个贝斯手。

　　底特律有很多未经修饰充满原始魅力的乐队，他们聚集在几个固定的酒吧里演出。杰克为他们录制了一张合辑，录音室便在他的卧室里。这些乐队都一个共同的特征，他们都在复兴60年代的老东西。曾几何时，人们以为那些东西早已经老掉牙了，如今，当这些年轻的乐队重新诠释那些音乐的时候，人们突然发现，原来老去的只是自己的心态。“The White Stripes”无疑是这帮乐队中的佼佼者。

　　不同于他们的蓝领兄弟们，“The White Stripes”有着娇好的艺术气质和引人入胜的神秘感。这也许是他们成为媒体宠爱的原因之一。事实上，人们认为他们是美国继“Sonic Youth”（音速青年）以来的最伟大的乐队。人们分明在他们的音乐中听到了那些最根本的震撼。 白色条纹”不能被简单地归类为那些随处可见的摇滚乐队，他们仍然是独一无二的呵，毕竟在面对歌迷们的时候，音乐是第一位的要素。如果忽略了他们的音乐，人们往往会将他们看作一支通俗小说般简练有趣的组合：他们的衣服的颜色永远由红白黑三色组成，而且前两种颜色占据了人们视野的大部分空间，他们没有贝斯手，他们与人们的交流也像塑料糖纸般透明脆弱——即便是撒谎也那么幼稚。但如果你愿意，亲爱的，透过他们憔悴的表象，你便可以发现他们正在做着那些最伟大的摇滚乐队所被期待去做的那些事。将狂野的朋克乐与更多的根源音乐有机混合以后，杰克和梅格演唱着那些复杂内省的爱情歌曲，气焰与内涵直追全盛时期的“Cocteau Twins”（双子星）主唱Liz Phair（利兹·艾尔）。他们将布鲁斯与当代精神进行了近乎完美的混合，然后奏出时代爱的最强之音。回望两人从底特律开始的奋斗历程，他们的后现代车库摇滚便拥有了更浓郁的亲和性。无论是在东京、巴黎还是纽约，他们的声音有着同样的杀伤力。

　　 一切都显得生硬和不够完美，然而这却是这一切为何感觉如此之好的最根本的原因。未完成的永远让人有期待，而期待便是最美的。
推荐歌曲：Conquest（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-13 16:13

70.Glam Rock（迷惑摇滚）
        常常和80年代的微金属弄混淆（至少是对于美国的听众来说），迷惑摇滚几乎是英国专属的，在英国70年代中期的流行范围非常广。迷惑摇滚是相当简单的，破碎的吉他摇滚因其夸张的蛮横被大众完全接受了。大部分的这类音乐用来自年轻人的流行泡泡糖摇滚舞曲和早期摇滚的摇动节奏令人不安而且易记。但是那些纯真声音在诠释的过程中被覆盖，变成了不自然的，眩目的主技演出技巧和关于性的。事实上，迷惑摇滚从没进入美国市场的一个重要原因就是它的表演者故意关注性，穿鞋古怪的服装，视觉性装束的效果。一般来说，迷惑摇滚分为两个派别。最流行的是T. Rex的故意任意使用碎屑的风格；领导者Marc Bolan倡导了迷惑潮流意识和创造出了全都关于性和愚蠢滑稽的风格---或是使它进入另一种以主流面目为特征的道路。像Gary Glitter, Sweet, Slade这样的乐队跟随了the T. Rex的审美观，并改进成了另一种风格，这就是众所皆知的glitter（更排外英国）。
但是因为这种风格对想象的依赖太重，迷惑有着令人惊讶的艺术面，被David Bowie和Roxy Music所概括。这种流派无论是从音乐还是歌词看都更加充满喜剧效果和野心勃勃；迷惑音乐为那些塑造他们意愿中角色，将他们风格意识创造成完全艺术性，并探索潜伏在流行耀眼音乐表面下的黑暗的乐手们提供了机会。除此之外，独立的美国迷惑摇滚乐队就是the New York Dolls，他们自然的Stonesy proto-punk听起来有别于同类的英国乐队，但是他们的无价值的美学观，异性装扮的剧服使它们被明显的归为这一个阵营。迷惑音乐真正有效的打击了电子战正式通过1971年的T. Rexs，但是1972年使它风格突变的一年：T. Rex通过The Slider巩固了它的声望；David Bowie解散了它的经典Ziggy Sardust并且重组了Mott the Hooples star---发行了All the Young Dudes这张专辑；Roxy Music演出了他们极具影响力的初次登场；the New York Dolls开始了他们英国的第一次巡回演唱会。迷惑摇滚在1976年创造了最高峰，当大部分它的残留主力乐手都离开了这种风格或是放弃这份工作。然而，迷惑音乐对于主要成长在英国朋克运动中的小孩有一定的影响力，甚至在戏剧化般阴暗的前朋克中有更大的影响。当然，迷惑摇滚在80年代流行金属中非常重要的，尽管除了Daf Leppard之外，许多的乐队都来自美国并且对最初的发起者有很少的了解。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Lou Reed


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        Lou Reed1942年出生于纽约布鲁克林，1965年与键盘手John Cale合组地下丝绒乐队(Velvet Underground)，主唱兼吉他手的Reed便一直是各方焦点，这个被普普艺术大师安迪．沃荷(Andy Warhol)发掘且担任经纪人的团体不仅是纽约摇滚乐发展上的重要乐团，其粗糙、反商业体制呈现摇滚原始精神的理念也使得他们被推崇为地下音乐或非主流 音乐的始祖，身为团长加上作曲主力的Lou Reed更被后人尊为庞克教父。
1970年Reed离团前往英国思考未来音乐方向，两年之后才发表首 张同名个人专辑；首张现场专辑“Rock & Roll Animal”于1974年3月推出。Lou Reed最新的现场专辑“Animal Serenade”距上述受到各方好评、收音于纽约音乐学院的“Rock & Roll Animal”正好30周年。
Lou Reed的歌有许多都是叙事体，内容对听者而言十分重要，既有内心反省、社会叙事的作品，也有以性爱、药物为内容的歌曲。曲目编排越后音乐起伏越大，听者也随之进入“Ecstasy”之境；不需亲自体验，也能进入“Heroin”的世界。
   
Lou Reed作为当今摇滚界首屈一指的元老级人物之一，其音乐历程从六十年代至今横跨接近半个世纪，见证了当代音乐文化的万千气象。在离开地下丝绒乐队后，Lou Reed的单飞生涯在三十多年内几起几落，最终修成正果，成为全球亿万乐迷顶礼膜拜的教父式人物。

提 及Lou Reed，就不能避开上个世纪五六十年代如火如荼的波普艺术之风。在那个年代与社会，西方世界的文化格局挣脱了精英审美体制，波普艺术的生活化、平民化、 廉价化等极度自由的创作与欣赏形式在当时的年轻人中得到瞬间的拥戴，并在极短的时间内飞砂走石般地席卷了整个西方艺术格局。

在美国，安迪·沃霍作为巨星般的波普艺术之王，在美术、电影方面大展拳脚之时，也暗自对音乐情有独钟。他结识了以Lou Reed为首的几个问题青年，然后制作了一张封面印着一根黄色香蕉的怪异专辑。

之后的事情，作为过期的新闻泛滥了几十年，“那张专辑只卖了几十张，而买了的人日后都成为了摇滚巨星……”

地下丝绒作为另类摇滚的祖师爷人物，他们并没有受当时披头士的“壮年期”影响，甚至是相对的。披头士做迷幻的加法，而Lou Reed做减法。他不在意唱片能卖多少，他这种坚决地“做自己”的姿态，也正是他日后的魅力与才情能几十年不倒的本质原因。

1972 年Lou Reed发行了首张个人专辑《Lou Reed》，收录了十首作品。在当时地下丝绒仍余温未尽的局势下，这张专辑没有受到更多的关注。当然专辑的整体质量也未见完美，风格有点散，并未展现出 Lou Reed的全部水准。但是作为Lou Reed的初试啼声，它与地下丝绒的黄香蕉专辑一样，具有无可忽略的启示性意义。
推荐歌曲：Perfect Day （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-13 16:18

71.Glitch（电子脉冲）
        始逐渐成为音乐制作的附属工具从而使用传统的类似办法创造电子音乐的手段黯然失色，这种多色彩的声音很快就扩展了，因而the clicks+cuts这种风格在90年代末期令人意想不到的诞生了。乐手们不再为打击乐器，合成器和小样的顺序所局限了，而是可以创造可想象的任何声音，包括了离奇的数码电子脉冲领域---这种可能通过年轻的一代很快的被开发出来，他们仅在卧室里用一台电脑和合适的软件就可以完成整张专辑的录制。类似90年代早期的先驱者Aphex Twin和Autechre已经预想还没被完全探究清楚的电子音乐领域会很快逐渐缩小，同时，另一个孤立的先驱者的乐队被Robert Hood和Basic Channel所领导，拨去了已经在根本上成为不比陈词滥调好多少的电子音乐基础，以电脑武装的第二浪潮学下了这些美学并且使用软件来创造精微复杂的合成物，回听这些先驱。第一个带有德国技术意识形态的战士塑造了Achim Szepanski这个角色和他稳定的唱片标志---Force Inc, Mille Plateaux, Force Tracks, Ritornell---这些紧密联结的由试验乐手根据实验技术，即保守行动，数码抽象拼贴画和噪声脉冲创造出来的精神混合物，很快找回了自己从而组成了一个共同体。尽管像Oval, Pole和Vladislav Delay这样的乐手因为评论家的预言而自己单干，但是Mille Plateauxs大规模clicks+cuts风格的编辑为地下运动最先下了定义，不仅探究出了宽广乐手名单还开创了一块宽广的活动范围。用于编辑的乐手，随同一小批在有软件头脑，以Cytrax为标记的加利福尼亚一些地区，如旧金山或是硅谷，很快找回他们自己，像在另一场电子音乐运动中被众人欢呼的们一样。

并不是从很早以前the clicks+cuts的美学观点就开始被现存的流派拓展，它的变化归咎于无止境的在审美学上的变异，如MRI的click-driven house和Kid-606的N.W.A”Straight Outta Compton”般的再混合式电子脉冲。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire


见15楼

作者: 13308895682    时间: 2007-8-13 16:22

长了很多见识啊~~~~谢谢LZ不遗余力的介绍~~~
我比较喜欢艾米纳姆~~他又是什么风格?
作者: 13308895682    时间: 2007-8-13 16:24

长了很多见识啊~~~~谢谢LZ不遗余力的介绍~~~
我比较喜欢艾米纳姆~~他又是什么风格?
作者: 13308895682    时间: 2007-8-13 16:26

网络卡~~不好意思多发了一个~~~抱歉~
作者: Raito    时间: 2007-8-13 16:28

72.Goth Metal（哥特金属）
        哥特金属被阴暗，不断喧吵的哥特摇滚的冰冷气氛和重金属侵略所包围，发现了在戏剧意识和用宗教，惊骇来装饰的抒情诗般的吸引力两种风格中存在着的中间立场。像前朋克般居先的哥特金属，暧昧的仿古，金属乐队般如Rainbow, Dio和Judas Priest般已被被形容为哥特的次要的嗓音，如果没有更多的特征，那么除了真正的哥特金属总是被哥特摇滚直接影响之外，缥缈的合成器效果和幽灵般的感觉同样和吉他重复段一样重要。因此哥特金属常常保留请求听众站在天平的两端。哥特金属最先在80年代中期前段浮现，以洛杉矶为中心，所以也常被叫做“死亡金属”，这个以Christian Death为首的发生地。很多哥特金属乐队自从在美国和欧洲跳跃起来之后，便通过tongue-in-cheek Type 0 Negative在90年代更广的另类金属听众中爆发了。在后10年期间，哥特金属同样被认为在黑色金属乐队寻找新的使他们的嗓音更低沉的道路上起了很重要的影响。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Coal Chamber


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        在当今的西方摇滚乐坛上，有一支另类金属新锐似有取代korn而成为最为走红风光的新人摇滚团体之势，它就是本篇专题文章之主角—Coal Chamber（煤库）。

Coal Chamber起先成立于1994年，当时由乐队的主唱兼词曲作者Dez Fafara和主音吉它手Meegs Rascon通过音乐杂志上的分类广告而结识，由于双方均有组建乐队的愿望，另有共同志好的鼓手Mikey "Bug" cox和女贝司手Rayna Foss-Ross的加盟，这样Coal Chamber的雏形就已形成了。1994年末，Fear Factory（一著名的独立音乐厂牌）制作人Dino Cazares在聆听了他们在Roxyhe Whiskey A-Go-Go俱乐部中演出小样后就把Coal Chamber推荐给Road runner唱片公司以便提供给该乐队出唱片的机会。可乐队的主音歌手Dez不满乐队成员拒绝其妻子的加入而愤然离队而去。到了1995年春，随着一句“美满的婚姻无需影响我的音乐事业的发展”，Dez回心转意并毅然归回于“煤库”。Coal Chamber真正的发迹是他们在1997年“落杉矶另类金属浪潮”（L.A Alternative Metal Scene）中脱颖而出般的音乐表现，他们同年推出的乐队同名专辑广受乐评界的好评。

Coal Chamber的音乐作品代表着Heavy Metal/Alternative Metal/Industrial Metal这种日渐成为时尚音乐的曲风模式：重量级，“黑色安息日”式的黑暗音氛，Pantera型的张狂、非可听性吉他弹奏，Grunge，White Zombie或Tool乐队惯用的噪音处理伎俩，另有明显的Hardcore、Punk和少许Hip-Hop成份并形成独具一味的“Spooky-core”创作演绎手法。

回顾过去十年，White Zombie是90年代最具有影响力的重金属Band。“煤库”首张同名专辑的创作受其影响颇大：乐音嘈杂，歌曲呈整体状以及咄咄逼人的攻击性气势，这些“煤库”学得皆精妙可叹。Coal Chamber新近推出的第二张专辑《Chamber Music》（煤库的音乐）的录制就象80年代的Bauhaus和近年来的Marilyn Manson那样拓展性地应用电子乐来演绎表现工业噪音作品，甚至弦乐的加入也成为了此张专辑的一个亮点，但《Chamber Music》专辑最令人激奋和难以忘记的地方依然是大段大段吉他快速而爆裂的演奏音效。Coal Chamber石破天惊般另类金属作品是具有一定的革新性的，它们必然会令任何摇滚乐迷不禁心动不已。

去年的9月7日，Coal Chamber的全新专辑《Chamber Music》正式发行，为此Roadrunner唱片公司还特意举办了一个小型Party暨新闻发布会。以下的篇章是到访的记者发来的随行报道，通过阅读这些文字相信你一定会对Coal Chamber与其音乐会有一个更全面的了解。 在落杉矶璀璨夜景的烘托下，为庆祝Coal Chamber乐队第二张专辑《Chamber Music》首发的小型派对暨新闻发布会拉开了序幕。这个人气很旺的Party高居于西好莱坞城Le Parc大酒店的楼顶，晴好的夜空里散布着点点繁星，酒吧正在营业，汉堡包在烤架上被烤得咝咝作响，屋内的灯光也柔和得使人心怡。

Coal Chamber乐队的主音歌手Dez Fafara此时坐在一个宝塔状的凳子上，边不停地啜吸着杯中的红葡萄酒边找人聊天：“我们组成的原因十分简单：因乐队成员之间的相互赏识而走到了一起来；我们对新专辑的期望值很高，它应该成为各个时代的歌迷歌颂的作品集”，Dez这样自信地说道。乐队经理人，老牌重金属乐歌手Ozzy Osbourne的妻子Sharon Osbourne在忙完去年的“ozzfast Juggernaut”巡演活动后也搭乘她的私人飞机赶来参加聚会了。Sharon认为，“煤库”乐队的音乐能在极短的时期内征服大量的歌迷并迅速打入美国主流乐排行榜。“在没有任何电台滚动播出或MTV作宣传的情况下他们就已卖出了70 万张唱片”，她解释道“更令人感到兴奋的是，即将进行的巡演还能使Coal Chamber创建更大的歌迷群。”

在会场里，来自全球各方的媒体记者在忙碌地穿梭出入，此刻他们正用不同的举止及各异的表情来表达时差反应带来的不适，只有一只小型低音音箱被孤零零地撂在墙角。伴随着一阵骚动和叫喊声，“煤库”乐队的现场演出开始了：夹杂于嘈杂刺耳的吉他声和雷轰般猛烈的鼓声之间，Dez怪躁尖狂的嗓音已经吼出，不需明论，到场的人已明白重量级的金属乐队的热量已升腾了起来......。

在Coal Chamber夸张性的演出过程里，或许你更希望看到这样一幅酒徒醉后狂欢之景象：悬挂于天花板中央的枝型大吊灯正张牙舞爪般地四处晃动，呈白色泡沫状的香槟酒在半空中随处喷飞，一辆凯迪拉克加长型轿车突然从屋顶上一下子跌落至楼脚旁的人行道上。

精彩的演出结束之后，Dez坐定并得意地笑道：“这还不全是我所擅长的‘Spooky-core’音乐表现方式，我可使它演绎得更为光彩与完美。”他从包内取出一张Motley Crue的《Shout At the Devil》（向魔鬼喊叫）。“Moltey Crue的音乐伴随着我的成长，他们于我而言可谓乐神了，”Dez如此表白道“我记得当我注视Moltey Crue唱片封面时始终怀疑他们只是凡人而已，尤其是Tom Lee的鼓击简直就像魔鬼的手指在鼓群上魔幻地运作，Coal Chamber乐队的组建也是受其影响和鼓舞，我们应该创作一些给人在视觉和听觉上都产生强烈震撼和享受的作品来。”现在Dez和他的乐队已有了两张专辑问世，他在轻松得意的同时也承认近几个星期以来已感到了几许紧张与压力。Dez接着无奈地谈到，三天前他一个上午打了三次电话给Sharon询问《Chamber Music》是否会取得成功，而她则最后不耐烦地说道：“放松些，Dez，每个歌手此刻都会有相似紧张的心情，我要告诉你的是它是张很棒的唱片。”

非常有意思的是Dez的个人经纪人Anahastasia把这张新专辑的封面设计成了天使翅膀的图案，它象征着专辑中多首歌曲所涉及的坦诚之情感主题，另外专辑里每首曲子的标题也是由Anahstasia来最后确定的。当Dez羞涩地微笑时她补充道：“我觉得它是张收录有最美歌曲的唱片，它要表达的是Dez在人生道路上遭遇各类挫折后的感受以及他对和平与快乐的个人观点；如果说Coal Chamber的首张专辑反映的是作者对自己的恐惧和偏执心理作不懈争斗的话，那么《Chamber Music》专辑展露的则是他在繁华浮躁的现实生活中敢于超越自我的信心。

《Chamber Music》专辑是由曾为orgy Spineshank等重摇滚艺人担任监制的一流制作人Josh Abraham制作完成的富有新意之作品集，它的出现预示着落杉矶另类金属领域“新乐队”的创作水准趋向于成熟：“煤库”乐队的鼓手Cox突发奇想在编曲时运用了键盘和音效处理器，贝司手Rayna和吉他手Meegs被公认为是出色的激情重摇滚乐手，特别是Meegs已被权威杂志《Guitar》称作是“天才型”吉他高手。毫无疑问，Dez Fafara是Coal Chamber乐队的领衔任务，当乐队前往马萨诸塞州边远地区的私人录音棚录制专辑中的歌曲之前，这位主音歌手还特意去上了几堂发声训练课，而后随之而来的超宽广音域令他自己也感到十分吃惊。“在录制这张专辑之前我并不是一位标准的“主音歌手”，他声明“我专门找了一位声乐老师帮助我把握演唱超高、超低音的技巧，自此我的演唱水准就得到了突破性的提高。”

在《Chamber Music》专辑里Dez的情感流露也达到了一个新境界。暴风骤雨般猛烈的歌曲“Tyler's song”（泰勒之歌）之创作灵感来源于他的儿子的讲述。一个强壮欺凌弱小的事件。Dez严肃着表情，缓缓地说：“我对此类事情也很有感触，当我小的时候也有人用废罐头扔我或把牛奶浇在我头上，我告诉儿子，对待此类事件应当自卫，而事实上大多数受欺凌的儿童却都选择忍气吞声；我在此歌中用近乎嘶喊咆哮的音调来阐述我观点，这是一首带有教育意义的歌曲。”专辑里余下的歌曲谈及的全是个人生活的感受：“Elcu Cuy”和“No home”（没有家庭）显露的是乐队成员对永无休止的摇滚巡演的厌恶和恐惧；“Untrue”（非真实）是一首有关失恋的曲子；“Tragedy”（悲剧事件）的创作用意是开化一些固执而不听任何人劝告的人不要一意孤行地干傻事。“我想我更象是一个叙事者而不是一名单纯的歌手或词曲作者，”Dez补充道“煤库是一支典型的应用真实故事作为素材来创作音乐作品的摇滚乐队。”

在未来的岁月，Coal Chamber将展开为期20个月的北美巡演活动。遗憾的是乐队的贝司手Rayna已有了7个多月的身孕，她将不能随队巡演。Dez介绍说：“我们不想让孩子在演出现场看到非成人化的举止行为，相信许多乐队都会这样做。”Rayna表示，她在生育事务完成妥当后会立即归队，因为她并不愿意放弃自己心爱的音乐事业。在“煤库”乐队的这次巡演期间，德裔女贝司手Nadja将替代Rayna的位置。Nadja坦言她对Coal Chamber乐队并不见熟，可听了他们的音乐后开始倍加喜欢Coal Chamber了。这位年轻的女贝司手笑着说：“为了参与Coal Chamber的巡演，我乐意两星期内学弹20首曲子，我对“煤库”的“Spooky-core”的音乐表现形式早已倾慕已久了。”

Coal Chamber的灵魂人物Dez Fafara是一位极有个性的歌手，这位经常声称决不会步Marilyn Manson之后尘去靠惊艳冷酷的形象来取悦大众的摇滚顽童会一本正经地对媒体说：“我就是我，我就是自己的上帝。”谈及即将开展的巡演，Dez流露出恐惧而兴奋的神态，“摇滚乐的生命力应在巡演中真实体现，一般乐队组合一年里只化3个月的时间作巡演，我们这次为期20个月的巡演计划绝对是‘牛X’了”，Dez如此狂妄地说道“当我还是个儿童时，父母就因我把自己的房间涂成黑色而与我争吵，我喜欢象Jim Morrison那样黑色的形象，我要郑重地对人们说：我们是与众不同的，你们不应该拒绝与众不同的人。” 与众不同的乐手演绎别致新颖的另类重金属乐，Coal Chamber（煤库）不会令你失望。
推荐歌曲：HeadstonesAndTheWalkingDead（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-13 16:35 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-8-13 16:29

阿姆 风格Hip-Hop  网上很好查的

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-13 16:43 编辑 ]
作者: Raito    时间: 2007-8-14 10:41

73.Goth Rock（哥特）  
        哥特是80年代前中期主要存在的前朋克一个分支。它以形成于地下摇滚的最黑暗和阴沉的特点很大程度上应受此荣誉，尽管今天它的荣誉更多的来自于乐队戏剧化的服装和它的追随者。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆，悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。在早期，它的歌词常常是自省和激烈的针对个人的，但是它诗歌般的敏感性很快导致品位转变到浪漫文学，病态，宗教思想和超自然神秘主义上。哥特通常不是严格意义上受欢迎的风格，被给予了一种华丽诗意的倾向，无情悲哀的挽歌和无止境的戏剧化。然而，它产生了投入的，仍旧兴旺的亚文化，使它的美学概念在最初音乐全盛期过了很久后一直存在着。哥特的教父是英国前朋克乐手Joy Division, 他的阴冷，偏僻，强迫性的自省音乐和歌词为哥特最初的结构打下了基础。但是对于所有的意向和目的来说，真正赋予哥特生命的是”Bela Lugosis Dead”，来自1979年Bauhaus的首张专辑。像the Cure 和Siouxsie & the Banshees这样阴冷的前朋克乐队已经在同一时期具备了完美的哥特风格，并且他们的重型音乐，恐吓的装容和黑色的服装成为了歌迷崇拜的一个重要的组成部分。当哥特的声望在某一片被青少年疏离的敏感区（最初是在英国，那儿是大部分哥特乐队起源的地方，其次是美国）蔓延开来时，它的意识风尚变得越来越古怪，并且最初的音色稍微有些发展了。The Cure，Siouxsie & the Banshees和the Mission UK和成了更多流行和另类的成分在他们的音乐中，当the Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim和美国的乐队Christian Death使用沉重的，不时受金属感化的手法。在80年代末，最初的哥特运动已经不复存在了，但是这种音乐变异成了新的形式并继续影响很多黑暗金属流派。在90年代期间，哥特音乐开始通过工业音乐来cross-pollinate，产生同时吸引两边的混合物，同暗潮流派（他们也同样将80s合成器与梦幻流行合在一起）一样。90年代后半期，还可以看见哥特的影响力突然出现在重金属中；一个新的改革黑暗金属乐队的种类模仿了很多哥特的音色和风格，当一些另类金属乐队也从沿袭了哥特的视觉效果（包括Marilyn Manson, 他们不顾很多关于不属于哥特风格的反面评论）。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bauhaus


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        Bauhaus可以说是歌特摇滚的教父级乐队，他们以刺耳的吉他和弦和冰冷飘渺的合成器创造了后朋克摇滚中简约主义的、孤高阴暗的代表性风格。在乐队简短的历史中，他们几乎探索了他们所追求的音乐中的所有可能性：在他们阴冷萧瑟的整体音乐氛围中你可以感受到华丽摇滚、实验电子摇滚、疯克乃至重金属的各种复杂成份。在他们的追随者们面对潮流无能为力地停滞不前时，他们所创造的风尚却非常成功地一直流传到了今天。

乐队于1978年由吉他兼主唱Daniel Ash、贝司兼主唱David Jay和鼓手Kevin Haskins和其后相当著名的主唱Peter Murphy组成。最初乐队称作Bauhaus 1919，1979年他们改称Bauhaus，意为德国的一个建筑学派。同年8月，乐队在独立厂牌Small Wonder Records旗下发行了单曲“Bela Lugosi's Dead”，尽管这首歌连流行排行榜的边都没摸着，但却成为了事实上的歌特摇滚圣歌，在英国独立榜上停留了数年，他们歌特摇滚之父的称号由此而来。三个月后乐队签约于Beggars Banquet的一个子公司，也就是国内名声显赫的4AD。在又发行了两张单曲后1980年10月乐队的处女专辑《In the Flat Field》发行，并居流行榜NO.72、独立榜NO.1。时隔一年，他们发行了第二张专辑《Mask》，这张唱片充分展示了乐队更加雄心勃勃的的音乐方向，这个新方向将重金属和电子音乐结合成了领先时代甚多的新的音乐结构，在不放弃原来音乐黑暗凶险内核的前提下，他们的音乐变得更易于被人接受了。《Mask》在商业上获得了相当的成功，同时也为乐队以后进一步商业化打下了很好的基础。其后一系列成绩不错的EP和单曲催生了1982年那张名列专辑榜第4的专辑《The Sky's Gone Out》。1983年Peter Murphy因肺炎而未能参加Bauhaus的第四张专辑《Burning from the Inside》的创作，结果反而使这张唱片充分体现了Daniel Ash和David Jay更个人化、更情绪化的风格。在Murphy康复后，乐队去日本进行了巡回演出，回到英国后于7月解散。

乐队解散后Murphy与日本的Mick Karn合组了Dali's Car，不久开始个人发展。

Ash、Haskins、Jay则在1985年提议乐队重组失败后组建了Love and Rockets。直到将近10年后双方事业均陷入停顿后，乐队才重组并在1998年进行了美国巡演，并发行了双张现场CD。
推荐歌曲：In The Flat Field（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-14 10:54

74.Grindcore（碾核）
        当碾核这个名词经常与有些联系的死亡金属交换使用，这两个其实是有很大差别的，虽然有相似的特征，同样结构的音乐，特别是近些年来越来越相像。当它在80年代中期第一次露面的时候，碾核因它完美用短的篇章所组成的机构带起了重金属乐器风格上噪音演奏的一阵潮流（扭曲的吉他，贝斯和鼓声）。虽然碾核不是随便的临时准备，它的确也没有沿袭传统的音乐结构；即使有时重复段被精选出来，完美的碾核从不以诗篇，合唱甚至是悦耳的音调为特征。碾核的声乐特点听起来是痛苦的，归类于高倾斜的尖叫到低声，从喉咙发出的低沉的咆哮；尽管歌词经常是冗长的，很难被理解的。碾核带来的思想意识上的侵略就是如此，超越了指向其发起于鞭挞金属和硬核朋克根源的顶端，很难让人完全描绘出它事实上听起来的效果。无可争议的，碾核音乐形式的发起者是Napalm Death，他们在1987年发行了第一张专辑Scum，这也是一张最具碾核风格代表性的专辑。在Napalm Death这个乐队里，碾核更具有艺术性，在音乐中隐含着阴冷，暴虐和现代的腐朽；加之他们的歌词被愤怒的群体所包裹着。在歌词写作上更极端的乐队便是Carcass，这是唯一一个真正成为原始碾核音色缩影的乐队；他们可怕，血淋淋的咆哮形式是逐字的从解剖课本上参考而来的，为了最大的震动效果。然而碾核最初的形式是有固定限制的，它的强度可以很容易就转为self-parody；在Napalm Deaths的第二张专辑中，他们已经开始尝试工业的质地，一种融化，它可以证实流行不仅仅是依热爱用鼓奏出jackhammer节奏的乐队，而是同样可以用像Godflesh那样缓慢，忧郁的韵律（它本身就是一个Napalm Death的支流）。碾核酷热的强度不仅被地下重金属吸收了，还被acant-garde和试验音乐这两个派系借鉴：如的噪音乐队the Boredoms和Merzbow发现了它的灵感，爵士乐手John Zorn形成了碾核思想的乐队Painkiller（它是以早期Napalm Death的鼓手为号召物的）。尽管完美的碾核是完全的英国现象，但早期佛罗里达乐队Death的专辑带有自然的，粗糙的和好供给的性质，从而使它们非常相像。除了吸取大部分碾核自然，恶魔般咆哮的嗓音特点，美国那些在有限的技术能力上相关联的死亡金属乐队，演奏出类似碾核般很快的节奏的歌曲效果。事实上，在90年代，Napalm Death的声音已很难分出是死亡金属或是碾核，并且Carcass已经成为一个成熟的死亡乐队。A.C.是少数几个仍坚持演奏原始碾核风格的乐队之一了。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Brutal Truth


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        BRUTAL TRUTH是一支非常著名的GRINDCORE乐队，不过他们的音乐风格与来自欧洲的NAPALM DEATH、CARCASS等经典GRINDCORE乐队还是有一些明显的区别的。主要原因是乐队的灵魂人物之一的DAN LILKER曾经是激流金属乐队NUCLEAR ASSAULT的成员，因此乐队的音乐风格或多或少的带有激流金属的特点，结构比较完整，不象传统的GRINDCORE那样狂乱而失控，但依然保持了非常激烈极端的气质。同时，乐队的另一位灵魂人物KEVIN SHARP是一位前卫派的极端金属杂志记者，因此BRUTAL TRUTH的音乐也有着很强烈的实验色彩。总体上来讲，BRUTAL TRUTH无疑是一支出色的GRINDCORE乐队，但更确切地说他们是一支带有美国味道和前卫风采的GRINDCORE乐队。

曾经是Nuclear Assault(核攻击)乐队的贝司手Dan Lilker在退出乐队后不久，由于他对Hardcore的执着，很快便与两位志趣相投的朋友吉他手Brent McCarty和鼓手Scott Lewis成立了一支新乐队，算上最后加入的主唱Kevin Sharp，这便是Brutal Truth的雏形。当然，对于一个新的团体来说，标新立异是个不错的主意。乐队从S.O.D、Anthrax(炭疽、Winter(冬季)等多支乐团的作品中得到启示，并尝试将高速的工业噪音同传统的死亡金属相融合。正是在他们不断的尝试与探索下，“Grindcore”这种全新的音乐风格诞生了。

这种奇异的风格立刻获得了英国Earache公司的垂青，他们随即同乐队签定了合约。接下来的不用多说，一切进展得是那么顺利，甚至出乎他们自己的想象。1992年的首张专辑《Extreme Conditions Demand Extreme Responnses》大获成功，不仅成为当时公司卖得最好的唱片，而且还被一些媒体评为当年十佳金属唱片之一。直到现在，国外一些地下音乐杂志在推举最具影响力的唱片时，它依然榜上有名，足见影响之深远。之后，乐迷们更有幸得到了与他们接触的机会，这便是由公司组织的全美联合巡回演出。除他们以外，还有同属Earache的 Napalm Death(死亡汽油弹)、Carcass(尸体)、Cathedral(大教堂)这三支团体一道上路。一段日子以后，乐队又与Fear Factory(恐惧工厂)结伴而行去了趟欧洲。

两年之后，第二张唱片《Need To Control》问世，之前 Scott Lewis因为某些理由离开了乐队，他的位置由Rich Hoak 替代。跟以前一样，Dan Lilker依然将部分时间用于其它团体上，例如EXIT—13(他担任贝司手／键盘手，该乐队主唱Bill Yurkiewicz是Relapse唱片公司的创始人)，但这并没有引来同伴们的指责，相反，两支乐队关系非常之好，还一起去了澳大利亚和日本。

那之后的几年当中，他们几乎没有任何动静。乐迷们只是不时听说他们又去了世界的某个角落进行演出。直到1996年底，突然传出消息，他们已改换门庭，成为Relapse旗下的一员，并随之推出了一张迷你专辑《Kill Trend Suicide》。这意味着他们又开始大展拳脚了。果不出其然。乐迷们期盼已久的新作《Sounds Of The Animal Kingdom》终于在1997年底推出了，如果有机会你一定要买一张，你不会失望的——如果你的耳朵足够“死亡”的话。  
推荐歌曲：Birth of Ignorance（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-14 11:01

75.runge（垃圾摇滚）
        以运用the Stooges和Black Sabbath模糊，黑暗的声音作为基础，车库是重金属和朋克的混合物。尽管吉他是直接来自70年代早期的金属，车库的风格完全和金属不同。不管是歌词的手法或是车库在音乐上的的攻击都被朋克采用了，特别是被80年代早期有着自由思想的美国硬核。车库乐队的第一场浪潮---Green River, Mudhoney, Soundgarden---比第二场更为深刻，它开始于Nirvana。Nirvana在旋律上比他们的前辈更为优美，他们还以stop-start的特点著称，它失真，扭曲的吉他几乎成了这个风格的象征。在Nirvana穿越主流后，车库失去了许多它本质的自由和与朋克的联系，并且成为了在90年代重型摇滚中最流行的风格。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alice In Chains


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        从很多方面来看,Alice In Chains乐队都是90代一个重要的乐队。 它汲取了后“Van Halen”式重金属的吉他套路和后朋克的阴郁气质,从中发展了一种荒、虚无之,将硬摇滚和原声音乐结构进行了平衡。该乐队风格对金属乐迷而言已足够有力,而黑暗的主题朋克式攻击又将其推向了西雅图Grunge摇滚乐队的前列。
在80年代中期,Layne Staley在高中组建了该乐队的最初原型,Alice In Chains。Staley于1987年在西雅图的仓库排练场The Music Bank与Jerry Cantrell相遇并开始合作。 Cantrell朋友Mike Starr（贝司手）和Sean Hinney（鼓手）也加入其中,乐队更名为 Alice In Chains并始在西雅图俱乐部演出。Columbia唱片公司在1989年与乐队签约,并之迎合重金属乐迷的喜好。1990年,该公司推出了宣传用EP《We Die Young》,颇受重金属电台欢迎。乐队藉此于当年夏天推出了首专辑《Facelift》。该专辑充满了Black Sabbath式的降调（将琴弦调得低于标准音高的手法）音响, 它也是乐队定型的第一步。《Facelift》在最初8个未能进入《公告牌》专辑榜,但随着Alice In Chains为Van Halen、Poison 和Iggy Pop的演出 担任开场,它开始受欢迎,《Facelift》在年底成了金唱片。其中单曲《Man In The Box》获得了 格莱美奖提名。

在《Facelift》大卖之后, Alice In Chains开始了他们在美国境内的巡回演唱, 而在这段期间之内,主唱Layne利用旅程途中的空档, 跟吉他手Jerry抓起吉他哼哼唱唱, 打发时间, 很随性的写下四首歌.就这样,他们在1992年4月发行了"SAP"这张 EP。这四首曲子, 皆由木吉他做为曲子的前导音乐,不难听出他们在旅程中的孤寂。在巡回演唱过后不久,Alice In Chains随即投入了新专辑的录制。1992年10月,发行了第二张专辑《Dirt》。这张专辑中, 值得注意的是由吉他手Jerry 所描写由越战带给他老爸心灵创伤的曲子“Rooster”。 其它如 "Junkhead"、"Dirt"、"God Smack"、 "Hate To Feel"."Angry Chair" 这几首曲子则是主唱 Layne 对社会、战争、宗教不满情绪的宣泄, 探触的角度比 "Facelift"还要深。

该专辑发行后,Staley因不适应巡演而离队,其空缺于 1993年1月由乐队1年前为Ozzy Osbourne开场时认识的Osbourne的贝司手Mike Inez填补。《dirt》 于1992年底达到白金销量,但其阴郁的歌词,特别是《Junkhead》和《Angry Chair》招致了许多关于Staley染毒的谣言。Alice In Chains当然地否认了这一点,并成功地参加了1993年第3届Lollapalooza 巡演,虽然他们排名于Primus之后,但实际上是最受欢迎的——这也使《dirt》销量 达到300万张。

面对成功,Staley更进入了异化、毒品和压抑的世界。在第2张专辑发行前, 西雅图由于Nirvana乐队的惊世成功而成了媒体热点,而Alice In Chains也成了一支另类摇滚乐队, 而非重金属乐队。乐队推出了一首单曲《Would?》,于1992年夏天收入了《Singles》电影原声带。

在1993年底,Alice In Chains展开了他们在欧洲的旅程。并在伦敦的录音室中录制了 "Jar of Flies" 这张EP。 于94年初发行。 这张EP,Alice In Chains尝试加入一些新乐器来改变风格, 如口琴、曼陀罗琴等乐器,给乐迷一个全新的感受, 也凸显出Alice In Chains的成长。它刚一推出便打上 榜首,创造了EP占领榜首的纪录。该EP证明了乐队对安静之声的喜好,而Cantrell也成了西雅图的吉他英雄。 Alice In Chairs除了专辑之外, 他们另外在电影 "Singles" 中献唱主题曲还有阿诺的大烂片 "Last Action Hero" Soundtrack中贡献了两首曲子 "What The Hell Have I"、和“A Little Bitter"。其实, Alice In Chains能如此吸引人,多半是靠Layne那沙哑的Vocal和无穷的创作力, 加上Jerry诡异的吉他风格, Bass手Michael、鼓手Saen适度的配合,词曲融入了喜乐、悲伤、 苦闷、失望….等情绪, 使得 Alice In Chains能够在众多的西雅图乐团中独树一格。

1994年晚些时候,Staley 作为Gacy Bunch——一支包括Pearl Jam乐队的Mike Mccready和Screaming Tree 乐队的Barrett Martin和John Baker Saunders的西雅图超级乐队的成员,参加了几场演出。该乐队后来更名Mad Season并于1995年初推出了专辑《Above》,在流行榜上升至第24位。同年,Alice In Chains 推出了一张同名专辑,打上了美国榜首。乐队又一次拒绝巡演,关于毒品与乐队解散的猜测再度弥漫。

1996 年,乐队进行了3年中的首次演出,为 MTV“不插电”节目表演,并在夏天发了该演出的现场专辑《Unplugged》。6月,乐队还为 Kiss 乐队的重组巡演头4场演出担任了开场嘉宾。 这些举动和 Cantrell 于1997年推出个人专辑一样,并不能消释关于Alice In Chains 之未来的种种猜疑。
推荐歌曲：Would?（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-15 19:07

76.Guitar Virtuoso（吉他鉴赏家）
        有才能，华丽的主席吉他乐手往往都是摇滚乐中最受珍爱的角色，但是这个现象延续到80年代后期吉他鉴赏家在主流摇滚中占统治地位。在80年代像Clapton, Jimmy Pages, Jeff Beck和Jimi Hendrix这样的吉他乐手因为他们很棒的吉他演奏才能已经造成了很严重的英雄崇拜。4个表演者都为70年代后期以Eddie Van Halen为代表的吉他鉴赏家的出现奠下了基础。作为一个狂热的Clapton的献身者，Van Halen刻苦的揣摩他的吉他技巧，开创了快速，技术上多元化的风格，它完全脱离了布鲁斯般抑郁的特点。已经有很少的吉他手很快在他之前，包括有相似风格的Steve Howe和Allan Holdsworth，但是缺离最初的摇滚形式远了很多。然而Eddie Van Halen是一个重型摇滚演奏者，他很快的带动起了大批的模仿者---这些模仿者大多不只是金属领域的，还有流行乐的。在80年代，这些浮华的吉他手支配着摇滚流行的主流舞台，很快完整的重型摇滚流派便显示于这些敏锐的吉他手身上。当然，每个金属或重型摇滚乐队，从Metallica到Whitesnake，他们都有一个主席吉他手，但是很快独奏吉他专辑变得流行起来。这些吉他鉴赏家---常常被吉他杂志称为‘撕碎机’---开始有了一群崇拜者，以Joe Satriani为例，他们也开始进攻主流音乐。在80年代的后期，吉他鉴赏家们统治主流的流行摇滚多达10多年之久，所以当它的地位一夜之间被Nirvana在1991年凭其粗糙摇滚挤进前十强而轰然倒塌也并非意料之外的事情。吉他鉴赏家虽然没有消失，但他们却是逐渐凋谢了，他们努力保持他们的唱片贯穿整个90年代，但是反应效果却相当的不好

具有该风格的乐队/艺人名单：

Yngwie Malmsteen


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        1963年6月30日，在瑞典的stockholm，lars johann yngwie lannerback诞生了。这年的beatles刚在英国利物浦闯出一小点名声来，整整20年之后，当这个长大后满头棕发的婴儿踏上落杉矶机场的地面时，一段辉煌的音乐道路将正式铺开。

yngwie出生后不久，军官出身的父亲和具有艺术家气质的母亲离婚了。这个单亲家庭的成员里，yngwie是最小的。他的母亲rigmor，姐姐ann louise和哥哥bjorn都认为小时侯的yngwie（这个名字取自于他母亲的一个旧情人）是个野孩子，很不服管教，"他所做的一切都有一种野性在里面"。

音乐，尤其是吉他，起先并没有引起小yngwie的注意。早先他也试图学过一些钢琴和小号，但都有始无终，妈妈在他五岁生日时买给他的木吉他一直挂在墙上无人理会。一直到1970年9月18日那一天，情况才发生了根本性的变化。那天yngwie在电视上看到了关于吉他手jimi hendrix死讯的专题报道，他的心里仿佛有了某种触动。七岁的yngwie惊讶地看到hendrix如吸毒般陶醉地演奏，在音箱前用巨大的回授震撼着观众，最后将吉他付之一炬，这一切令让年轻的yngwie找到了自己的路。jimi hendrix去世的那天，就是吉他手yngwie诞生的日子。

yngwie最初的吉他是一把老mosrite琴，之后是一把便宜的stratocaster。yngwie通过练习deep purple这类乐队的歌曲来同时提高自己的音乐素养和吉他技巧，"深紫"的吉他手ritchie blackmore那种受古典音乐影响的演奏方式使他深受影响。而他姐姐对于古典音乐的喜好也给予yngwie来自大师们的启发：巴赫，维瓦尔第，贝多芬和莫扎特。就在yngwie开始尝试把这些古典音乐的结构和曲式融入自己的吉他演奏时，他那独特风格的雏形产生了。他每天几乎是一刻不休地勤奋练习，经常弹着弹着就一头歪在吉他上睡着了。

10岁那年，yngwie继承了母亲的姓氏，正式改名为yngwie malmsteen。这时的他由于过于专注于练琴，逃课成了家常便饭。而他在学校时候，则被看成是一个到处惹麻烦的家伙，因为他经常与那?quot;专门干傻事的家伙"打架。唯一出色的是他感兴趣的那两门功课，英语和艺术。他的母亲清楚地看到了儿子音乐上的天赋，所以非常开明的默许yngwie逃课呆在家里摆弄吉他和录音机。就这样，他的吉他演奏技法迅速地得到了提高。

如何在古典音乐的正常曲式和hendrix那种即兴演奏中找到一座联系的桥梁呢？19世纪俄小提琴家尼古拉·帕哥里尼似乎是一个答案。当yngwie在电视上看到一位俄国小提琴手演奏帕哥里尼的名曲24 caprices时，他开始明白如何把他对古典音乐的喜爱嫁接到舞台即兴演奏的魅力之上了。

15岁的时候，当yngwie把摩托车开到学校的主干道上时，学校显然已经不能再容忍这个张狂的家伙了，他只能收拾东西回家了。yngwie的第一份工作是在一家琴行做修理工，他的木工技巧在这里派上了用场。也就是在这里，他做成了第一个整体琴颈。这个琴颈的代价是一个17世纪的管风琴，他在琴颈上预留出音品的位置，然后把多余的地方挖掉，这样剩下的突起就成了品位。他把这东西装到一把旧琴上试了试，效果令他如此满意，以至于他把自己最心爱的吉他也拆了，换上了这个整体琴颈。yngwie发现最后的效果应该说是比普通吉他稍微难弹一些，但对琴弦的控制能力却得到了相当的提高。于是，整体琴颈成了日后yngwie设备的标准配置。

yngwie在当地组建了一些乐队，这些乐队的风格都是围绕他的重型吉他展开的，这在当时处处糜烂着以abba为代表的流行音乐的瑞典，真是对听众的耳朵和耐心的巨大考验。18岁的yngwie由于在智商检测中拿了高分而被军队征召入伍，也许只有yngwie才做得出来--他拿着枪冲到征募处，叫嚷着与其参军，不如去死的话。当征募官弄清楚他并不是开玩笑之后，就把他放走了。yngwie就这样捍卫了弹吉他的权利。 yngwie和几个朋友曾经为瑞典的cbs分唱片公司录制过三首小样，但是没有能够得以发行。失望的yngwie知道瑞典不是实现他音乐理想的地方，决定在国外进行发展，他开始往国外的唱片公司和乐队邮寄小样。其中一盘小样幸运地落到了shrapnel唱片公司的创始人，吉他星探mike varney手里，他对这位瑞典年轻吉他手的印象出奇的好。于是他邀请yngwie到落杉矶来参加shrapnel公司的新乐队steeler，这就是yngwie历史的真正开端。

以ron keel为核心的steeler首张专辑是一张典型的重金属专辑，其中yngwie在hot on your heels这首歌里留下了一段极其精彩的前奏solo。当这张专辑开始被乐迷看好时，yngwie已经来到了alcatrazz，一支由主唱graham bonnett组建的rainbow风格的乐队。yngwie在alcatrazz的表现应该说是很好的，由于乐队其他成员都是相当有才华的乐手，所以yngwie在其中并不显得突出，多数时候他老老实实的做着自己的本分工作，只有在少数几首歌，例如kree nakoorie，jet to jet和hiroshima中，才有他令人惊讶的solo表现。这对饥渴的yngwie来说显然是远远不够的，看来唯一的办法就是全力发展个人道路了。

在录制了两张专辑，no parole from rock'n'roll和live sentence之后，yngwie离开了alcatrazz。 yngwie的首张个人专辑，rising force（上升的力量）一举成功，在美国专辑排行榜上取得了第60位的好成绩，这对于一张以吉他为主，而且没有在电台上进行任何商业宣传的专辑是令人振奋的。这张专辑甚至还为yngwie赢得了格拉美最佳摇滚演奏奖的提名，接下来的一系列荣誉令人应接不暇：数本杂志的读者投票评选他为最有才华的新人，年度最佳摇滚吉他手，年度最佳摇滚专辑......
不少音乐家和乐队的首张专辑是其音乐生涯中最好的，yngwie也是其中之一，虽然yngwie的风格在这张专辑中的音乐还有待完善，但专辑中的那种激情和饥渴却是以后的专辑所无法比拟的。这张现在被誉为neo-classical（新古典）摇滚圣经的专辑无疑是这类音乐中的第一张也是真正最好的一张专辑。 yngwie新古浞绺竦男?髟谝衾稚洗锏搅诵碌母叨龋??蟮牧秸抛玺rilogy（三部曲）和marching out（推进）无论在歌词或音乐上都显得比rising force更为娴熟。这时候，yngwie独特的吉他技法和作曲能力已经在摇滚界产生了巨大的影响，不少乐手开始尝试这种新古典风格。其中有不少yngwie的模仿者和yngwie第二，yngwie第三等试图照搬他的技法，而并不是从那种独特的音乐理念上去把握新古典风格。由于缺乏yngwie那种音乐上的悟性，这些克隆们听上去总是有点滑稽和做作，这给新古典摇滚运动投下了消极的阴影。

不幸的事情发生在1987年6月22日，就在他24岁生日的前几天，yngwie驾驶的美洲虎撞到了树上，他的头撞到了方向盘上，把方向盘撞坏了，而他的头颅内出血形成了一个压迫右手神经的血块。在昏迷了近一周之后，yngwie醒转了过来，发现拿拨片的那只手完全失能。音乐道路是否就这样结束了呢？怀着深深的忧虑，yngwie开始了漫长的理疗，理疗过程中，yngwie的右手神经逐渐开始恢复功能。就在他的伤势完全康复后不久，又一个噩耗传来，他生命中给他最大力量和启发的那个人，母亲rigmor在瑞典死于癌症。最为可恨的是，yngwie的一个经纪人在这时落井下石，卷走了yngwie所有的财物，只给他留下了厚厚一叠的医疗帐单--这一切如果发生在普通人身上，恐怕是致命的打击。而yngwie却没有放弃，他很快把自己的精神从悲伤和痛苦中再次转移到音乐上来，只有这样才能挽救自己。

odyssey（奥德赛）是yngwie复出后的第一张专辑，他本人对这张专辑并不很满意，但却为他带来了更为广泛的听众群和主流市场。一首单曲及其音乐电影heaven tonight成为yngwie把风格转向适于滚动播放的第一次尝试，它也推动整张专辑在美国卖到了将近50万张的成绩。当然，这一切也要归功于来自原rainbow乐队的主唱joe lynn，在他的支持下，一次成功的odyssey巡演让yngwie的听众范围有了新的扩展，而不再限于那些狂热的吉他爱好者了。1989年2月间，巡演在前苏联的土地上场场爆满，莫斯科和列宁格勒的几场尤为成功（yngwie之后半年，才有bon jovi等乐队首次到苏联演出）。在列宁格勒演出的最后一场被录制成现场录象带发行，取名为trial by fire - live in leningrad（火的考验－－列宁格勒现场）。

巡演之后，这支被人称为rising force的乐队终于解散了，乐队成员各奔东西，yngwie不得不开始寻找新的合作伙伴。

迈阿密的新乐队 yngwie来到迈阿密发展他的新乐队，他很快招募了一支全部由瑞典人组成的乐队。主唱的位置由前john norum乐队的主唱goran edman担任，他高亢的嗓音正好与yngwie的古典旋律相吻合。其他的成员都是瑞典的不知名乐手，不过他们后来被证明是富有音乐才华的：贝司手兼弦乐师svante henryson，键盘手mats olausson，鼓手michael von knorring。这套全新阵容的第一张专辑eclipse（蚀）录制于迈阿密的criteria录音室，这张专辑中，yngwie在没有牺牲其古典音乐风格的情况下同样做出了易于接受的流行化音乐。

由于polygram唱片公司的促销工作不得力，这张专辑在美国卖的并不好，但是在日本和欧洲，eclipse却成了金唱片和白金唱片。yngwie终于放下心来，把解散rising force后一直隐约浮在他脑海中的担忧抛到了一边。 出于对polygram唱片公司的不满，他决定离开这个不能重视他的地方。就象yngwie自己常说的那样，他的生活就象"火与冰，要么是真的好，要么是真的坏，没有中庸之道。"一旦来自唱片公司的消极影响结束后，一切都显得那么充满希望。新的经纪人nigel thomas为yngwie努力寻找着新的婆家，直到1991年3月，yngwie和elektra唱片公司签约。

yngwie在elektra公司的首张专辑fire and ice（火与冰）中消除了前几张专辑中过于商业化的元素，重新回到了他最擅长的古典曲式。整张专辑就象它的封面一样，燃烧着yngwie火一般的热情。专辑的曲风受巴洛克风格的影响很大，充满了复杂的编排和精巧的装饰，而且yngwie终于能够在这张专辑里完成他多年来的心愿：录制弦乐作品。在no mercy这首歌里，yngwie将巴赫ochestral suite no.2中的一段badinerie重新改编后录了进去，效果相当不错。fire & ice在日本一上榜就直接窜到了第一位，发售的当天就卖出了十万张以上，专辑在欧洲得到了金唱片，在亚洲得到了白金唱片。

yngwie的生活真的就象火与冰，就在他回到迈阿密为新专辑做准备工作时，一系列不幸再次降临到他头上。1992年8月，安德鲁台风席卷整个迈阿密；1993年1月，与yngwie合作四年的经纪人nigel thomas死于心脏病；1993年3月，elektra公司决定不再和yngwie续约；同年7月，yngwie在一次意外事故中摔折了右臂；而在8月，yngwie被警方逮捕，造成了国际性的新闻，最后证明是警方认错了人。

1993年9月，所有对抗yngwie的力量都疲软了，10月间，当他的手臂完全康复后，yngwie和日本的pony canyon唱片公司签了约。新的乐队阵容是主唱michael vescera（前loudness乐队），鼓手mike terrana（前tony mcalpine乐队），键盘手mats olausson，贝司手由yngwie自己担任（来自落杉矶的barry sparks在以后的巡演中将会出任贝司工作）。

1994年2月3日，为了迎接即将进行的世界巡演，乐队正式开始排练。新专辑the seventh sign（第七印记）于1994年2月8日在日本发行。这张专辑又回到了yngwie早期那种富有攻击性的风格，比前几张专辑都来的重，和早期的marching out有相似之处。the seventh sign很快登上了日本国际排行榜的首位，并且在仅在日本就卖出了三白金的销量。cmc国际唱片公司买下了专辑在欧洲和美国发行的版权，在cmc的积极推动下，世界各地的yngwie歌迷都拿到了这张专辑，虽然在美国yngwie仍然无法取得好的销量，但在欧洲和亚洲，the seventh sign连带着yngwie以前的专辑都销售一空。

1994年9月和10月，pony canyon公司相继发行了两张细碟，power and glory（权力与荣耀）（主题曲是yngwie为日本柔道冠军takada所作）和i can't wait（迫不及待）（包括两首未发行曲目和几首在东京budokan剧院录制的现场版曲目）。在budokan的现场演出还被录制成日文版的录象带发行，cmc将这盘录象带在全世界进行了推广。这期间，yngwie一直在世界各地巡演，直到1994年11月，乐队才回到迈阿密的家中，奔波大半年的乐队真的需要休息一下了。

1994年12月，yngwie自己的录音室在迈阿密开始着手建设，复合地板，录音设备，控制设备，一切有条不紊地进行着。同时，yngwie的新专辑magnum opus（巨著）也开始了准备工作。由于yngwie和经纪人一致认为cmc在唱片发行机制上有问题，他们决定脱离与cmc的关系，在1995年6月，当magnum opus的母带送往日本的同时，yngwie和经纪人开始寻找新的欧洲和美国代理商。

magnum opus巡演开始于1995年9月的日本，完成日本17个城市的演出后，乐队又到英国和欧洲进行了为期两个月的巡演。中途出了一点小麻烦，主唱michael vescera因为感冒发展成支气管炎，落掉了几场演出。不过演出仍然照常进行，由yngwie自己来担任主唱，不过演出计划中的一些歌曲由于音高超过了yngwie嗓子的范围而被取消了。michael病好后跟到德国重新加入了乐队，正好赶上在当地举行的一个音乐节，音乐节上还有另外四支乐队，其中包括传奇性的金属战士saxon。岁末，yngwie和乐队结束巡演，回到美国度假。

yngwie的308录音室在新的一年开始的时候派上了大用场。yngwie邀来了一些老朋友，包括joe lynn turner，jeff scott soto，david rosenthal，marcel jacob和mark boals来参与新专辑的录制工作。长久以来，yngwie的心里一直渴望着能够录制一张翻唱专辑，向那些影响了他的吉他演奏和作曲方式的人致敬，包括deep purple，rainbow，u.k.，kansas，scorpions，rush和jimi hendrix。在老友johansson兄弟的鼓和键盘的支持下，inspiration（启发）专辑开始成型。4月中旬，专辑混音完成，封面美工也已敲定，这是由日本艺术家asari yoda设计的，他将专辑中被翻唱乐队的某种元素合成到一张画中，从中我们可以隐约分辨出这些乐队的名字或图片。

专辑inspiration发行后，yngwie又开始筹划新的巡演。这次巡演的乐队阵容可以说是最为强大的了，它包括了live in leningrad专辑中的贝司手barry bunaway，trilogy专辑中的主唱mark boals，长期合作伙伴，键盘手mats olausson和一位不同寻常的鼓手tommy aldridge（曾加入过ozzy osbourne，whitesnake，pat travers band等乐队）。巡演的第一站选在了南美，巴西和阿根廷的乐迷让yngwie的演出场场爆满。接着乐队又到了美国，日本和欧洲，在grunge席卷全球的同时，yngwie的演出依然保持了大量的观众，这证明，速度、力量和旋律合一的硬式摇滚/重金属并没有死亡，它仍然保持着顽强的生命力。

96年的巡演一直延续到年底，这次的巡演中yngwie弹坏了12把吉他。观众热烈的反映让yngwie再次充满信心地投入录音棚。这次的专辑将会非常特殊。 数月的辛勤工作之后，在迈阿密的308录音室，yngwie终于写好了他的第一部古典音乐作品，concerto suite for electric guitar and orchestra in eb minor, op.1（电吉他与弦乐，降e小调协奏曲，第一部）。

1997年1月，yngwie来到布拉格开始正式的录音工作。管弦乐队是刚刚度过百岁生日的捷克爱乐乐团。经过三天的录制工作，在亚特兰大交响乐团指挥yoel levi的配合下，yngwie多年来的梦想终于实现了。 由于某些原因，焦急的歌迷要等到1998年才能听到这张非同寻常的专辑，而这点等待也算不了什么--不少歌迷自打1984年yngwie首张专辑发表的时候就一直在等待了。

不等庆贺弦乐专辑的发表，yngwie又匆匆回到迈阿密开展预定在98年发表专辑facing the animal（面对动物）的录制工作。这张新专辑的鼓手是由资深的cozy powell担任的。这张带有黑色情绪和沉重节奏的专辑无论在评论家眼中还是在乐迷眼中都是一张非常出色的专辑，它被认为是yngwie近十年来最强大的作品。在yngwie的欧美发行代理商mercury唱片公司的大力宣传下，yngwie终于在美国受到了相当的关注，关于这张专辑的采访和评论在欧美各类杂志中层出不穷

98年四月的yngwie夫妇实在没有空去担当父母的新角色，因为他们正一道在巡演的路途上奔波。演出并没有因为小antonio的诞生而耽误，所以直到出生三个星期后，这个婴儿才得到他的身份证。四月的yngwie就象所有的父亲一样，始终保持着高昂的情绪，无论在飞机，火车或是汽车里，他总是不停地和大家开着各种玩笑。

当yngwie庆祝儿子的诞生时，也不得不面对一个悲剧性的损失，这也是整个摇滚音乐界的损失：在英国的一场可怕的车祸中，cozy powell被无情地夺去了生命。震动中的yngwie决定继续facing the animal的巡演计划，他又招募了新的鼓手jonas ostman加入他的巡演队伍。乐队到日本，南美和欧洲都进行了演出，在巴西的一场成功的演出被录制成现场专辑予以发行，名字很简单，yngwie malmsteen live!（现场） 对于北美的歌迷来说则是很不幸的，因为得不到赞助商和唱片公司的支持，yngwie在北美的绝大多数演出计划都被迫取消了。 巡演结束后，yngwie回到了迈阿密的家中，开始去适应一个父亲的角色。父亲的角色使yngwie再次充满了挑战性，他的热情和野心开始恢复到十五年前的水平。

1999年发行的新专辑alchemy（炼金术）几乎又回到了rising force时的那种硬朗的风格，而且声音也比上一张facing the animal更为欧洲化一些。这种根源的回归使yngwie在乐评和乐迷的心目中地位大增，不少久违的歌迷又重新投向了yngwie的音乐。在现在美国rap metal，hardcore盛行的时候，yngwie以最为直接的重金属带给我们一股清新的风，可以说alchemy是美国出产的欧洲音乐，这样的音乐总是能让我们兴奋不已。 yngwie malmsteen在其20年的音乐路程中经历了各种各样的大喜大悲，作为出道之作的rising force无疑已成为不朽的作品。虽然这20年间也发表了不少音乐上并不特色的专辑，但他的最新作品却又让我们看到了希望。让我们期待yngwie在新世纪继续给我们带来真正的重金属。
推荐歌曲：Devil In Disguise （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-15 19:17

77.Hair Metal（微金属）  
        微金属是一个用以讽刺的术语，用于对那些在80年代后期熟练的，以流行为起源的重金属和重型摇滚乐队。这些乐队创造了喧闹但是安全的舞台效果，也只有他们有更多有特色栩栩如生的视觉效果，因为他们存在与早期MTV时代。穿着浮华的服装，画着浓妆，很夸张被装饰过的发型，这些乐队有比他们音乐更与众不同，更吸引人的外表，尽管在90年代早期他们的装容和嗓音都遭到了诅骂。在Nirvana1991年把车库和另类音乐带入顶端之后，为金属乐队很快就死亡了，失去了他们所有的流行支持。一些还尝试着改变他们的嗓音，当另一些还用他们标志性的嗓音继续作无益处的努力抗争时。尽管一些乐队在90年代中期幸存下来了，他们已经采用比80年代更猛烈的声音，但是他们对流行痴迷的喜好还有标志性的音调却并未在作品中消退。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Cinderella


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        Cinderella 是由费城两位经验丰富的酒吧乐手Tom Keifer 以及 Eric Brittingham 发起成立的。吉他手 Jeff Lebar 因为与他们在同一个酒吧演出，也就自然加入到急需一位吉他手的 Cinderella 乐队中来。他们选用的乐队名Cinderella（灰姑娘）被认为缺少重金属气质，但这正体现了乐队华丽、雌性的风格和打扮。一次偶然的机会，Bon Jovi 乐队的主唱 Jon Bon Jovi 在酒吧里认识了Cinderella，这位歌星事先预感了他们的成功，他向自己的唱片公司 Mercury 强烈推荐，次年 Cinderella 就和 Mercury 公司签约。在增加了鼓手 Fred Coury 后，1986年6月 Cinderella 发表了他们的第一张 Glam Metal 风格的专辑《Night Songs》，专辑销售出了200万张。Cinderella 一夜之间从一个 Club Band 变成 Rock Star。

1988年，乐队推出了第二张专辑《Long Cold Winter》，乐队吸取了大量布鲁斯音乐的精髓，并把它加入到他们所擅长的硬摇滚中去，这种音乐风格正好适合 Keifer 的嗓音，乐队受到了一系列的好评，专辑的销量达到600万张，在此以前， Cinderella 一直是为 Bon Jovi, AC/DC, David Lee Roth, Judas Priest 这些的巨星担任暖场演出，现在，他们可以自己独挡一面了。专辑《Long Cold Winter》之后是一系列的巡回演出，1987年 Cinderella 乐队与 Bon Jovi , David Lee Roth , Judas Priest 以及 AC/DC 等重金属乐队参加了据称有十万人到场的 Castle Donnington festival 音乐节。

不过乐队的巅峰之作当属在1990年推出的第三张专辑《Heartbreak Station》，每个吹毛求疵的乐评都不得不对它停止了批评，哀怨的布鲁斯与激烈的硬摇滚聚在一起凑成了一锅美味的大餐，加上吹奏乐器的大量使用，弦乐部分由 Led Zeppelin 乐队的元老 John Paul Jones 安排，Cinderella 已成为一支非常优秀的摇滚乐队。

1993年，Cinderella 的事业遭到几个严重的打击，首先是主唱 Tom Keifer 患上了声带结节并且日趋严重，精细的手术和禁声的治疗是非常必要的，否则将严重影响歌者的音质（其实你只要听过他的演唱，就会明白他的嗓子为什么会坏了）；然后 Fred Coury 离开了 Cinderella 加入了 Arcade 乐队，Fred Coury 的位置由 Ray Brinker 取代；但更不幸的是 Tom Keifer 的母亲去世，可以想象这对 Tom Keifer 的打击有多大。直到1994年，Cinderell a才出版了第四张专辑《Still Climbing》，然而此时的乐坛已是非主流当道，Cinderella 所擅长的 Pop Metal 已是强弩之末，Cinderella 的复出并未引起人们太大的兴趣，而且这张专辑也不如上张专辑出色，乐队惯有的布鲁斯风格也大大减少了，Mercury 公司并没有对这张专辑进行必要的宣传，《Still Climbing》没有得到预期的成功，销量远未达到白金数字（100万张），成了80年代重金属衰落的标志

1995年，Cinderella 匆匆结束了一次短暂的巡演便在人们的猜疑中解散了，不是乐队成员之间的矛盾或是不公的命运将他瓦解，而是唱片公司人为地因素将他掷入低谷，乐队各成员开始自己独立的活动。

1997年，80年代金属热潮在次席卷全美，在唱片公司热心支持下 Cinderella 推出了一张名为《Once Upon A...》的精选专辑，里面收录两首新歌：“War Stories” 和翻唱 Janis Joplin 的 “Move Over ”。

随着重金属音乐开始复苏，Cinderella 又开始活跃起来，乐队成员又重新聚在了一起。1998年 Cinderella 展开名为 "Unfinished Business" 的巡回演出，收到了很好的效果；2000年夏季，Cinderella 与 Poison, Slaughter 和 Dokken 等团体共同举行巡演，场面依然火爆，看来，Cinderella 的第二个春天又来到了。

目前 Cinderella 正与词曲作者 Desmond Child（他曾与Bon Jovi, Kiss等团体共同创作了许多热门歌曲）合作，新专辑《Down Street》将在2001年推出。
推荐歌曲：Coming home（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-15 19:23

78.Hard Rock（硬摇滚）
        硬核是一个常常被用于形容任何一种喧吵的，有侵略性的吉他摇滚的词语，要不是这些用途，这个定义是更精确的。确切点来说，硬核的确是高声喧吵的，带有侵略性的吉他摇滚，但是它并不是很重金属一样重，它受朋克的影响很少（尽管他帮助朋克产生了灵感）。硬核表演通常是很大规模的，露天大型演唱会上即兴重复的吉他演奏，赞美诗的合唱，重踏夸张的基调强节奏；它的目的通常是瞄准商业价值的，它几乎永远都是渗透着男子气概的。看某些些乐队，可能很难分辨出硬核和重金属的区别，但是从Black Sabbath出现后两者基本的差别就很明显的存在了，金属倾向更黑暗和更富威胁成分，而硬核（大部分情况）还是保留着华丽的，庞大的派对音乐。加之，金属的重复段常常以独奏的形式出现，而硬核重复段则是在他们吸引人的特点上突出和音的级数，制造出放纵的气氛，更为宽松的特点有益于他们大踏步的前进。像重金属一样，硬核在如Cream, Jimi Hendrix和the Jeff Beck Group这些先驱的带领下于60年代中期蓝调摇滚迷幻的十字路口处和爆发。蓝调摇滚和迷幻都在探究电子扩大的限度，蓝调摇滚推动了吉他重复段的中心舞台，它使用一些蓝调节拍以外的旋转并且用极大的力量代替了它。硬核确实在70年代早期找到了自己的特点，通过the Rolling Stones, Faces粗暴，疯狂的摇滚，Led Zeppelin blues-drenched的力量和粗糙的音乐安排，Deep Purple前迷幻的不断咆哮，和the Who高声，巨大喧吵的和音，为很多模仿者提供了模式。而后的十年中，AC/DC和Aerosmith倾斜，stripped-down的重复段，Alice Cooper和Kiss易记的旋律和戏剧化的效果，和Van Halen快速演奏的特点树立了新的趋势，虽然对于硬核来说基本的音乐形式仍是一样的。舞台摇滚同样成为了一种支配力量，几乎脱离了所有蓝调的影响，夸张地集中了独奏作为它的标志。在80年代，硬核以平滑的流行金属取得了统治地位，尽管Gun N Roses, the Black Crowes和一些其他的乐队仍表演坚韧和更传统的另类。旧式硬核在前独立摇滚年代逐渐成为被人遗忘的东西；在车库后，很多吉他乐队不仅采用自觉的严肃态度，还拒绝写first-pumping, arena-ready choruses这样的怂恿。这样，九十年代确实产生了少量的反对呼声，像Oasis, Urge Overkill和Pearl Jam。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alice Cooper  


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        起初，有一支名为Alice Cooper的乐队，由一个叫Vincent Damon Furnier的主唱领导。在这个主唱的一手策划下，乐队在开发重金属的戏剧性和暴力色彩方面领先一步，他们把音乐搞成了恐怖电影和杂耍，他们在舞台表演方面的吓人玩艺包括：电椅、断头台、鲜血(假的)、大蟒蛇和Furnier阴森的扮相。

当然事实不仅如此。他们在音乐上也有相当的成就，只是噱头太多影响了人们的注意力。取自六十年代吉他流行乐生猛简单的Riff和旋律表现了摇滚乐最基本但又最迷人的地方，甚至在乐队探索迷幻音乐和艺术摇滚时也是一样。

在原来的乐队解散后，Furnier开始以Alice Cooper为名进行独立发展，此时他的音乐不再像以前那样充满夸张活跃，而是转化成了直来直去的重金属。不过他在舞台表演中保留了那些令他获得“休克摇滚之王”称号的小道具。

Furnier的第一支乐队称作the Earwigs后来在1965年改名the Spiders，之后又用过Nazz的名字。The Spiders和the Nazz都曾在当地发行过小有一名的单曲。1968年他发现已经有一支叫作Nazz的乐队后，将队名改为Alice Cooper。关于这个名字，据说来源于Furnier在一次占卜中获得的启发，在那次占卜中他被告知他是17世纪一个同名女巫的转世化身。乐队包括主唱Furnier(后来他自称Alice Cooper)、吉他手Mike Bruce和Glen Buxton贝司手Dennis Dunaway和鼓手Neal Smith。1968年乐队前往加州并遇见了Frank Zappa的经纪人Shep Gordon，他将Alice Cooper收归他的新公司Straight Records。

Alice Cooper1969年发行了他们的处女作《Pretties for You》，1970年初又发行了《Easy Action》但均石沉大海，乐队在洛杉矶看不到前途，于是来到Furnier的家乡底特律。乐队将他们古怪的舞台风格进行了精炼，1970末乐队签约于华纳唱片，在制作人Bob Ezrin的协助下，乐队在第三张专辑《Love It to Death》中发展了他们经典的重金属风格。这是张金唱片，出现了“Eighteen”这样既能反映青少年反叛情绪又可以打入排行榜的佳作。成功也使乐队可以将他们的现场搞得效果更专业，这又使他们的演唱会成为美国最受欢迎的演出之一。1972的《School's Out》是Alice Cooper在商业上的突破之作，名列专辑榜NO.2，同名单曲进入美国单曲榜Top10名列英国单曲榜首位，销量达百万。而紧随其后的《Billion Dollar Babies》更是火得不得了，在英美两地均居榜首。1973年，在发行了专辑《Muscle of Love》后，Furnier割袖绝情地将乐队其他全部解雇，自己占有了Alice Cooper这个名字，而其他成员则以Billion Dollar Babies为名发行了一张不成功的专辑。

1974年秋，Alice Cooper的精选《Greatest Hits》打入Top10。为了他的首张个人专辑《Welcome to My Nightmare》，Cooper雇用了Lou Reed的伴奏乐队为自己工作。这张专辑发行于1975年春，保持了一贯的风格和商业成功。在又发行了一张金唱片后Cooper的事业开始走下坡路，这里有风格改变的原因，也有Cooper个人生活恶习的原因。1978年，Cooper康复后创作了专辑《From the Inside》，并且在歌中与Elton John的歌词作者Bernie Taupin一起描绘了他的治疗过程。八十年代初，Cooper仍不断发行专辑并进行巡演，但影响力已大不如前，不过在八十年代后几年，由于他在恐怖电影中的表现和一些流行金属乐队对他公开表示敬意，他的好日子又来了。在金曲机器Desmond Child和一些客座大牌明星的帮助下，1989年的专辑《Trash》成了一张白金唱片，同时令Cooper重回Top10和聚光灯下。九十年代，Cooper仍不时出演一些电影也演出和出专辑，但在音乐上已经失去了影响力。
推荐歌曲：Under My Wheels Alice （点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-15 19:36

79.Hardcore Punk（硬核朋克）
        硬核朋克是朋克摇滚里最极端的一类音乐。出现于80年代初，音乐速度极快，旋律简单，并且录制质量水平不高，象出自地下的录音室。大多数乐队的音乐非常相近，但也有一些与众不同的乐队。他们创作音乐的速度很快，风格也较偏离硬核。硬核朋克最初产生于美国，主要集中在落衫机和纽约，但也有少数分散于美国其它地区。硬核一直发展于90年代，并没有侵占主流，尽管有一些乐队受到硬核的影响，包括Nirvana 和Green Day-他们成为了当时主要的摇滚巨星，及早期硬核朋克乐手象Bob Mould, Henry Rollins, Mike Watt, Ian McKaye, 及 Dinosaur Jr.s J Mascis 成为了另类偶像。  

具有该风格的乐队/艺人名单：

A Fire Inside


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        故事的开始并没有什么传奇性或者惊人之处，那是20世纪90年代初期（1991）美国加利福利亚州Ukiah的四个高中小子戴维·哈瓦克（Davey Havok）、亚当·卡森（Adam Carson）、维克（Vick）和马卡斯·史托夫里斯（Markus Stopholese）在他们家乡小镇上为了打发课余那些无聊的时光而在车库里弄出些噪音来的结果，标准也是够噪够狠就行。那时候他们的效仿对象就是诸如“黑旗”（Black Flag）、“一群死雷子”（Sick Of It All）等硬核朋克乐队，而且给自己起了个非常标准的名字：A Fire Inside，然后乐队就取了三个词的词头来表示队名，即AFI。A Fire Inside，内部火焰，他们就是把他们最初的“内部火焰”燃烧到了他们的乐队中去，压根也没想过什么成名成星，或许连他们自己也没有想到的是，这恰恰是燎原星火的第一点火星。  

哥儿几个也照样分了工，主唱是哈瓦克、吉他手是史托夫里斯、贝斯手是维克，鼓手则落在了亚当·卡森身上。然后乐队的历程就和大多数朋克乐队差不多，技术平平但也搞了几场小演出，在小镇上也算有点小名气。不久，维克被吉奥夫·克莱斯格（Geoff Kresge）顶替。本来平时的课余时间就不少，哥儿几个死磕了差不多一年时间，也算是练出点技术，歌也有了那么几首像点样子的（当然现在听来是十分不成熟的），就和当时的同乡乐队“脆弱变化”（Loose Change）一起发行了一张名为《落后于时代》（Behind the Times）的7寸EP唱片。  

青春总是过得飞快，随着他们高中毕业升入不同的大学，克莱斯格也暂时搬到了新泽西并参加了当地的“77颗空弹”（Blanks 77）乐队，AFI似乎也和中国的大多数高中生乐队一样“寿终正寝”了。然而要真是那样的话今天还怎么看得到AFI？上大学头一年的暑假时，乐队做了一个在他们历史上的“标志性演出”：他们也正儿八经地搞了个重组演出，然而出乎意料的是，引起的反应非常热烈积极。这让他们看到了希望，于是乐队成员决定“弃学从艺”，正式退学做专职乐队。说来已经是1995年左右了，乐队从一帮懵懂的学生乐队已经正式进入到专职乐队（当然专业性还是差点）的行列，车库里的时光也没有白白打发，他们就是从那里面死磕出技术和特点来的。他们广泛地吸收学习了前辈们如“错配”（The Misfits）、“但泽”（Danzig）甚至如“仁慈姐妹”（Sister of Mercy）和“小瘦狗”（Skinny Puppy）等的元素，糅合起来形成他们自己的特点。乐队当然也没闲着，出单曲是个不错的扩大知名度的方法，在和“后裔”（The Offspring）乐队主唱德克斯特·郝伦（Dexter Holland)创办的厂牌“硝基”（Nitro）签约前，他们已经发行了数首单曲。在此前，乐队也并没有“原地踏步”，而是走上了和当年“黑旗”一样的道路，自1995年就开始全美巡演，无数次穿越北美大陆，包括美国和加拿大。这后来甚至成为乐队的一项传统，除了欧洲，在1998年的时候还自费去了趟日本。“巡演对我们来说一直就是最重要的事，”鼓手亚当·卡森说道，“我们正是通过不断的巡演来获得我们的歌迷的”。“我从19岁开始就巡演了，”主唱哈瓦克对此说道，“我们总有这样的想法：如果我们在某个地方首次演出只有两个人看，那么我们会再次回到那个地方，直到来看我们的歌迷增加到10个，30个，然后上百、上千。我们会坚持回到那个地方演出直到人们不得不注意我们”。有这样的坚韧态度，更多乐迷群体的认可也是指日可待的了。  

1996年时，“硝基”唱片公司为乐队发行了首张专辑《为你自豪》（Very Proud of Ya）。随后（1997）乐队发行了两张LP《Answer That & Stay Fashionable Wingnut》与《闭上你的嘴，睁开你的眼》（Shut Your Mouth & Open Your Eyes）。同时，乐队成员也有所变动：在录制《闭上你的嘴睁开你的眼》时，贝斯手克莱斯格离队，顶替他的是在乐队巡演中担任临时乐手的哈特（Hunter，前The Force乐队成员），他加入后不久（1998）即参与录制并发行了一张EP唱片《内部火焰》（A Fire Inside）；吉他手史托夫里斯随后很快也离开了，接替他的是前“赎罪87次”（Redemption 87）乐队吉他手贾德·普杰特（Jade Puget），而这发生在乐队录制历史上首张堪称经典的第四张专辑《日落下的黑帆》（Black Sails in the Sunset）的时候。所以可以说，普杰特的到来恰似及时雨，大大增强了乐队的“战斗力”。他加入乐队后的任务并不轻松，不仅要弹好琴，还要负责歌曲的旋律创作。因为他自乐队成立初期就是乐队的外围乐手之一，还参与录制了一张和别的乐队一起做的合辑，没有比他更能理解和发挥乐队究竟需要什么样的旋律了。所以后来他能成为乐队的吉他手是顺理成章的事，可以说他是能配合哈瓦克那沉思的幽暗的歌词而写出好旋律的最佳人选。  
1999年，《日落下的黑帆》（Black Sails in the Sunset）发表，这是乐队历史上首张堪称经典的专辑，无论是乐评还是乐队自身都意识到这是一张“化蝶”的唱片，从《闭上你的嘴睁开你的眼》到这张唱片的变化是明显的，从它开始，乐队找到了以后的发展方向，而阵容也稳定下来并直到现在。从此，乐队踏入了专业乐队的行列并保持了旺盛的创造力，在普杰特到来后没多久即参与录制名为《所有圣徒E.P.》（All Hallows E.P.）的四首歌的单曲唱片。其中包含了翻唱了“但泽”原始版本的《全都不朽》（Total Immortal），这首歌后来被“后裔”乐队翻唱并被选为由金·凯利主演的电影《我，本我和艾琳》（Me, Myself & Irene）的插曲之一，在全美有很高的电台点播率。作为回报，乐队被邀请参加了名为“现代摇滚”（Modern Rock）的全美巡演。  

一年后，来自乐队第五张唱片《溺水艺术》（The Art of Drowning）的歌曲《凤凰城岁月》（Days Of The Phoenix）在电台的高点播率让乐队站到了台前，担纲“主演”而不是依然为别人暖场的小乐队。从这张专辑开始，乐队表现出他们不同于其他任何乐队的特质——一种冰冷的旋律和暴烈并深沉的幽暗交相撞击出的声音。正是这种包含了朋克和硬核元素的音乐，使得乐队既能同时从这两种音乐中抽身而出不被贴上其中之一的标签，又能获得不仅仅是处于大量亚文化群中的青少年，还吸引了无数地下景观中那些极端的头脑——歌特迷和金属迷都能从中找到他们想要的。“如果你是在玩一种别人都没玩过的音乐，那么你就是在冒险，你在挑战着人们原有的听觉习惯，打破着他们的思维习惯。幸运的是，我们有很多只关心我们音乐、欣赏我们的本色的人。所以，我们从不同的人群中获得歌迷，包括运动员、神经质的少年、大学生、朋克小子、硬核分子、金属狂徒等等”，主唱哈瓦克为此颇感到自豪。  

在2000年末的时候为宣传《溺水艺术》专辑，AFI和朋克的传奇性乐队“腐臭”（Rancid）一起巡演，成为乐队历史上最激动人心的巡演之一。“穿过我们的悲痛，我们是一体的！”，当乐队上台时台下乐迷狂呼着，在那里乐队和观众间的能量互动仿如被点燃的风暴，这让乐队主唱哈瓦克陷入深深的迷狂，他非常享受这种状态。而之前，乐队已经和诸如“后裔”、“腐臭”（Rancid）、“但泽”、“一群死雷子”等乐队一起巡演过。从这些名单上可以看出乐队身上有相当深的硬核、朋克烙印，而乐队的低调作风和总是黑暗的装束又让人们看到他们身上的某些“歌特”气息，这也是乐队从“错配”、“但泽”等具有歌特气息的朋克、硬核身上承继而来的（当然像对“仁慈姐妹”的学习也是其中的一个因素）。但是哈瓦克数次否认了他们是一支单纯的硬核朋克乐队，《滚石》杂志最近对他们的采访中以这样的句子作为开篇：“如果你叫他（哈瓦克）硬核或者朋克，他会感到厌烦；而如果你叫他‘歌特’则是对他的冒犯了。”看来乐队是不想让任何风格上的名词来限制他们的发展。而这种称谓事实上也在不同程度上对乐队造成了某种伤害，对那些刚开始接触AFI乐队的歌迷来讲，更是一种误导。而对一些加在他们身上的“硬核朋克的复兴者”的高调说法，乐队并没有盲目地往自己身上套，甚至哈瓦克在一次采访中直言不讳地拒绝了这个说法，“如果说我们是‘硬核朋克的复兴者’，我并不想扛这个大旗，因为这不准确。我们不是一支纯粹的硬核朋克乐队，所以我们不能扛这个责任。像‘黑旗’、‘胚芽’（The Germs）、‘一群死雷子’等是纯粹的硬核朋克乐队，但我们做出来的音乐和他们任何一支都不一样。我想确实有像他们那样的纯粹的硬核朋克乐队，但我们其实不是他们中的一员。”  

新世纪的曙光无疑也惠顾到了AFI。当进入2003年时，这队从组队到现在整整摸爬滚打了12年的乐队迎来了他们的巅峰：离开了原先的独立厂牌“硝基”唱片而与主流大公司“梦工厂”（Dreamwork）签约，并制作发行了最新专辑《歌唱痛楚》（Sing The Sorrow）。专辑由杰里·芬[Jerry Finn，曾与‘腐臭’、‘绿日’（Green Day和‘硬糖果’（Jawbreaker）合作过]和布奇·维格[Butch Vig，曾为“涅盘”（Nirvana）和“碎瓜”（Smashing Pumpkins）做过录音师]制作，保留了湾区（Bay Area）摇滚的特色：攻击力与悲愤力兼具。其中既有大师风范的前奏，也有工业倾向的高潮部分和像“死者能舞”（Dead Can Dance）那样的歌曲尾声。非常个人化的诸如再生、复活、天启等引人沉思的幽暗意象的想象弥漫在整张唱片里。对专辑名《歌唱痛楚》，哈瓦克解释了它的含义：“它是一张非常内省、黑暗的专辑，但是其中也有令人精神振奋的时候，它有点混合了悲伤情绪但苦中作乐的自我矛盾，通过歌唱把它升华了。我发现在写的时候看到很多生活中的消极面。但是事实上我们是通过歌词描写黑暗、残酷的现实来表现应该追求更加积极的生活，音乐上也是这样的。”通过这样的表述不难发现，事实上AFI是一支非常积极的乐队，而哈瓦克在接受采访时总是很亲切的笑声更是表明他不像那身黑妆那样拒人千里之外，而是非常和善的。  
推荐歌曲：Prelude 1221（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-15 19:51

80.Hardcore Rap（硬核说唱）
        硬核说唱涉及到好几种不同的音乐感受，其特征可以概括为对峙性和侵略性，它表现为：热情奔放的主题、猛烈强劲的鼓点、吵杂的取样与制作、或是其中任意几种的结合。硬核说唱是强硬的、体察民情的、激烈的、而且常常是威胁性的（不过威胁并不是总都存在，它也有幽默和生机勃勃的一面。）匪帮说唱（Gangsta rap）是与硬核说唱最普遍联系的一种风格，二者之间有很多的交叠，特别是在90年代的硬核说唱歌手之中，不过并不是所有的硬核说唱都是围绕着匪盗的主题。最早的硬核说唱出现在80年代后期的东海岸，那时候艺人们开始远离了派对节奏以及对扩音器技术的夸夸其谈，他们的音乐和语言开始反映这个布满沙砾的、粗糙而残酷的城市环境，通常它们也是在这个环境中被创作和被欣赏。在任何关于匪帮说唱的具体准则被制定出来之前，像New Yorks Boogie Down Productions和L.A.s Ice-T这样的艺术家们正把他们对街头生活的观察详尽地记录到磁带中；与此同时，Public Enemy混乱的声音拼贴正为录制能力设定新的标准，而N.W.A则以一种过多的大男子气展现着犹太人与匪徒们荒凉萧瑟的生活方式。在90年代初期，硬核说唱与西海岸的匪帮说唱本质上是同义的，直到1993年Wu-Tang Clan的出现，他们极少的、降到最低限的鼓点和萦绕着弦声与钢琴的小样成为被广泛效仿的风格。以它充满冲撞与猛力击打的唱片和城市街头恶棍坚毅不屈的精神，硬核说唱在90年代后半期成为说唱音乐里最受欢迎的混和音乐风格，现在它的主题混合了派对颂歌，匪盗们对金钱、性、暴力的执迷，以及偶尔的社会评论。像the Notorious B.I.G., DMX, 和Jay-Z这样的艺人们已经成为了白金销量的超级明星，而Master P也打着“源自匪帮的南方硬核”的牌子成为一支有利可图的商业力量，尽管他并没有制作出同样水平的混合热门单曲。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Eminem


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        EMINEM，原名b. Marshall Bruce Mathers III，生于1973年10月17日密苏里州的堪萨斯城。1999年这位白人说唱歌手带着他极有冲击力但是同样富有争议的音乐横扫美国排行榜。Eminem的童年是在颠簸中度过的，他跟着他的母亲在几个不同的州居住过，最后他们定居在底特律，那时候他12岁。在他从学校9年级退学之前他就开始从事说唱乐，并且加入了几支乐队Basement Productions, the New Jacks,还有D12。后来他把他的名字改成Eminem，并且在1997年在独立厂牌FBT旗下出版了一张粗糙的处女专辑。虽然这张专辑评价不佳，Eminem却被一些人和那些顶尖说唱乐手入Nas和AZ相提并论，虽然这种比较不是很恰当。他的一炮走红得益于Source's Unsigned Hype的一次专栏采访，后来他赢得Wake Up Show的年度Freestyle表演奖，这对以前批评他的人来说是一次有力回击，接着他还在洛杉矶的年度说唱奥林匹克大赛上获得亚军。在来年出版的The Slim Shady EP专辑里，Eminem对批评他的人毫不留情的进行讽刺。其中一首出色的单曲Just Don't Give A Fuck变成了在地下乐坛十分流行的一首热门单曲。接着Eminem与Dr. Dre创办的Aftermath唱片公司签约，Dr.Dre把他收为徒弟，并且帮助他制作了他的首张完整长度的专辑。Dre特有的节奏在The Slim Shady LP专辑中十分显眼，这张专辑充斥着暴力煽动，扭曲的歌词，同时也反映了Eminem那些道德思想的阴暗面。由于在97 Bonnie & Clyde（包含了杀死他孩子母亲的内容）这样的歌曲里充满阴暗的内容，以及他和自己母亲的不断口头纠纷，许多民间宗教团体指责他是不负责任的。尽管如此专辑仍然取得了商业上的巨大成功，诸如单曲My Name Is"和"Guilty Conscience"都在排行榜上取得好成绩，专辑也在199年3月爬上了美国专辑榜的第二位。接着Eminem在Rawkus唱片公司的合集Soundbombing Volume 2和Missy "Misdemeanor" Elliott的专辑Da Real World频频亮相。与此同时他的母亲把他告上了法庭，理由是这位说唱歌手在采访和Slim Shady LP专辑中还有其他的一些事件中对她本人进行了不适当的评价甚至诽谤，伤害了她的感情，自尊和名誉。可是这一切负面的事件都没有对Eminem接下来的专辑销量造成不良影响。这张名为The Marshall Mathers的专辑2000年3月一出版就上了美国专辑榜的第一位，这也确立了他是自从90年代中期的2Pac和Snoop Doggy Dogg以来最成功的说唱艺人。但是在这一年末，他糟糕的个人生活和不断的指控使得他的商业成功黯然失色。尽管受到男同性恋权利组织的批评，Eminem还是得到了3座格来美大奖，他也重新组建了D12乐队，并录制一张名为“Devil”的专辑.

推荐歌曲：lose yourself（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-17 11:30

81.Hardcore Techno（硬核数码）
        最快，最研磨的可普遍使用的舞蹈音乐形式就是硬核数码，在90年代中期，大量的生产，包括了breakbear junglists, industrial trancesters, digital-ear punks和cartoonish ravers。这种形式最初显露出来是靠Great Britains 1998 Summer of Love；尽管最初那些在大型派队上演奏的音乐是被相关的Chicago中速酸屋影响，其加入了鼓的成分后导致很多人开始在派队来使用这种更快的节拍并且混入了很多更疯狂的音乐形式。很多DJ最初有意用33-rpm这种加速的室内音乐唱片来纵容听众们的疯狂，并且制作者从同样的唱片中得到启发用以他们的发行。在1991-92，硬核/咆哮音乐被看作已经成功地进入了合法的电视广播，由像SL2s “On a Ragga Hip,” T-99s “Anasthasia.” 和RTS “Poing.”所领导的。结果，给予狂暴的这个主要标志为初初新事物如 Alpha Team的“Go Speed Go”，Smart Es的 “Sesames Treat”和L.A. Style的 “James Brown Is Dead”的进步提供了大量的覆盖。在1993年，大不列颠的制作者如Rob Playford, 4 Hero,和 Omni Trio开始领导硬核数码进入breakbeat这块领域，后来就有人们所知的jungle，正如the Teutonic结束了硬核形式进入了更猛烈的trance和gabba。在90年代中期，大部分常客脱离了舞曲的背景成长，或只是厌倦了这个声音；尽管最初的硬核/咆哮音乐已经蔓延到大部分大不列颠内地，欧洲大陆也是一样，大部分伦敦人更倾向于progressive house或是正在浮现的的氛围数码。同时缺乏critical coverage出了广泛的声音蔓延---进入英格兰北部和苏格兰，还有德国和荷兰的大陆中部---提供介绍一种多样化的地下风格，从德国亚历山大帝国的数码硬核到英国的快乐硬核。事实上，这个名词已经在这10年的末期很少见了。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Atari Teenage Riot


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        大概在1992年前后，19岁的德国小孩Alec Empire却在这一年组建了世界上最激进，或者说最有立场的数码硬核乐队Atari Teenage Riot（阿塔利青少年暴动），他的合作者是一个激进女权主义者，他们成立了自己的唱片公司——Digital Hardcore。他们集中了朋克愤怒和噪音轰鸣手段的音乐，也在事实上引发了多次骚乱。因为影响深远，以至于很多从这个厂牌了解到这种音乐的人，以及强调意识形态立场的音乐家和乐评人，都开始把这个公司的名字当作这种音乐的名字。

       Alec Empire。Alec Empire是一个音乐多面手，他制作的音乐类型多种多样，在众多不同风格的唱片公司出版唱片。他不单一手组建了开创数码硬核音乐（Digital Hardcore）的Atari Teenage Riot，成立了Digital Hardcore Recordings厂牌

         他喜爱的是那些充满酸味和暴力化的电子声音，而且极为反感以享乐为目的的舞池音乐文化。于是他决定自己制作一些音乐，首先的行动就是把作品寄往抱有激进政治态度的电子厂牌Force Inc

        1992年Alec Empire找到在音乐和政见上志同道合的Carl Crack和Hanin Elias，组成一队音乐上结合Jungle的高速节奏、Punk的粗糙音色和各种刺耳的电子噪音；态度上反对享乐主义、新纳粹主义和音乐商业操作的乐队——Atari Teenage Riot。

         用当时方兴未艾的Techno和Breakbeat节拍，配合上扭曲的吉他、嘈杂的电声噪音制造出一种完全疯狂的、分崩离析的电子/跳舞音乐。同时他们还为音乐填上充满政治性的歌词，仿效着Punk的形式采用口号式的演唱方式，以此煽动乐迷的情绪，制造混乱。他们呼喊着自己的口号，成立自己的公司。他们称自己的音乐是Digital Hardcore，而公司则命名为Digital Hardcore Recordings。从此一种新的激进音乐出现在乐迷的眼前。

    这支乐队自92年成立以来，在DHR、Force Inc甚至是主流厂牌旗下出版了多张的EP和专辑。每分钟200拍的疯狂Jungle节奏，失控的电声噪音，崩裂的扭曲吉他演奏，加上态度激进的歌词，口号式的歌唱，使他们的音乐被形容为Drill 'n' Bass＋Hardcore（钻机和贝司＋硬核）。而他们则称自己为Digital Hardcore——数码硬核。

     这些音乐特质在99年出版的“60 Second Wipe Out”中最为明显。这张唱片里的音乐就像是在一场暴动中录制的一样，女歌手的声音就像是反动电台发出的冲锋号令，音乐刻意地录进了大量的人声杂音，制作成Lo-Fi的形式。尽管当中许多作品都几近噪音，但力量感十分，煽动性十分，破坏力十分。翻开内页更是让人惊讶，通篇的歌词都是动词和感叹号，简单、直接、重复——这完全就是反社会的传单。Atari Teenage Riot也不是一队光说不练的乐队，他们曾经在柏林的演唱会上煽动乐迷和警方暴力对抗；而演唱会最终也是被警方腰斩，乐队众人全部备案。
推荐歌曲：Speed（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-17 11:56

82.Heavy Metal（重金属）  
        在众多摇滚的类型中，重金属是在音量，男子气概和戏剧化风格上最为极端的。在重金属声音的体裁上有很多的变种，但是他们都通过在喧吵的效果，失真吉他的演奏（通常演奏重复段）和简单，重击旋律上尽量取得共识。重金属自从它存在那天开始就不断引起争论---批评家从传统上抨击了那种故意吸引大部分青少年的舞台剧效果，还有一些保守的组合经常抗议他们所感到的包含有害，邪恶意味的歌词。尽管有重重困难，重金属从它的诞生就还是成为了稳定流行的摇滚音乐形式，有足够的能力去适合这个时期，仍能保持它完美的未被侵蚀的核心吸引力。尽管如美国在声道选择上的叛逆的形式，重金属在很大程度上还是英国的创造物。最初重金属的种子是在60年代英国蓝调运动中被播下的，特别是在那些发觉已很难适应美国蓝调natural swing的乐队中。这种韵律更加没有规则，增强了电子乐器的使用成为更加重要的特点，特别是通过像the Kinks, the Who, Jimi Hendrix, Cream和the Jeff Beck Group这些创新的乐手。然而，正如可提出证据加以证明的那样，最初真正的金属乐队是Led Zeppelin。最开始，Zep演奏蓝调曲调比任何人都更为沉重和喧吵，并且通过获取许多音乐源极很快创造一种以大规模，有质感为代表的重型摇滚。更少精细但是可能更大影响力的是Black Sabbath，他的黑暗，沉闷的吉他重复段创造了一种幻想中的世界末日，充满了毒品，死亡和超自然的迷惑。接下来被Zep和Sabbath所丢弃的这种风格，很多美国的乐队在70年代把重金属更改为更易接近的的形式；Alice Ccooper和Kiss易记的曲调和残暴的舞台表演；Aerosmith的sleazy boogie；Van Halen的浮华吉他引子和狂热的派对摇滚。在70年代末期，一些隐藏的英国乐队号成为英国重金属***潮（包括Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead）开始演奏金属更为快速，倾斜和使用更多恐吓。他们的出现为80年代新的美国金属---鞭挞金属提供了影响力，这个新事物定性于对金属新主流流行的突破，它的出现是以Def Leppards Pyromania为代表的。金属在80年代的辉煌期里是最为享受的，由于大量的glammed-up流行金属乐队，除了鞭挞金属乐队激烈演奏复杂的重复段外，有时会融入些柔美的声乐作品。像Metallica和Megadeth这样的鞭挞乐队形成了狂热的歌迷从而在车库脱去了他们流行金属外衣的同一时间推动他们进入了主流。90年代的主流金属以一种新的叫做另类金属的混合物为中心，它（在它有效的商业形式上）通过hip-hop和工业的繁荣期结合了grinding trash和grunge的影响力。其间，地下以更粗糙，阴冷的风格成长，产生了两种类似的，起源于鞭挞的风格，被叫做死亡金属和黑暗金属，他们创作了一些最为重要的研磨，剧烈，超速的音乐和金属世界从未展示的graphic shock tactics。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Mr big


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        在比利加入前，当时乐队只有三个人，但仍然是很好的重金属乐队，他们是很会使用失真音乐的乐队，但是没有一个贝斯手肯定是不行的。这个时候比利的到来无疑是一股东风，因为比利音乐圈里的一个贝斯高手，很有知名度，他同“克莱普顿”的贝斯手、以及外号“大胡子”的贝斯手共同成为当时最热门的三大贝斯手。那时候对于比利来讲，Mr.Big只不过是一个次要的“方案”，比利刚刚离开了大卫·李·罗斯（David Lee Roth）的乐队并曾经是达拉斯乐队（TALAS）的原始成员。但可能他自己也没想到，正是因为参加了Mr.Big这支乐队，才真正使他名扬四海。

　　比利的加入使得 MR.BIG成了一个“超级乐队”，因为原来的三位成员也各怀绝技，主唱：艾立克·马汀（是一位绝对个性十足的歌手，他的嗓音更是特别，难以模仿。吉他手宝罗·格里波特是一位吉他演奏技术大师，他的技术性无法挑剔，滴水不露，炉火纯青。 鼓手：帕特 托佩 潇洒激情，魅力耀眼

　　Mr.Big这支乐队是以硬派摇滚而著称于世的，技术精湛是他们的立足点，通过吉他和贝斯出神入化的配合，加以鼓的框架结构，使得歌手演唱如鱼得水。他们也是摇滚三大件中最典型的组合。尤其是BILLY的贝斯演奏让人惊叹！在别人眼里好像是难以驾驭的野马般的贝斯，在他的手里却如温顺的山羊，任他摆布。他的贝斯技巧难度甚至让很多吉他手都自叹不如。

　　Mr.Big这支乐队的确是以硬派摇滚而著称于世的，但恰恰是他们的慢歌流传最广。其中有两首最为著名，一首是《WILD WORLD》一首是《TO BE WITH YOU 》。尽管他们解散的消息时有时无，但人们一听到这旋律就好像一下子回到了他们的音乐世界里。
推荐歌曲：To be with you（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-17 12:12

83.House（歌剧）
        歌剧是由80年代早期的post-disco舞曲俱乐部文化发展而来的。再disco变得流行之后，中心市区的DJ---特别是那些在同性恋团体里的---改变这种音乐使得它带有更少的流行导向。这种节奏变得更机械了并且贝斯凹槽更深了，当electronic sunth pop, Latin soul, dub reggae, rap和jazz这些基础都被接入这种音乐恒久的4/4节拍。通常这种音乐都是纯音乐的，即使有歌手，也是些不露面的以哼唱为主的歌剧首席女主角。在80年代末期，歌剧已经从地下俱乐部爆发出来，如芝加哥，纽约和伦敦，并且已经开始对流行领域制造了袭击，特别是在英格兰和欧洲，除了后来在美国的躲藏在歌手如C+C Music Factory和Madonna伪装下的。在同一时期，歌剧在侵占着流行乐坛，它逐步的分为了一些流派，包括hip-house, ambient house和最引人注目的acid house。在90年代，歌剧因为cutting-edge音乐而终了了，但它仍在遍及欧洲和美洲的俱乐部里面流行。在这10年的末期，一个改革歌剧乐手如Daft Punk, Basement Jaxx和House of 909的***潮出现了，通过被赞赏的全程工作来把音乐带回了有鉴赏价值的地位。  

具有该风格的乐队/艺人名单：

Amici


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        有着极帅面容、惊人的音色、无限的抱负,自从1990年三个男高音被搬上世界杯世界舞台上之后，阿米西乐队已成为当今古典音乐界广泛关注的现象。阿米西乐队已在多次规格高的演出上征服了听众, 包括在老特拉法德广场面对全世界5亿观众的冠军同盟决赛开幕式, 在英国露天运动场为纪念雪丽·柏西50周年纪念的巡回演出, 在波克夏王子马球场与英国著名的流行乐坛的领军演员为哈里王子所作的演出。阿米西乐队的《永远》显示了森扎·凯丁的风格,乔、塔凯耐、乔夫、尼克和大卫难以置信的，完美的五人合声，简直是另一个引人入胜，鼓舞人心的"无惧无束"版本。阿米西乐队的五个歌手各自都受过训练的惊人的古典音色, 但是, 三个男歌手和二个女歌手也共同创造出了真正令人振奋的音乐。初次登场就位居英国古典歌曲榜第二名-至今已在英国销售了十万张。
推荐歌曲：La Fiamma Sacra (The Sacred Flame)（点击下载）
作者: Raito    时间: 2007-8-17 12:22

84.IDM（IDM）
        智能舞曲这个名词的产生是为了区别90年代的电子音乐，后来它由舞池内部不断向外发展，变成一种在家中客厅里听也很舒适的一种音乐。智能舞曲最终得到了很多负面的公众评价，不仅是在舞曲制作人内部，即使是被排除在圈外的乐迷们也助长了这种疑问：他们制作的这种音乐是不是该叫低能舞曲。这种音乐产生于80年代末期，它把在锐舞与大型俱乐部活动时在舞池的主场上可以听到的硬式边缘舞曲与邻近的较冷清的舞池里拍子更慢的音乐融合到了一起。像 Mixmaster Morris 和 Dr. Alex Paterson 这样的 DJ 们喜欢把芝加哥歌剧、较柔和的合成流行/***潮、以及环境/氛围音乐融合到一起，引发了制作人们从各种不同的素材中获取灵感的浪潮。（那几年排行榜偏向于英国舞曲的倾向越发浓厚，但也有一些 DJ 和制作人们反其向而行之，也做出了一些热门的新单曲，如 Technotronic 的"Pump Up the Jam"，和 Smart Es 的"Sesames Treat"）。Sheffields Warp Records 公司可谓这类音乐中顶尖人物的家，事实上，独具开创性的 Warp 公司一方面自己编辑人工智能，一方面在世界范围内推出了这一流派中六个最优秀的艺人：Aphex Twin, the Orb, Plastikman, Autechre, Black Dog Productions, 和 B12. 其他的一些厂牌 — 如 Rising High, GPR, R&S, Rephlex, Fat Cat, Astralwerks — 也推出了一些有质量的智能舞曲，但是到了90年代中期，大多数为带着耳机听的消费者制作的电子乐出现了分化：一部分转向了更具试验性质的音乐，另一部分则变得更具有鞭鞑的倾向。智能舞曲并没有一个集中的从事商业化经营的地点，相对来讲，北美是一个智能舞曲发展氛围较好的地方，并且90年代末期的时候，有很多资金较雄厚的厂牌开始了商业性经营，包括 Drop Beat, Isophlux, Suction, Schematic, 和 Cytrax. 虽然有过好几次企图给这种风格重新命名的尝试（比如 Warp 公司取的"electronic listening music" 和 Aphex Twin 公司取的 "braindance"），但是事实上，乐迷们还是继续用“智能音乐”来描述他们这种偶尔难以描述的音乐偏好。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Future Sound Of London


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        至少要有两个条件才能塑造一个传奇：过人的才华与神秘的距离。由Garry Cobain和Brian Dougans组成的The Future Sound Of London，不偏不倚地成就了电音领域近15年来最具影响力的传奇之一。80年代末期相遇于曼彻斯特(Manchester)，两人才开始对电子音乐进行探索，相较于Brian对电子音乐的钻研，当时的Garry更注意当时的独立摇滚之声，他们在早期甚至与英伦传奇乐队Stone Roses有过短暂的合作。80年代末期到90年代初期他们两人更频繁以各种不同化名发表风格迥异的电音作品。他们的音乐风格正如其名，是无法预测界定的，他们昨天踏出的每一步都将成为明日的潮流。首次以The Future Sound Of London为名发表首张创作大碟后，马上获得主流厂牌的加盟邀约，离开独立厂牌Jumpin’
推荐歌曲：Papua New Guinea（点击下载）



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