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51.Death Metal/Black Metal（死亡/黑色金属）
        死亡金属由80年代后期的鞭挞金属而来。带着坚硬的歌词和对鞭挞病态的困扰走着极端路线，死亡金属是---就像它的名字所暗示的一样---仅仅是关于死亡，痛苦和受折磨的内容。这些残酷寒冷的歌词被不断喧闹，重型的重复着，这种风格受到很多像Black Sabbath迟缓金属般的影响，Metallica就是典型的代表。死亡金属乐队也同样受了很多70年代艺术摇滚复杂歌曲结构的影响，尽管大部分的这些复杂的歌曲结构是从Metallica那里学来的。死亡金属从没有在大众中产生共鸣，但是对于一些顽固的重金属乐迷来说，Metallica 和Guns N Roses是最优秀的---他们在80年代后期到90年代早期买了数百万的唱片---或者还有流行金属，如Poison。死亡/黑色金属在90年代保持了一小批忠实的乐迷。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Abigor

      在blackmetal蓬勃发展的今天，每个国家都有一支可以说是带头的乐队，象挪威的mayhem，瑞典的dissection等。而在奥地利abigor可以说是奥地利blackmetal的带头人，他们带领了一批具有奥地利风格的blackmetal乐队。abigor成立于1993年，当时乐队是由p.k和t.t.组建的，不久之后rune（就是现在的tharen）加入乐队担任乐队的主唱，很快第一张demo《ash nazgh…》发表于93年的秋天，同年十二月，第二张demo《lux devictaest》发表。94年二月，乐队又制作了一张试听带，而在94年的三月，abigor终于发行了他们最后一张demo《moonrise》，在这张作品发表后，主唱tharen决定离开乐队去干自己想干事。之后，他的位置由silenius代替。silenius在任时，乐队又制作了一张试听带名为《hate&sin》，并且签约于奥地利的唱片公司napalm records。94年六月，乐队终于推出了第一张正式专辑《verwuestung/invoke the dark age》，专辑一发表，这支年青的乐队就以他们惊人的创造力和烈火般的作品被人们推为blackmetal界的天才。94年十一月，abigor又发表了一张概念专辑《orkblut－the retaliation》，这张专辑讲的是一个勇士的故事，他为了追寻他异教徒的根而最终燃烧了自己的心，专辑中用音乐描写了他起伏的生活，他的感觉和他最后的搏斗。这是在blackmetal专辑中不多见的概念专辑，也是blackmetal中经典的作品...
推荐歌曲：Seberance（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-4 22:27 编辑 ]

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52.Detroit Rock（底特率摇滚）
      在60年代后期到70年代早期这段时间，底特律摇滚并不仅是在底特律内流行，它是在70年代仅崛起的对主流重金属其主要冲击力量的风格，而且为朋克运动打下了坚固的基础。底特律摇滚是简单的，强劲的和过激的；它还是原始的，粗野的，展现一种远离优雅的姿态。底特律摇滚的根基实际上是延伸于两个邻近的城市：the industrial Flint和the college town of Ann Arbor，尽管它最重要的舞台是在底特律本身。最早的底特律摇滚包括了像Amboy Dukes和the Mysterians的迷魂气息车库乐队，还有像the Rationals和Mitch Ryders Detroit Wheels重金属蓝调的灵魂乐队，他们都是主要受早期R & B和摇滚（Chuck Berry, Little Richard等）影响的乐队。底特律摇滚真正的大跨步的前进，然而，通过the Stooges 和the MC5这两个在1969年初次发行唱片就造成大轰动并且在70年代早期一直持续唱片辉煌的原始朋克乐队的巨大影响。在商业价值上，底特律摇滚有着他们不可比拟的优越性。当Cub Kodas Brownsville Station用经典的专辑”Smpkin in the Boys Room”重击了摇滚界，Grand Funk Railroad和早期的Amboy Duke Ted Nugent 都在70年代由于他们是重型摇滚的代表而成为了巨星。Alice Cooper，玩底特律音乐出身的，在Arizona 和Los Angeles演出，又重回了这个城市并且将他的乐队改进为最伟大的重金属摇滚之一的乐队，当早期的Ann Arbor和车库摇滚Bob Seger在差不多接近十年的唱片辉煌和保持传统摇滚风格后，最终在70年代中期突破自身来成为底特律摇滚的演奏者。而且，底特律为朋克摇滚的产生发展提供了辉煌的帮助并且这也是为什么底特律摇滚如今仍被尊敬的主要原因。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Mc5

      要开创一个新时代,需要一无前的勇气，MC5在六十年代末的出现决不是偶然的，他们代表了新代追求理想的年轻人，朋克也在时开始向死气沉沉的世界注入勃生机.“你闭起眼睛听我们的音乐，会听到地球粉碎的声音”，MC5的成员这样说过。很难想象在十年代末会出现如此激烈而嗜杂音乐，MC5用空前的勇气和单纯的动向世界呐喊看：“Brothers and Sisters,it's time for revolution!”这种能够毁一切的音乐，足以在心灵中重一个理想的新世界。这张Live版专辑最大程度地传递了一种革命冲动，在那一往无前的音乐里，灵魂的呐喊、理想的火焰、死亡的沉迷都爆发出极大的能量，你感到心灵在震颤，生命在极限的边缘开始清晰和明亮...
推荐歌曲：I Can Only Give You Everything（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-5 13:57 编辑 ]

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53.Disco（Disco）
       Disco标志着以舞曲为基础的早期流行音乐的开始。绕开70年代日益繁盛的声音和疯克，disco强调节拍，甚至是歌手和歌曲。Disco是在那些不放任何的音乐除了舞曲的夜总会，discotheque后命名的。大部分在纽约的discotheque都是同性恋的俱乐部，DJ们因此专门挑选强烈节奏，重型风格的疯克唱片来播放。在disco出现后，唱片开始在电台播放，并且有很大的销量。很快，唱片公司和音乐制作者开始削减除了disco以外一切音乐形式的创作。自然的，这些唱片也有很强的流行因素，所以他们可以如此成功。Disco专辑常常不需什么改变---他们屈指可数的长的歌曲只是保持节拍在不停的敲打。同样的，那些单曲被发行为12英寸的唱片形式，有利于延长再混合的时间。DJ们可以混合这些磁轨，只要它们被标记为每分钟节拍的数量，就可以匹配每首歌的拍子。很快，一直以强烈拍子为标志的disco在流行音乐中占有了优势，并且每个乐队都融合了一些disco的成分，从摇滚明星the Rolling Stons和Rod Stewart到流行明星the Bee Gees和***潮乐队如Blondie。一些disco乐队成为了明星---Donna Summer, Chic, the Village People,和KC & the Sunshine Band---自他们创作这些节奏和谱曲以来，都是制作者的音乐中扮演主要的媒介作用。Disco在70年代到80年代逐渐失去了动力，但是它并没有消亡---它变异为了多种的以舞曲为基础的流派，从业余到专业的广泛的舞曲流行。  

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bee Gees

        出生在爱尔兰海曼岛的Bee Gees(比吉斯兄弟)从小便受到音乐的熏陶，父亲Hugh是乐团的团长，母亲Barbara则是位歌手。9岁那时Barry已经开始歌唱并弹奏父亲送给他的吉他，帮他伴奏的是两个6岁的双胞胎兄弟Robin与Maurice。Robin与Barry那独一无二的嗓音成为日后乐团的著名卷标，Maurice则是在吉他、贝斯及键盘等乐器上钻研。在十几岁时，他们随着父母搬至澳洲，以Rattlesnakes为团名在布里斯本的赛马场表演。1966年的《Spicks & Specks》为他们在澳洲得到首张冠军单曲，1967年三人以Bee Gees为团名正式重返英伦。

　　经纪人一职由披头士经理人Brian Epstein的伙伴Robert Stigwood担任，从60年代开始，Bee Gees以旋风之姿风靡了英伦。1967年推出的首张大碟《The Bee Gees First》不但让他们成为榜上常客，其运用文字描绘影像的歌词与让人无法抗拒的旋律，使得歌曲《New York Mining Disaster 1941》、《I Started A Joke》、《Massachusetts》、《Holiday》和《Words》如今依旧是代表那个年代的伟大歌曲。早期的Bee Gees以充满灵魂的音乐为走向，指针作To Love Somebody便是献给Otis Redding这位对Robin唱腔影响极钜的节奏蓝调大师。在专辑呈现上Bee Gees也不落俗套，69年的《Odessa》便是一例，该专辑与The Who的《Tommy》并列为先导概念之作。

　　随着《How Can You Mend A Broken Heart》在70年代初期夺下排行榜的冠军，Bee Gees堂堂迈入他们的辉煌时期。70年代中期，Bee Gees转向他们称之为“蓝眼灵魂乐”的音乐风格，以假音唱腔搭配富旋律的曲调与肥厚的贝斯声线，俨然成为新式的R&B风潮。对于他们来说，放克的增添使得他们对节奏蓝调的热情再次苏醒。《Main Course》这张由Arif Mardin打造的专辑，其中2支单曲《Jive Talkin'》与《Nights on Broadway》更在97年轰动各大舞池。然而对之后的《Saturday Night Fever》而言，它们只是道开胃前菜，因为这张《Saturday Night Fever(周末的狂热)》电影原声带后来成为70年代最受欢迎的专辑，并开出4000万张的销售狂潮。  

　　接下来的《Spirits Having Flown》奠定了他们“世界最伟大乐团”的地位，在这段光辉岁月里，Bee Gees缔造了两项空前绝后的纪录：乐史上唯一连续创作出6首全美冠军曲的艺人、以及唯一同时拥有5首歌曲在美国单曲榜Top 10的歌手。另一位Gibb家族成员也在70年代末期展露头角，在Barry的庇护下，19岁的Andy Gibb在1978年囊括了三座单曲冠军《I Just Want to Be Your Everything》、《(Love Is) Thicker than Water》及《Shadow Dancing》。

　　Bee Gees在80年代开始各自发展，80年初期Barry与他的制作群大部份时间都在和歌坛巨星如芭芭拉史翠珊的专辑《Guilty》、戴安娜罗丝的《Chain Reaction》、Dionne Warwick的《Heartbreaker》以及肯尼罗杰斯与桃丽芭顿合唱的《Islands in the Stream》合作。这些由Bee Gees创作加上Barry制作的歌曲，最后多数都成为歌手们最具代表的作品，而最佳拍挡Bee Gees自己本身也以UK冠军《You Win Again》再现横扫全球的魅力。90年初Bee Gees在五大洲举办久违的现场演出，紧接着的One Night Only电视特集更在全球造成热烈回响。

　　如今专辑在全球累积销售量已突破1亿张大关的Bee Gees，不仅是唯一在60到90年代都能夺得排行榜冠军的歌手，更是史上最成功的三重唱。《周末的狂热》依旧保有全球最畅销电影原声带的纪录，同时也开创日后以歌曲为导向的电影原声带模式。拥抱过7次葛莱美奖的Bee Gees，也光荣的成为创作名人堂与摇滚名人堂一员，并获全英音乐奖颁授“杰出贡献奖”，表扬他们对音乐的众多贡献。另外，改编翻唱Bee Gees的歌曲高达500多首，其中不少是像芭芭拉史翠珊、超级男孩、天命真女、席琳迪翁、猫王、珍妮丝贾普林、戴安娜罗丝等天王天后级的歌手。  

　　过去这些过人的成就更肯定了Bee Gees 2001年的新专辑《This Is Where I Came In(我的开始在这里)》的音乐性，从《Sacred Trust》的优雅耳语到《Loose Talk Costs Lives》的深远灵魂，再到《Deja Vu与Embrace》的浪漫激情，除了音乐本质其它都无需在乎。对于在流行音乐界有着举足轻重地位的Bee Gees而言，能在数十年后依旧受到欢迎与尊重的确是件很棒的事，而《This Is Where I Came In》也再次证明了Bee Gees的音乐有着跨越时代的魅力。  

　　Bee Gees保留昔日传奇性的信念，同时持续探索着从未接触的领域。一段段令人难忘的旋律随着空心吉他缓缓流泻，尾随而来的是由三个不同特质音色所组成的合声，真实地呈现出他们对过去这40年来所发生的一切感受。
推荐歌曲：first of may The Your Song 2（点击下载）

Raito

54.Doom Metal（厄运金属）
        从缓慢的哀悼曲和偏执黑暗的Black Sabbath中得到了灵感，厄运金属正是少数那些抛开浮华的技巧来表达感情的重金属流派（尽管浮华的表现手法是流行的）。正如它比大多数金属更多地描写安息日，厄运金属非常的缓慢，沉重和颓靡，阴沉的情绪几乎不能离开；它稳重的节拍和黑暗的吉他声代表着一种对厄运迫近感觉的唤起。在80年代中期这场运动显露了它的面貌，像地下乐队the SST标志的Saint Vitus，批评欢呼的Trouble和以他们非潮流的风格吸引听众的Swedens Candlemass, 安息日是众多乐队乐于描写的主题。在90年代，Trouble和Cathedral将厄运金属带入了更宽广的金属听众中，很快，拥有不同品位的听众被代表黑暗的厄运金属所吸引。厄运金属是90年代众多在减速迷幻stone metal运动中被格式化影响的风格之一，对于乐队来说它并不是很难找到可取成分的。另一个在90年代厄运金属中有一定程度上压力是---像Paradise Lost, My Dying Bride, Anathema这样的英国乐队先驱---把Sabbath在声音上沉重的覆盖了哥特金属的敏感性，在偶尔的加上死亡金属的成分；结果是悲伤和笼罩着阴沉气氛的感觉。90年代在新奥尔良还诞生了独特的厄运金属：像Crowbar和Eyehategod的那种常爱描述”sludge metal”形式的乐队，因为他们沿袭了像the Melvins和Soundgarden般早期的西雅图车库。个别的厄运金属乐队有一体化的前进的趋势，尽管这种现象并不是普遍。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Anathema

        Anathema可以说是90年代最受低估的乐队了。刚起步时没人会知道你被低估了，因为那个时候你已经被低估了，有时候会那些有才华的人们会备感折磨。这些话绝不是自夸自大，而这种情况也确实是Anathema的负担。乐队的诞生、孕育和成长都深深刻有利物浦的风范，乐队的这四个成员同时也是四个好朋友（其中两个是弟兄）对于Anathema传奇性的开端很是感到骄傲。

然而到1999年6月Anathema发行他们的第五张专辑“Judgement”——这绝对这10年里是一张定义同类音乐风格的专辑！Judgement录制于意大利 Ventimiglia的Damage公司录音棚，Kit Woolven（Thin Lizzy和Cradle Of Filth）担当了制作人，Anathema花了足足3个月录制完成了他们的这张杰作。在专辑制作完成以前已有消息说这张专辑中将会有非常特别的东西，而Anathema录音期间在意大利做的一些演出正暗示了这点。

“Judgement”最终在1999年6月21日浮出水面，马上受到广大歌迷和评论的一致喝彩，专辑被公认为神圣崇高而富有启示意义，同时全球有20多家杂志将“Judgement”评为月度最佳专辑，凡是自称为摇滚乐迷的人会引用这张专辑来提及这支极端金属的最前沿乐队Anathema。

当这三个人——Vinnie,Danny和Jamie Cavanagh玩弄着一两把又老又破的原声吉他的时候，几乎没人会想象出他们能达到什么地步。但就在一年之后他们第一张小样“An Iliad Of Woes”完成了，1990年时便在地下音乐圈里广为流传，在如此早的阶段就有人认为Anathema相当出色而且前途无量，但没有人会预测到乐队将来到底会取得如何的成就。

第二年乐队又继续出了第二张小样“All Faith Is Lost”，同年乐队也以官方形式发行了第一张唱片——一张由Witchhunt唱片发行的7"EP，名为“They Die”。凭借着这几张唱片的实力，Peaceville签下了Anathema，不久后边发行了“The Crestfallen”，一张为歌迷焦急等待的单曲碟。然而唱片却没有让让歌迷们失望，歌迷们还给予了“The Crestfallen”任何唱片发行都无法得到的赞誉。到了这个时候Anathema那独特的风格已日趋成熟，并在乐队的第一张专辑“Serenades”中得到了集中体现。这张专辑发行不久后又是一张名为“Pentecost III”的mini-CD，唱片的风格类似于乐队的第一张专辑，也体现了乐队非凡的创作能力。

紧接着这张唱片是乐队的第二张专辑“The Silent Enigma”，主唱Darren White在录制进行到一半时离开了乐队。为了完成这张专辑吉他手Vincent Cavanagh顶替了主唱位置，而Anathema也尽可能完成专辑的录制工作。结果这张专辑还是一张出色的作品，并体现着Anathema音乐自然而然的进步，而所剔除的是含糊的合作方式以及旧的歌曲结构，同时专辑展现了更多简明的金属交响曲，却没有失去诗篇般的独特魅力，专辑里还包括乐队演唱会时令人激动欢心的压轴曲目“A Dying Wish”。现在人们已开始认识到这个来自利物浦的年轻乐队迟早有一天将成为一个伟大的音乐组合。

Anathema的下一张专辑“Eternity”然而也是乐队对自己音乐做的最大一次的改动，但“Eternity”至少也是如史诗般一样的作品。专辑的时间正好是1个小时（不包括extra tracks），一共12首关于爱情及死亡的悲惨痛苦的歌曲，其中还有一曲Pink Floyd的“Hope”（Dave Gilmour做主唱时的Pink Floyd）翻唱。Vincent依然担当主唱一职，而且不象前些专辑中几近咆哮般的嗓音，Vincent用一种更为成熟更有技巧的方式表现自己的嗓音，在Anathema感情低调的音乐中衬显着Vincent庄严的声音，乐队深厚功底更增强着古典音乐元素的底蕴——这种音乐随后取得了良好的回响。

接下来的两张专辑里Anathema体现了一种完全不同的风格,在原先音乐的基础上做了果断而重大的调整。“Alternative 4”是乐队第四张专辑，但仍会象他们第一张专辑一样给人以全新的感觉，Anathema面目一新的音乐再次博得广泛的喝彩，而“Alternative 4”也成为乐队历史上一张比较杰出的专辑。尽管音乐中加入大量传统摇滚乐元素，但仍如前几张专辑一样保持着自己阴暗的一面，再加上简洁的专辑制作还有Vincent出色的主唱表现，“Alternative 4”无疑是乐队最精练的一张作品，这也是贝斯手Duncan Patterson最后一次为Anathema录制的专辑。

1999年乐队发生了一系列变化，加盟Music For Nations并还找来了新的贝斯手Dave Pybus，以及原来的John Douglas做鼓手，随后乐队去意大利录制了“Judgement”。Anathema原先几张唱片销量都很好，但乐迷们知道乐队最经典、最具代表性的专辑还没有出世。而到了新千年，即乐队10周年的前一年，这种等待总算结束了。

键盘手Les Smith（Les Smith在乐队为专辑“Eternity”做的巡演上就曾出过一份力）在2001年加入了乐队，并且参与了创作的工作，Les的成果在专辑中有着鲜明的体现，他也在录制专辑期间担当了工程师助手。Anathema的第六张专辑“A Fine Day to Exit”发行于10月1日，这张“A Fine Day to Exit”由Nick Griffith（Cast,Mansun,Pink Floyd）出任制作人，乐队用2001年的整个夏季最终在Chapel的Windings录音室完成了录制工作。“A Fine Day to Exit”再次说明了乐队有能力探索新的音乐疆界，同时又不失原先音乐中的梦幻氛围以及感情标准。专辑一经发行便取得了热烈的反响，并被认为是Anathema迄今以来最为出色的作品。在完成录制后不久的7月，Dave Pybus由于一些个人原因和音乐上的意见不合而决定离开乐队，同时George Roberts为乐队巡演担当了临时贝斯手，但Anathema仍在寻找下一位永久贝斯手。

Anathema依靠去做每一位艺人都应该能够做到的事情——写出好的作品——而达到了自己的目标。现在Anathema开始全球巡演只是时间问题了，因为这是乐队现在应该去做的。
推荐歌曲Scars of the old Stream（点击下载）

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55.Dream Pop（梦幻流行）
        梦幻流行是另类金属的一个流派，它依音速处理音乐质地来表达悦耳的音调。梦幻流行尝使用气声和充满回音的吉他效果和电子合成器来加以处理效果的。尽管the Cocteau Twins通过他们模糊的声音和颓靡的音景常被看作是梦幻流行的领导者，但是这个流派在形式上还有比缓慢电子结构更为多的的差异。梦幻流行也包含Galaxie 500的the post-Velvet Underground 吉他摇滚，以及My Bloody Valentine的loud, shimmering feedback。他们都因依音速处理音乐质地，表演手法与唱腔的相同形式而归为一类。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Acetone

        头一次接触这支乐队，是在一个下雨的冬夜，在土豆家翻他们的杂乱无比的CD册，看见一张没有封皮、土黄色的打口——ACETONE？没听说过，可上面那 Vernon Yard 唱片公司的狼头标志（还是狗头？） 吸引了我，记得我最初买LOW的打口磁带的时候，那老板（也许是我见识过的最好的卖打口的了）就告诉我 Vernon Yard 这唱片公司不错。于是，在寒冷幽暗之中，偌大的房间里响起了清醇的 Folk +Blues 的 ACETONE，我坐在土豆的沙滩椅上，感觉到淳朴而清新的空气在流动，仿佛回到了“如果你是朝露，我愿是那小草，如果你是那片云，我愿是那小雨”这样的校园民谣流行的八十年代。
现时的唱片工业是如此发达，音乐的分类也越来越复杂，听众的口味不断改变，今天流行“另类”，明天时兴“电子”，不少乐队有意地使自己的作品打上种种特定的烙印，以迎合听众的需要。而来自洛杉矶的 ACETONE 则是一支不迎合潮流口味的乐队，他们只凭自己的对音乐的个人喜好而创作。
1987年，乐队的三名成员走到了一起，主唱/贝司手：Richie Lee，当时在加州一所艺术学校学习油画；吉他手：Mark Lightcap，同一所学校的作曲系学生兼大号手；鼓手：Steve Hadley，是 Lee 在中学时认识的。他们只是出于对音乐的爱好，聚在一起自娱自乐地演奏和创作，在这样的轻松随便的过程中渐渐地加深了对彼此的个性和音乐口味的了解。同时，随着他们的音乐理念和技巧的成熟，也渐渐地形成了自己的音乐风格。一切都顺其自然，随心所欲，他们从不把自己固定在一个音乐模式中。就这样，ACETONE，以其亲切而容易引起共鸣的音乐，默默地抵抗着繁杂而无意义的音乐分类。Lee解释说：“语言使你的作品带有某种特色，人们大概就凭这个将你的音乐归到某个分类中去。可是，艺术是跟语言无关的，而是利用语言来达到更高的境界。假如你的音乐已被定性为某一类，听众就会想，‘哦，这种类型的音乐就是这样的啊。’如此一来，音乐就不再是一种体验了。其实这些分类跟音乐本身一点关系都没有。”Lee的这番话，或多或少流露出他的视觉艺术家的气质。
ACETONE 的首张专辑，《Cindy》，发行于1993年，包含了朗朗上口的流行调子、车库摇滚、地下丝绒式的粗糙失真轰鸣，显示了乐队音乐风格的多样化。而1994年发行的 EP，《 I Guess I Would》，则转向乡村摇滚风格，总共七首歌，翻唱了The Flying Burrito rothers乐队、John Prine、Johnny Horton等乡谣前辈的作品。1996年，乐队的第二张专辑，《 If You Only Knew》，更充分体现了乐队的渐趋成熟、生动丰富的音乐技巧，整张专辑就是非常自然的个人情感流露。
从1997年发行的第三张专辑《Acetone》起，ACETONE 转投到 Vapor唱片公司旗下。这是该乐队全情投入创作出的又一颗结晶，延续了乐队一贯坚持的不断向前发展、不断重新自我定向的努力。主唱 Lee 说：“我们就好象建筑工人一样，先把房子的各个部分砌好，完了再把它们拼到一起，从而完成整座房屋的架构。在这张专辑里，我们更强调现场录音。”在录音过程中，尽量使一切保持简洁，结果却使《Acetone》获得了既纯净又不失多元化的出色效果。在<All The Time>一曲中，展现了扑朔迷离的画面，正如 Lee 唱道：“What I'm saying / How I wish it were clear.” 另一首歌，<Shobud>，ACETONE 把 Twin Peaks 式的抽象布鲁斯融入歌曲中，创造出神秘的和音。而<All You Know>听起来显得懒洋洋、无精打采的，展现了生活的另一面。ACETONE 的音乐，混合着草根布鲁斯和弦，生动圆润的音色，内省而诚挚的歌词，自然地散发着美的光泽，为乐队赢得了同行们的尊敬，例如 Garbage，The Verve，Oasis，Mazzy Star等乐队，都曾邀请ACETONE 一起巡回演出。
在 ACETONE 看来，音符、旋律、歌词、和声应该在不受限制的空间中和谐地碰撞。他们的音乐，是在对音乐本身的思辩的追求中不断成熟的。有一点在他们看来至关重要，那就是，摇滚乐主要地是一种体验.这也许值得我们这些听音乐的人借鉴。
推荐歌曲Germs（点击下载）

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56.East Coast Rap（东海岸说唱）
        在 hip-hop 时代到来之前，几乎所有的说唱都是东海岸说唱。说唱界最著名的早期艺人都是在纽约市发展起来的，例如一些旧学院派的传奇式人物：DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, the Sugarhill Gang, Kurtis Blow, 以及 Run-D.M.C. 80年代的时候，说唱艺术有了进一步的发展，形式更加多样，并从纽约扩散到了更多其它的地区；然而东海岸说唱在80年代的大部分时候，都占着主流的位置。尽管东海岸说唱在音乐上并不完全一致，但到80年代中后期的时候，他们都越发趋向于使用激进的鼓点和对取样进行拼贴，并且很多MC都具有高超的作词本领。换句话说，虽然有一些例外，但东岸说唱逐渐成为了一种更具有可听性的音乐形式而不仅仅适用于舞池；它变得越发精细和复杂，并作为一种值得尊敬的艺术形式成为了一个新的流派。东海岸说唱黄金时期的典型艺人包括 Eric B. & Rakim 和 Boogie Down Productions ，他们都有比 EPMD 和 Public Enemy 更强烈的击打式的声音，同时也具有建立在旧学院派基础上的高超的作词技巧。同样以东海岸说唱为基础的还有 Native Tongues ,这是由 Afrika Bambaataa 发起的一个以黑人歌手为中心的向上的组合；还有 De La Soul, A Tribe Called Quest, the Jungle Brothers 以及大部分对80年代后期 hip-hop 形成具有重要影响的纽约乐队，他们都更多的属于一种折衷的音乐形式，而不是某个既成的音乐流派。1989年时 N.W.A.发行了专辑 Straight Outta Compton ，从此西海岸说唱在它研磨的唱腔与市井的内容之上又加入了更强硬的嗓音，再加上它保持了其原有的作为聚会音乐的基本功能，这一切都使它在90年代成为 hip-hop 的主要力量。另外，南方说唱的兴起也使得东海岸说唱无法再保有其原先的音乐地位，但它也没有在90年代完全消失。除了 Puff Daddy 着 Bad Boy 的招牌占据了极其有利的地势并在流行乐坛也极负盛名以外，东海岸说唱还影响了一批风格各异且获得高度评价的艺人，包括词作鉴赏家 Nas、电子化的 Fugees and Roots、以及受其影响极深的硬核组合 Wu-Tang Clan.

具有该风格的乐队/艺人名单：

Jay-Z

      Jay-Z自从1996年出道以来迅速的就成为了整个东海岸说唱的统帅级人物，他不仅是一位最顶尖的说唱歌手同时还是最出色的音乐制作人之一，在流行音乐界拥有很高的地位。除此以外，Jay-Z所经营的Roc-A-Fella唱片公司，在整个黑人音乐市场中也是商业成绩最突出的厂牌之一，对于整个说唱音乐的市场有着非常重要的影响力。Jay-Z的每一张专辑销量都超过白金，而在进入新世纪以后，随着音乐上不断的取得新成就，以及音乐影响力的增强，Jay-Z的触角也从说唱音乐本身渐渐移向其他音乐上，比如加大与东海岸以外的南方说唱和西海岸说唱之间的合作以及在R&B音乐的制作等方面，为推动说唱音乐以及整个流行音乐都做出了不小的贡献。 Jay-Z原名Shawn Carter，又名Sean Carter，于1970年12月4日出生在美国纽约的布鲁克林区，和在这里出生的其他说唱歌星一样，Shawn Carter的父亲在他很小的时候就离开了他和他的母亲Gloria Carter，这段艰苦的岁月是Shawn Carter印象最为深刻的。少年的Shawn Carter独自撑起了他和母亲的生活，不久他就成了街头一名普通的黑人说唱歌手，最初的时候他为自己取了一个源自爵士乐的名字“Jazzy”，不久之后简化为Jay-Z。当一名说唱歌手并不能挣足够的钱，为了生存，Jay-Z还必须和那里其他的年轻人一样从事一些并不光明的行为，不过更多的时候Jay-Z还是靠在一些小录音室自己录制一些磁带然后拿出去卖来赚钱糊口。在Jay-Z的说唱才华渐渐被附近的人所了解之后，Jay-Z开始在当地一些小的说唱组合和一些歌手那里打短工，在这里他有机会接触到说唱音乐的制作等工作，而这些唱片录制工业也激起了Jay-Z的野心，Jay-Z并没有像其他歌手一样和大的唱片公司签约，而是和两个朋友Damon Dash和Kareem "Biggs" Burke一起创办了Roc-A-Fella唱片公司，他把自己的唱片公司依附于Def Jam公司(当时还叫做Priority Records)的旗下，并且开始制作和发行音乐专辑。 1996年，Jay-Z录制并发行了自己的第一张个人专辑，同时也是Roc-A-Fella唱片公司的第一张专辑《Reasonable Doubt》，这张发行自东西海岸说唱音乐争斗最残酷时期的帮匪说唱专辑非常令人惊奇，多首单曲成为排行榜主打，到了如今他也被公认是Jay-Z在上个世纪最杰出的专辑，同时也成为了帮匪说唱专辑的经典作品。《Reasonable Doubt》的初获成功也为Jay-Z的下一张专辑以及Roc-A-Fella唱片公司的发展开了一个好头。1997年，Jay-Z的第二张专辑《In My Lifetime, Vol. 1》发行，富有商业头脑的Jay-Z在这张专辑中为了吸引更多的听众以及扩大他的知名度和唱片公司的影响力，把专辑的音乐风格从偏激的帮匪说唱转变为了更加易于各方面听众接受的流行说唱，同时在专辑中邀请了包括吹牛老爹Sean "Puffy" Combs在内的多位大牌歌星助阵，而这些措施效果显著，不仅拥有多首单曲打榜，而且这张专辑的销量也迅速超过了《Reasonable Doubt》，杀进了Billboard 200排行榜的前三名，Jay-Z已经成为了一名一流的说唱歌星。 1998年9月29日，Jay-Z的第三张个人专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》正式发行，这张纯粹的流行音乐专辑的14首单曲中近半数成为排行榜热门，其中的一些在现在已经成为了Jay-Z的标志性作品，比如《Hard Knock Life (Ghetto Anthem)》，Jay-Z借此更进一步的扩大了自己的领地，同时这张专辑也在发行后成为了Billboard 200排行榜的冠军，这也是Jay-Z第一张冠军专辑，已经完全转变成为了流行说唱歌手的Jay-Z在1998年度第41届格莱美颁奖典礼上获得了到目前为止他个人唯一的一尊格莱美奖杯，专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》获得了年度最佳说唱专辑大奖(Best Rap Album)，Jay-Z成为了被各方面都认可的最顶尖的说唱明星。 1999年，Jay-Z发行了第四张个人专辑，这张专辑是依旧讲述自己的故事的《Vol. 3: Life and Times of S. Carter》。此时的Jay-Z已经普遍的采用和其他歌星合作演唱的方式来表演歌曲，这张专辑中几乎每一首歌都是由Jay-Z和其他歌星共同演唱的，在商业上也依旧保持着自己的辉煌，而这种大面积和其他歌星合作的做法也使Roc-A-Fella唱片公司渐渐成为了说唱工业的一个重要的组成部分。2000年，Jay-Z发行了第五张个人专辑《Dynasty Roc la Familia》，除了唱片本身依旧保持着很高的商业成绩以外，已经在业界名声鹊起的Roc-A-Fella唱片公司开始在这张专辑中逐渐的推出自己公司的一些新人来和Jay-Z一起演唱歌曲。也许是因为确实缺乏大牌歌星的加盟，因此在销量上比以往出现了一些下降。不过在这张专辑里，Jay-Z开始和一些超级音乐制作人展开合作，比如大名鼎鼎的the Neptunes和Kayne West等，这在一定程度上也为Jay-Z在制作人方向的发展期了一定的推动作用。 2001年9月18日，Jay-Z在新世纪最优秀的专辑《The Blueprint》正式发行，这张专辑中颇有些令人以外的没有邀请大牌的明星参与演唱，只是和Eminem一起演唱了《Renagade》，这张专辑也成为了自首张专辑《Reasonable Doubt》之后，最为Jay-Z个人化的作品，因此也被认为是Jay-Z自《Reasonable Doubt》之后最经典的专辑。巨大的销量和影响以及专辑中的多首优秀单曲使这张专辑更强有力的巩固了Jay-Z在说唱乐坛的地位，Jay-Z与吹牛老爹Sean "Puffy" Combs等人一起成为了说唱工业的代表性人物。
但是这张专辑中的一些单曲引起了些麻烦，由于在此前演唱会中Jay-Z利用一些单曲进行了针对其他歌手的讽刺而引起了旷日持久的口水战，并且一直延续到了专辑发行之后的很长时间。但是在这之后Jay-Z又开始了和其他歌手的合作，他首先与the Roots合作在2001年稍晚的时候发行了MTV台的不插电现场专辑《Unplugged》又与另一名说唱歌星R. Kelly在2002年联合发行了专辑《Best of Both Worlds》。 2002年，Jay-Z发行了与其他明星合作的双CD专辑《The Blueprint? The Gift & the Curse》，以及在2003年上半年发行这张专辑的单CD版本《Blueprint 2.1》虽然这两张专辑作为2001年的《The Blueprint》的续集作品在商业上依旧是相当的火爆，并且在其中仍然包括了相当大量的明星，但是在歌迷和评论家眼中他们却都没有达到《The Blueprint》的高度。2003年11月14日，Jay-Z发行了号称是最后一张专辑的第十张专辑《The Black Album》。 说这张专辑是Jay-Z音乐生涯的最后一张个人专辑你信么？可是唱片宣传的时候确实是这么说的，但是不论怎样，这样的噱头让这张专辑在发行短短四天之后就卖出了46万3千张，成为了Jay-Z的第六张冠军专辑，这一销量甚至比他的经典专辑《The Blueprint》在2001年9月份的成绩还要高出一点，不过对于Jay-Z这样的说唱歌手来说，即便没有这样的宣传也照样会卖出这样的成绩出来。 假如这真是Jay-Z的最后一张专辑的话，那么对于歌迷来说也完全没有什么遗憾了，因为这的确是一张非常出色的专辑。在这张专辑中，Jay-Z没有邀请任何其他歌手与他合作，所以，从专辑的制作角度来讲，这张专辑比《The Blueprint》甚至还要能体现出Jay-Z的个人风格。虽然没有大牌歌星合唱，但是却拥有超豪华的制作阵容，单曲的几名制作人分别是Timbaland，Eminem，The Neptunes，Kanye West，Just Blaze这些声名显赫的金牌制作人。 音乐方面，整张专辑都营造出了告别的氛围，《December 4th》是Jay-Z献给他的母亲的歌曲，把这首深情的单曲作为专辑的第一支单曲，不免会让人有所联想，这可能的确是Jay-Z的告别专辑了，而更让人体会深刻的则是在《Moment of Clarity》中，Jay-Z居然回忆了他的父亲，并且在单曲最后还表示出了原谅已经去世的父亲的想法，这足以让人深陷到这张专辑的告别氛围中去，值得一提的是《Moment of Clarity》的制作人和混音是和Jay-Z有着相似经历的Eminem。整张专辑的最后一首歌名字是“My 1st Song(我的第一首歌)”，看到他就会让人莫名的产生出一中离别时的伤感。这张专辑也许不是Jay-Z最经典的专辑，但也绝对是前三位的，以这张专辑作为Jay-Z的谢幕大作也足以答谢歌迷了，不过可能绝大多数的歌迷都在等待Jay-Z的加演曲目。
推荐歌曲：dead presidents ii （点击下载）

Raito

57.Electronica（电子）
        一个合适的模糊术语用来形容电子舞曲很快转向了听从而代替了严格意义上的跳舞的新新事物便是电子，它最初是被用于形容一系列像Juan Atkins 和Underground Resistance 那样在欧洲艺术家旁，已经获得了很多来自Motor Citys未来派对技术上的预见的编辑聚集于新颖音乐材料的人。这个词的概念随后被来自美国的压力所调整，在美国，对于任何一个年轻的乐手来说使用电子乐器或是设备都是轻而易举的事情，除此之外电子还描述以技术为基础的音乐，它们可适用于在家庭内听也同样适用于舞池（自从许多电子乐手兼当俱乐部的DJs）

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire

见15楼

Raito

58.Ethnic Fusion（Ethnic Fusion）
       Ethnic Fusion没有被world fusion（综合了爵士和世界音乐）或是worldbeat（可能起源于任何一组世界音乐，经常被西方流行所影响）。取而代替的是，Ethnic Fusion一般来说起源于新时代音乐的声音和观点，试图把传统Ethnic Folk音乐合并进入当代的电子音乐。常常，虽然不是始终，它的目标是在Western技术中和更多强调自然与人性为导向的文化中去寻找创造协调的融合的方法。如Tony Scott和Don Cherry这样的爵士乐手是最早将世界音乐带有Western形式的人之一，并且如Terry Riley和Philip Glass这样最低纲领主义者的作曲家有时会利用non—Western的结构。这些试验形成了早期的Ethnic Fusion，最显著的是Jon Hassell的音乐，他帮助在70年代末期和80年代早期通过他的独立工作和与氛围先驱Brian Eno的协作工作共同建立这种风格。很快，Ethnic Fusion就成为了同时代喜欢刺激玩乐器人们的宠儿，他们在新的节奏或non-Western上用它来拓宽他们的声音；其他的人也很自然的加入独特的Ethnci音乐并为它用当代的乐器和新时代的敏感来装饰。后来的音乐家包括了Clanned （凯尔特乡村音乐），Ottmar Liebert（弗拉门科民歌），Kitaro （民间调）和Carlos Nakai（美国本土长笛音乐）。在90年代早期，Ethnic Fusion乐手像Enigma, Dead Can Dance, 和Deep Forest发现了更宽的被介绍了关于混合着夜总会里快速跳舞节拍的听众群，这种音乐形式可以表示任何从中世纪European音乐到关于Afican pygmies的实验领域。但是即使这里有很少商业的突破，Ethnic Fusion仍能在90年代维持一个流行的地位。

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Dead Can Dance  

        英国另类音乐界里为人称道的隐士。这是来自澳洲的双人组乐团，汲收了许多欧陆音乐因子（宗教音乐、古典音乐、民族音乐及现代的摇滚、叛客音乐等），在Bredan Perry及Lisa Gerrard精巧的编排后，呈现了另类乐界新古典主义的第一传人。在他们的音乐中，你可能惊讶地发现诵诗班的后叛客或带有强烈电子节奏的西班牙民俗舞蹈音乐。如果，另类音乐中要找个乐团来定义新古典主义乐派的话，则非Dead Can Dance莫属。
Can Dance的两位成员Brendan Perry和Lisa Gerrard都是爱尔兰後裔，1980年他们在澳洲墨尔本相遇後，共同开发并分享著彼此对音乐、文学和视觉艺术的热爱，第一首作品"Fast Forward"被澳洲的一家小公司收录在一张圣诞节合辑里，算是D.C.D.初试啼声的佳作。1982年，D.C.D.前往伦敦，寻求澳洲市场外的成功机会，经过一年的摸索，终於被4AD相中签约，在隔年3月为他们出版首张同名专辑，纪录D.C.D.成军4年间的心血创作...
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Raito

59.Euro-Pop（欧洲流行）
        欧洲流行这个名词是和故意微弱，无助，平凡创作的流行音乐风格有关联的；正如其名，大部分（虽然不是所有）都是起源于欧洲大陆，尽管偶然也由英国或美国的音乐被这种风格影响。ABBA就是Euro-Pop乐队的代表，假装不费力气，用快活的舞曲节奏和空洞的歌词创作出令人禁不住被吸引的作品。自从歌词不再在是音乐增值的一个重要部分，它便很容易在非英语国家也能很快流行起来；歌曲可以很容易得在更多其它地区市场用本国语言录制避免了损失歌词的细微差别。即使ABBA在70年代成为了世界级的巨星，大部分Euro-Pop仍然仅限于欧洲大陆，特别是法国，意大利，荷兰和瑞典。在接下来的十年，瑞士生产了大多数的Euro-Pop碟但是在英语国家几乎没有销售市场，包括了在80年代的Army and Roxette，90年代的Ace of Base和Robyn。90年代的舞曲流行由像Take That, the Spice Girls和the Backstreet Bouys扮演了复兴的先头部队，他们都从Euro-Pop风格中吸取了很多声音方面的特点，当英语国家的乐手因为它易记的风格经常混合讽刺和大量废话而去模仿。

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Abba

         ABBA是瑞典的流行组合，成立于1973年。成员包括：比约恩·奥瓦尔斯（Bjorn Ulvaeus，1945年4月25日生于哥德堡）、本尼·安德森（Benny Andersson，1946年12月16日生于斯德哥尔摩）、阿格妮莎·福斯克格（Agnetha Faltskog，1950年4月5日生于乔克平）、安妮-弗瑞德·林斯塔德（Anni-Frid Lyngstad，1954年11月15日生于挪威的纳尔维克）。在成立乐队前，安妮和阿格妮莎已是瑞典颇有名气的独唱演员，比约恩属于Hootenanny演唱组，本尼是Hep Stars乐队的成员。后来，本尼和安妮、比约恩和阿格妮莎分别结成夫妻，并用每个人名字的第一个字母组成ABBA乐队...
这个70年代最成功的合唱组来自瑞典。最早应回溯到1966年，当时键盘手兼歌手的Benny Andersson与吉他手兼歌手的Bjorn Ulvaeus组成一个合唱小组。他们开始为Polar Music/Union Songs作曲写歌。这家公司是个出版公司，老板是Stig Andersson，他本人是个多产的词作家，在50年代和60年代十分有名。与此同时，Andersson和Ulvaeus正与他们各自的女友为一些计划而忙碌着：Ulvaeus与歌手Agnetha Faltskog合作演唱了一首后来成为全瑞典冠军的歌曲，"I Was So In Love"(我如此真爱着)，而Andersson和Anni-Frida Lyngstad开始约会。Lyngstad是个爵士歌手，在全国都十分有名。

　　后来，Andersson和Ulvaeus演唱了享誉国际的歌曲"People Need Love"(人们需要爱)，这首歌的背景声就是Faltskog和Lyngstad伴唱的。

　　"ABBA"一词是Stig Andersson提出的，该词代表了4个人的姓名的第一个字母。一曲"Waterloo"（滑铁卢）一曲赢得欧洲电视台大赛的奖励。之后，他们演唱了"S.O.S"，这支歌不仅在美国和英国等说英语的国家一炮打响，而且也在西班牙、德国等国赢得巨大成功，这是他们始料不及的。此外，他们还有"Lay All Your Love On Me"(把你的爱都放在我身上)、"The Winner Takes It All"(赢者称帝)，等等。这些歌有很多在80年代被引入我国，并被广为传唱。《五色谱》就是当时非常走红的磁带，而里面的歌曲大部分都是ABBA乐队的歌曲,重新填上词，唱遍大江南北。然后又有"Mamma Mia"（我的妈妈），"Fernando"(费尔南多)和"Dancing Queen"（舞皇后）。到了1976年，他们已经准备出"精选集"了。

　　1977年，ABBA合唱组新作"Rnowing Me,Know-ing You"（知我知你）和"The Name Of The Game"（游戏名称）占据了各大电台的音乐节目中。

　　1978年，Andersson与Lyngstad结婚，而Ulvaeus和Faltskog早于1971年就结婚了，但几个月后，就又分开了。事实上，ABBA合唱组所演唱的下一专集"Voulez Vous"（请）的歌曲主题中有很多都是描写爱情中的苦痛的。"Super Trouper"（超级巨星）于1980年发行之后，Andersson与Lyngstad也分道扬镳了。1982年，这个4人合唱组正式解散。
推荐歌曲：dancing queen（点击下载）

Raito

60.Experimental(试验音乐)
        是对任何推动现有的音乐边界线和流派定义的一种普遍的分类，像在摇滚，爵士，现代合成或其他的风格。当一个音乐家或作曲家接近一种全异风格的混合物或是合成非正统的，新的，明显独特的成分，这种音乐都可以被分类成试验音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Current 93

        1981年，当黑暗民谣的起源乐队Death In June正要出版他们的《Heaven Street》这张专辑的前夕，作为开创者之一的David Tibet便离开了他们，组建了自己的乐队Current93。这支乐队成为了今后20多年最重要的一支黑暗民谣乐队。在很多乐评里会提到David Tibet受到东南亚和西藏密宗音乐的影响（david tibet出生于东南亚，而且对西藏非常着迷，看他自己改的名字就知道了）。这么说应该没错，不过如果把current93的音乐理解成那种加入了很多亚洲音乐元素的world music或者new age那就错了，那种影响应该说是气质上的，Current93的音乐风格虽然多变，但是内里的神秘主义和异教情结却是始终如一。

早期的Current93应该说是比较重型的乐队，尽管偶有一些比较简单的木吉他作品问世，但是总体上而言，工业噪音/金属/先锋电子等作品占了绝大多数。后期的Current93，也许是厌倦了喧嚣，大部分作品都抛弃了早年的狂躁风格，沉静内敛的作品越来越多，也越来越接近民谣的根源。难得的是在这些作品中竟很难寻到早年的那些音乐的痕迹。也许一些工噪迷会对此失望，不过于我而言，却非常喜欢他们这种轻型化的转变。

说到current93跟我的缘分，其实在我刚刚接触民谣的时候就已经听过，某前辈曾经很严肃的跟我说这是20世纪最棒的乐队，也许对那家伙来说确实是这样，就如同他认为烤馒头是世界上最伟大的食物一般毋庸置疑。

当时他十万分隆重的把current93推荐给我，可是，奈何明月照沟渠，我听了一会实在没法忍受那种半说话半唱歌的怪异唱法，又听说这个乐队很变态的出了近百张专辑/Ep/single，顿时觉得眼前发黑........便把这乐队放在一边。

再后来，某个变态竟然在我常逛的音乐论坛里提供了他们的全集（估计即使不是全集也差不多了...），本着宁可错杀1K不可放过一个的原则，花了好几天才把这些音乐拖到自己的硬盘上，从此，当我没什么新东西要听的时候，便翻出current93来听听。

current93不知道是精力过剩还是太过天才的缘故，作品的风格非常多变，传统民谣、neo-folk、试验电子、哥特、甚至金属都尝试过，像某前辈那样全都喜欢显然是不可能的，我仅仅喜欢他们作品里那些比较柔软安静的部分，不过尽管如此，也很多了（我的hddmp3里放了50多首选出来的自己比较喜欢的current93）

我喜欢的那部分current93非常适合在半梦半醒的时候听，听那家伙在你耳边低语，告诉你死后的世界会是怎么样，或者听他告诉你在某个地方有着那么安静吃草的漂亮小马，还有那些软软的闪着光的星星，还有关于宗教，关于这个世界实际上就是一首没有尽头的哀歌...

也许有些人会说这样的音乐有何意义呢？听current93你得到了什么？我觉得，current93跟爱伦坡的小说一样，充满着形式上的美感。如果你再追问我，让我说“鄂谢府崩溃记”这样的小说有何实际意义，那我也只好说，那根本什么意义都没有，我只是知道对某些人而言，这些无意义的事情对他们很重要就是了^^  
推荐歌曲：soft black stars （点击下载）