Raito

88.Industrial Dance（工业舞曲）
        在80年代，工业舞曲从一种朦胧试验形式到他相当流行，直接适合于对limp-wristed独立音乐，cock rock和重金属不喜爱的增长的观众群。早前因“电子形体舞曲”而著名的乐队，如Front 242, Nitzer Ebb, Skinny Puppy和Ministry获得了重大意义的在俱乐部的唱片播送权。在90年代，工业已经分裂为吉他和电子两种形式，后者经常坚持传统的电子形体音乐。Americas Cleopatra Records以最多工业舞曲表演为特色，包括了Leherstrip, Spahn Ranch和Die Krupps。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Diary of Dreams

        Diary of Dreams最初的成立是作为Adrian Hates的个人旁系乐队，早在80年代末期Diary of Dream就早已成立，但直到1994年乐队才发行了第一张专辑“Cholymelan”，这张专辑在吉他手Alistair Kane的协力帮助下不失为乐队的一张经典之作，为广大歌迷和地下音乐媒体所赞誉。  

然而随着乐队96年发行的第二张专辑“End of Flowers”，Diary of Dream的发展已势不可挡。这张专辑由Adrian自己的品牌Accession唱片发行。专辑“End of Flowers”的发行让Diary of Dreams巩固了自己在歌特/暗潮音乐领域内的地位，其中几首单曲还收录到了随后的几张compilation中。  

然而Adrian和Alistair的脚步却没有从此放缓，一年之后乐队的第三张专辑“Bird Without Wings”又新鲜出炉了。随着一场场的宣传演出，这张专辑的销量也节节判升，同时赢得了更多的赞美，而专辑的设计质量也甚为精良，高清晰度的图片效果，漂亮的衬页及排版，沿袭着“Cholymelan”精美的CD包装风格。从那时起，Diary of Dreams已无疑成为一股不容轻视的力量，Adrian的每张作品都能够成功地一次次超越以前的专辑，乐队的歌迷数量同时也在不断上升，独立媒体对乐队的采访越来越多，好评如潮。  

1998年乐队阵容有所变动，[Os]mium和Christian Berghoff加入了乐队，这为乐队的现场表演水平打下了良好的基础，同时为乐队的音乐和创作注入一股新鲜活力，这无疑也促进了Diary of Dreams第四张专辑在98年初的全新诞生，在这张“Psychoma”中乐队在音乐中结合了更多的电子元素，然而新的音乐元素在富有技巧的表现手法下没有使Diary of Dreams丧失他们原先独特而具有亲和力的声音，同时乐队凭借专辑中富有哲理性的歌词和华丽眩目的歌曲在不断前进发展的历程中又迈出了坚实的一步。  

Diary of Dreams历史的下一幕是专辑“Moments of Bloom”，这一张非常特别的带有“精选”意味的专辑，其中收录着前四张专辑的许多remixed以及remastered版本，还有四首新创作的单曲。  

接着在2000年2月，乐队的第六张专辑“One of 18 Angels”上市了，这激烈的11首单曲再次震撼着那些忠实的歌迷以及许多仍存疑虑的新乐迷们，同时还登上德国另类音乐排行榜。专辑发行后的整个夏季里乐队出席了一系列音乐节和同台表演，而乐队的阵容有了新的调整：Torben Wendt加入乐队成为新的歌手，同时乐队的现场演出也更加独具魅力而吸引人——两位主唱在声音和动作的配合下形成一个完美的整体。  

一年后即2001年的月份，Lil'K加入了乐队，在4月20日的Kopenhagen举行了在Diary of Dreams的首场表演，展现了他激烈而蛮横的吉他技巧。7月份Torben去加拿大短暂停留，而乐队继续由Adrian,Lil'K和[Os]mium参加各种演出。而现在Diary of Dreams正忙于创作他们的第七张全新专辑“Freak Perfume”。
推荐歌曲：Now this is human （点击下载）

Raito

89.ndustrial Metal（工业金属）
        当纯正的工业带着它主要的来自试验音乐和电子舞曲暗示，工业金属使电吉他扭曲的噪音成为了音乐中一个重要的组成部分。一些工业金属乐队让他们的歌曲建立在围绕着金属风格吉他重复段上，当其他的使用更多它能创造出的粗糙刺耳和研磨的质地。另一方面，工业金属一般比起straight-ahead金属来说，带有更多的侵略魄力，由此帮助了这种风格横穿于习惯了以吉他为主的金属和另类音乐的听众。工业金属的歌词也反映了黑暗和标准重金属的侵略性，尽管敏感性通过对朋克和另类摇滚个人意识上的疏远被筛选出来。无论它的愤怒是转向人性内还是表露于社会，工业金属永远表达一种阴冷和受折磨的焦虑的感情，通过它的重击墙壁般的噪音来抒发来自世界边缘的接近绝望的疏远。Ministry是最早的一个在80年代末普及工业金属的乐队，以他们为标志的建筑在重复演奏jackhammer guitar，电子，试验和失真声音上的碾磨；然而，Nine Inch Nails才是在９０年代早期真正把声音带向主流社会的乐队，因为Trent Reznor在谱曲和多层作品上的才能。由于NIN在成功上的激发，许多类似声音在另类广播上突然出现了，在近十年末期，许多流行另类金属乐队将工业金属电子的优秀作品适当的融入到了他们侵略性的混合音乐风格中。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Fear Factory  

        FEAR FACTORY是死亡金属界最早推行创新主义的少数几支乐队之一，其音乐融合了工业噪音、电子采样和节奏以及狂暴、杂乱刺耳的吉他声响，从而创造出复杂多变、阴冷沉重的音乐。毫无疑问，这是一种悲观的、具有逃避倾向的声音，但它恰好表达了高度工业化的现代社会中许多人对生活的感受。猛烈夸张的旋律加上叙事诗般的意境当然会赢得众多的支持者，于是成功显而易见。

“对于我们来说做到这一切都并不容易，”吉他手Dino Cazares回忆说，事实的确如此。乐队成立于1990年的洛杉矶，最初由主唱 Burton C．Bell、吉他手Dino Cazares和鼓手Raymond Herrera组成，其后加入贝司手Andrew Shives。“那时还是艺术摇滚的天下，他们当然不能容忍我们的存在……，我们只能在一些小型的聚会上演出。”但乐手们丝毫不为所动，继续坚持创造属于自己的音乐，并且终于在洛杉矶的Death Metal公司为其发行了两首颇具影响力的单曲之后，与著名的Roadrunner唱片公司签约。1992年，乐队推出首张专辑《Soul Of A New Machine》，它标志着Fear Factory已经成为一支真正的死亡金属乐队，而同年发行的EP《Fear Is The Mind Killer》则更是Fear Factory对其音乐理念的实践和对独立音乐的探索，其后于1995年发行的《Demanufacture》和1997年的EP《Remanufacture》都是这种创新精神的延续，一直到现在的《Obsolete》。

“这是我们所做过的专辑当中最困难的一张，因为我是在塑造一个传奇故事，” Burton说：“这一直是我们唱片的一个主题，我们的观点是让Fear Factory 的故事一直延续下去。”而《Obsolete》将被证明是一个特别的挑战。“我们并不想重复以前自己所做过的事情，” Dino解释说：“这正是许多乐队失败的原因，他们总是一遍遍地重复着自己的过去，而我们总在做一些新的尝试，不断地寻求突破。对 Fear Factory来说，没有所谓的过去，只有更新的音乐。”
推荐歌曲：Desecrate （点击下载）

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90.Instrumental Rock（器乐摇滚）
       在最早期，摇滚强调的是容易的常包含着同样易记歌词的悦耳曲调。然而那不是经常的情形，假如曲调是足够的坚固，那么摇滚乐器就要理解并且开始打击。这种现象最常发生于在摇滚刚出现的十年里面，它在英国入侵之前建立了一种器乐摇滚的黄金时代。这种以打击乐器导向的曲调能够强调管风琴（the Tornados “Telstar”）或是萨克斯管(the Champs “Tequila”)，但是大部分时候它是以吉他为主的，如Duane Eddy的拨弦声，Link Wray内部模糊的音质，Ventures清晰摘取的反应，这些都对许多后来跟随于其后(Eddy 和the Ventures同样获得了相当多的单曲上的成功)的摇滚吉他乐手造成了一个极大的影响。The Ventures尤其受到了发展浪潮音乐的影响，它---除了一些像the Beach Boys 和Jan & Dean的组合---经常有重回音吉他乐器组成。尽管这种快速激情的挑选和中东的衡量有时被浪潮吉他的改革者Dick Dale借用，大部分浪潮音乐是相当简单，保留了它曲调的重点。在英国入侵之后，器乐敲打主要被限制于R & B领域，其中的乐手如Booker T. & the MGs 和萨克斯管手Junior Walker。疯克和disco在７０年代创作了一些乐器打击单曲，并且许多艺术摇滚乐手技术上的艺术鉴别力使它的乐迷珍视器乐的演奏，即使大部分的歌曲是以一个或其他的要点为代表的。这种强调技术上的技巧延续到了８０年代，当受过高等训练的吉他鉴赏家开始在重金属中占有支配地位，甚至开始录制他们的个人专辑。在９０年代，器乐音乐造成了在独立摇滚团体中的复原，在eclectic, avant-garde post-rock团体如Tortoise的领导下，浪潮摇滚复兴运动者如Man or Astro-Man也是一样的。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Tristeza

        Joe Satriani（乔·塞奇尼）1957年7月15日出生于纽约长岛，在他过完14岁生日不久，他心中的英雄吉米·汉德克斯去世了。失掉偶像的乔绝 定退出高足球队拿起吉它。自学三年后，乔在长岛地区小有名气，常能教上别人两手。有一天一个身材瘦小的小孩抱着一把琴和一打琴弦出现在乔·塞奇尼的家门口，向他求教，这小孩就是 后来成为进步摇滚音乐界一代宗师的吉它手——史蒂夫·范（Steve Vai）在日本生活了几年之后，乔·塞奇尼于1978年定居旧金山，并在著名的加州伯克利大学城内的“二手吉他”学校内教吉他。10年之中乔门下高手辈出，戴维·布莱逊、柯克·汉密特、查利· 亨特及艾力克斯·斯柯尼克等著名乐手都曾是 他的弟子。

1979年，乔和鼓手杰夫·加密泰力、贝司手安迪·弥尔顿一起组建了一支流行乐队：“广场”。后来这种能量巨大的三人结构 乐队形式一直伴随着乔的个演艺生涯。1983年圣诞节，乐认休 息的三个星期中，乔以闪电速度注册了自的唱片发行公司“奇 妙音乐”和以她妻子的名字命名的独立制作公司“鲁华娜”。在 推出了一张录有五首纯吉他音乐的EP专辑之后，乐队的另外两位成员开始讥讽他“神经错乱”，并预测他的录音生涯将不了了之。乔不为所动，反而以更大的热情，用5000美金的超低成本，于1985年制作完成首张完整的纯吉他音乐专辑《不属于这个星球》。直至今天，乔仍用“神经错乱”来赞美其他的优秀音乐 家。

尽管《不属于这个星球》没收到什么反响，但经由史蒂夫·范的大力推荐，为乔赢得了一家唱片公司的录音合同。这时乔以巫师般的狂热钻研吉他演奏技巧，风格日渐成熟。1987年的第二张个人专辑《与魔同行》推出不久即达白金并获得葛莱美奖提 名。1988年，乔两度中断自己的巡演，这期间留下的三首现场录音后来被整理成EP专辑《第11号梦》，使乔再获葛莱美提名。

在1989年的专辑《蓝色梦中飞行》中，乔一口气录制了18首曲子，并演唱了其中6首，只要听听其中的《我相信》，就可知乔作为一名歌手也功力不凡。1992年的专辑《极端分子》刚一推出就上了Billboard榜第24名，其中的主打曲目《夏日之歌》后来 被索尼唱片公司用作纪念CD问世10周年的特别歌曲。

1993年乔·塞奇尼重磅出击，推出双套专辑《时间机器》。第一张中收录了一批历年积攒的录音棚旧作和海外发行版本；第二张中则是14首现场录音。为《时间机器》而作的巡演场场爆满，被誉为摇滚史上难得一见的奇妙之旅。

1995年乔·塞奇尼推出第七张专辑《乔·塞奇尼》。之后经过一年筹备，由乔·塞奇尼、史蒂夫·范和艾力克约翰逊组成的90年代摇滚乐坛的最强吉他阵容G3乐队开始在北美洲巡演。这场历时24天的吉他盛会使得铁杆摇滚乐迷欣喜若狂。之后G3推出《音乐会实况》专辑和录像带刚一面市就被抢购一空。1997年5月G3远征欧洲，6月又回师北美、吉他巫师的神话在一场场激动人心的吉他演奏中延续。
推荐歌曲Crystal planet（点击下载）

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91.Jazz-Rap（爵士说唱）  
        爵士说唱是一种将早期黑人音乐和当今主流音乐风格融合起来的一种尝试，在如今后者逐渐占据绝对地位的同时，它使得前者重新焕发出光芒。爵士说唱的节奏与hip-hop完全一样，其素材和音乐结构取自于cool jazz（冷爵士），soul jazz（灵魂爵士）和hard hop（硬爵士）。同其他风格的hip-hop相比，爵士说唱更具有一种理性，而且其艺术家在表演时也表现出一种以非洲为中心的政治意识和历史风格。由于有这些理智的特点，因此毫不吃惊的说唱从来没有获得大众的喜爱，但是它不仅仅是这样。在二十世纪九十年代初期，相对于hardcore（硬核）/gangsta所走的道路，爵士说唱把自己设计成正面明确的风格，从而来继承说唱潮流。而由于hip-hop的影响在歌迷中的逐渐扩大，使得它不能认同并接纳带有旧城区敌对情绪的音乐。爵士说唱在诸如大学校园里拥有大量的歌迷，同时它也被一些艺术评论家和另类白种摇滚迷所欣赏。非洲中心说唱组织，一个在纽约建立的自由团体，是爵士说唱最重要的中坚力量。它拥有A Tribe Called Quest,De La Soul和Jungle Brothers等，也有Digable Planets和Gang Starr之类比较著名的早期艺术家。从上世纪九十年代中期到末期，尽管说唱爵士从根本上包含他们本身富有生命力的hip-hop编曲，但由于另类说唱卷入到更宽阔的表现形式上,使得它已经不再是一种独有而单调的音乐形式。

具有该风格的乐队/艺人名单：

US3

        1993年，一支名为US3的爵士乐队，以他们的专辑《传递火炬》（HAND ON THE TORCH）在排行榜上获得了很好的成绩，这张巧妙地融合了街头HIP-HOP舞曲和经典爵士的专辑，成为了其所属的蓝音公司建立以来最畅销的作品，在这张专辑的每首作品中，都有乐队成员基奥夫．威尔金森（GEOFE WILKINSON）从蓝音公司以前经典爵士作品中取样而成的爵士乐曲片段，在兜兜转转了数十年后，爵士乐又成为了舞池热门，所不同的是，当年它是由大乐队在豪华舞厅中不停演奏，现在则是被DJ以打碟的形式反复播放在迪厅中，历史仿佛产生了轮回。

US3的这种音乐，就是酸爵士（ACID HOUSE）。从严格意义上，ACID这个词组并不能被子直译成“酸”，它更带有迷幻和恍惚的意味，在60年代的摇滚乐中，ACID ROCK便是迷幻摇滚，而到80年代，许多迪斯科舞厅开始流行一种叫ACID HOUSE的舞曲音乐，这种音乐漂浮恍惚，让人昏昏欲舞，显然其是受到了药品的作用，许多DJ很喜欢玩这种音乐。

同时，DJ也着迷于美国街头的黑人舞蹈，也就是我们熟悉的HIP-HOP，当年曾在中国风行一时的霹雳舞，就是早期HIP-HOP舞蹈的一个分支，它强调一种有力的节奏，以疯客和说唱构建自己的音乐。酸爵士就是在ACID HOUSE、HIP-HOP和经典爵士乐的基础上诞生的。
1994年Jazz/Hip-hop Fusion组合Us3以一首"Cantaloop(Flip Fantasia)"成为一大热门，这首歌显示该组合喜爱将Blue Note这个厂牌的经典录音加以采样（该曲原为Herbie Hancock的“Cantaloupe Island”）。组合在1991年于伦敦成立，当时演唱会推广人及爵士乐作曲Geoff Wilkinson遇到Mel Simpson，Mel当时为电视节目和广告jingles写曲。此二人制作了一首独立的单曲，"Where Will We Be in the 21st Century?"，该单曲售出少于250张。

1992年，他们的另一首歌"The Band That Played the Boogie"引起Blue Note的所有人Capitol Records的注意，并给予二人任意采样的自由。两人马上着手工作，聘请了音乐人和说唱歌手Kobie Powell和Rahsaan Kelly，Tukka Yoot后来也加入。其结果就是热门歌曲"Cantaloop"和专辑Hand on the Torch。

该组合去日本及欧洲巡回演唱，在现场表演中逐渐放弃运用采样，并在1993年的Montreux爵士音乐节的演出中获得好评。大多数爵士的出版物对Hand on the Torch不屑置评，但却被日本的Swing Journal评为年度专辑，英国的The Independen也将年度爵士乐手的名衔受于该组合。在推迟了几乎三年后，Us3以"Broadway & 52nd"于1997年重返乐坛，该专辑得到积极的评价但未能产出一首热门主打歌。
推荐歌曲：cantaloop Flip Fantasia（点击下载）

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92.Jazz-Rock（爵士摇滚）
        爵士摇滚可以用来指爵士阵营中最吵闹、最狂野、最电子化的那些乐队，但它更多地被用来形容这个等式中来源于摇滚这一阵营的表演者们。爵士摇滚最早出现在60年代末期，它试图将摇滚所拥有的发自内心的力量与爵士所拥有的音乐复杂性和即兴表演融合起来。由于摇滚通常强调的是直接和简单而不是精湛的技巧，因而大体上可以说，爵士摇滚的来源是60年代末70年代初，那些在追求艺术上最有野心的摇滚亚流派：迷幻剂、前卫摇滚、以及歌手/歌曲作者运动。它融合了爵士乐更老练、更理智的一面，并常在乐器的即席创作中加入人声；此种学派的代表人物包括Joni Mitchell, Van Morrison, 和 Tim Buckle. 尽管如此，大部分爵士摇滚仍是由那些精力更为旺盛的摇滚团体来演奏的。他们中的一些是以即兴演奏为方向的，被他们扩展了的带有摇滚口味的即席创作充分借助了爵士乐中的和声及乐器，代表乐队是Traffic和Santana. 其它一些记录在案的带有爵士风味的R&B或流行乐队还有Blood, Sweat & Tears, Chicago和Steely Dan，他们运用了爵士乐中旋律性强、使用和声、富有节奏等特性，但对于即兴演奏和乐器使用上的技巧却不感兴趣。另外还有一些乐队，他们运用了爵士的复杂性来进一步扩展摇滚的音乐界限，不仅表现在器械技巧方面，还包括创作离奇的、令人深思的、难以预料的音乐作品，比如Frank Zappa和the Soft Machine. 而其中最主要的人物就是Miles Davis，他是自早期的R&B开始觊觎摇滚朴实的力量并对年轻的听众造成一定影响之后的第一个爵士音乐家。从“1970s Bitches Brew”开始，Davis70年代早期的作品 -- 其中大部分灵感来源于Jimi Hendrix 和 Sly & the Family Stone -- 迅速成为爵士摇滚唱片中最疯克、最边缘、最前卫的那部分。尽管像Zappa 和 Steely Dan 这类的人物在整个70年代都一直在灌制爵士摇滚的唱片，但到80年代，这场运动从本质上说已经消散，它的听众也被爵士摇滚其它更为成熟的音乐形式所俘获。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Van Morrison  

        从西元十七世纪开始，北爱尔兰因为种族、文化、宗教、政治与阶级的对立，成为分离主义最为盛行的地区，同时三十多年来，KB攻击与流血冲突更是瀰漫著北爱尔兰地区。然而，在这样动盪的环境里，仍然出现了许多杰出的音乐人，Van Morrison范?莫里生就是其中一位。 俨然是摇磙音乐界传奇的Van Morrison，不但是爱尔兰近代民谣革命运动代表之一及摇磙的精神宗师，他在创作及演唱方面的革命性作风，更已渗及整个西洋乐界近卅年来的发展行径。来自於北爱尔兰首都Belfast贝尔法斯特的Van Morrison范?莫里生，出生於1945年。1963年时，参与北爱尔兰六零年代非常重要的蓝调摇磙乐团─Them乐队，主要负责音乐创作与主唱。 Van Morrison待在Them乐队的3年多的时间，也是Them乐队成绩斐然的辉煌岁月，但就在唱片公司主导乐团的音乐方向日益严重之际，Van Morrison痛苦地决定离开乐团，并且开始了个人的音乐生涯。1967年，Van Morrison发行了他的个人首张专辑「Blowing Your Mind」，这张专辑不但是Van Morrison个人音乐生涯的里程碑，也是整个西洋乐坛最为尊崇的经典专辑之一。脱离了原本调性较软的Them乐队，使得Van Morrison在个人首张专辑「Blowing Your Mind」中获得更大的发挥空间，而他在文学方面的造诣，也得以展现在更多元的曲式中。开场的是一首轻松中带有年轻活力的Brown Eyed Girl，过耳难忘的吉他前奏已是经典中的经典；长达九分多钟的T. B. Sheets，却变成一首老成的蓝调佳作；Spanish Rose转换成流畅的抒情歌曲，到了Who Drove The Red Sports Car又充满了浓浓的灵魂味。Van Morrison如同紧贴著心灵的唱腔，和他多变的创作曲式一样令人嘆为观止。而开场曲「Brown Eyed Girl」，简单轻松的三和弦中带著淡淡拉丁味的曲风、经典的吉他前奏加上Van Morrison独特叙事风格的歌词，让这首歌曲，成为Van Morrison最为人所熟知的作品之一
推荐歌曲：someone like you （点击下载）

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93.Jungle/Drum \'N Bass（舞曲/鼓与贝斯）
        Jungle起源于英国，他是一种出现在二十世纪九十年代早期的基于硬核技术的全新艺术形式。在所有的音乐风格里，它可算得上是最富有节奏的，其特点表现在完全依赖于快速的多节奏和鼓音变化。通常，它在硬核技术里最难的部分，即整个乐器的构成---仅有鼓与贝斯。就象它的名称含义所指示的，它比大多数硬核更明显受到reggae（西印度群岛的节奏很强的流行音乐和舞蹈），dub和R&B的影响---这就是为什么许多评论家宣称这种音乐简直就是黑人歌手创作心血的结晶，同时也使那些沉溺于硬核风格的DJ不得不开始关注它，然而，junggle从来没有放慢脚步来沿袭它以前的旧式风格，恰恰相反，它还在加速。尽管junggle成功的实现了音乐风格的转变，而且goldie1995年的首次演出在当时比起其它形式的音乐手法有了一个更宽广的音乐氛围空间，但是同大多数音乐所体现的风格一样，junggle最早是为一小部分具有献身（前卫）精神的听众而设计的一种单一风格，许多著名的艺术家都将注意力转移到junggle上，把breakbeats同爵士，电影音乐，ambient(氛围)和trip-hop融合在一起从而有更大的创新。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Lamb

        lamb由一队夫妻档组成，妻子Louise Rhodes 和丈夫 Andy Barlow。和许多乐队一样，妻子主要承担VOCAL的角色，而丈夫则主要摆弄一些器材，研究曲式的框架和如何弄出许多有意思的节拍与鼓击来。

Louise Rhodes 绝对不承认自己只是一个简单的vocal角色，她的嗓音特点绝对不是那种所谓的飘渺，而她的特色是多变，在转音和拖音上都常常一波三折。并且由她自己做词自己演绎。

其实lamb的音乐成分占比重更大的应该是Drum&Bass,搞不懂怎么会被归类为trip hop的。难道是女主音Louise Rhodes 鬼魅的唱腔还是其鼓机？可明明是典型的Drum&Bass玩法啊。

评论一则:

　　犹记得初邂逅到Lamb这队来自英国曼彻斯特市的二人组合时，早已对他们为之另眼相看。纵使在那个年头里，传媒与乐迷们只会短视地把他俩视为那群「后Portishead组合」抑或「Drum'n'Bass版本的Portishead」看待。但只要当你深入认识过Lamb的音乐的时候，便会洞悉二人能令人趋之若鹜之处，是所带来的音乐已不独停留着聆听的层面；在聆听之余亦能让人有思考与联想的余地，让人可作象征性的比喻。这才是最难能可贵的音乐艺术。

　　自己曾在两年前把Lamb的两位成员AndyBarlow和LouRhodes比喻为「茫然和苦恼的现代阿当与夏娃」，这是我看过二人的宣传照片与听到他们的首张同名专集时所作的联想。从事时装摄影师出身的Lou，本身已对视觉美学特别讲究。就Lamb在多年来的宣传照片而言，可见他们往往喜欢以大自然作取景，那就彷佛是这对阿当与夏娃在追寻回他们心目中的伊甸园般；然而二人所流露出的懊恼神情，却似是在徘徊于善恶的彼岸下重新面对这个美丽乐园时所泛起的不安情绪；又抑或这根本是反映出他们的避世意图。在背后你可有看到他们的一份自省性吗？

　　Lamb的音乐，往往是流露出一种对生命发出苦恼且惶恐的情绪，正如他们的第二张专集，亦定名为FearOfFours。

　　阴与阳

　　Lou曾以「阴与阳」来比喻过他俩的合作关系（这当然是不独是代表着男女性的分别），到底二人基本上是来自南辕北辙的音乐背景，对音乐把持着截然不同的观念。但Lou和Andy走在一起的时候，这个对比却得以构成Lamb的音乐交合作用所在。

　　我们知道，Lou的母亲是一位嬉皮民歌女唱作人，她自幼已跟随母亲出席夜店与音乐节的演出，兼且受其感染而开始学习唱歌，可以说民歌正是她的音乐根源。后来她爱上了HipHop和骚灵音乐，可是却无意向这方面的歌唱事业发展，所以还是专心在时装摄影的工作。另一边厢，Andy在九岁那年成为了银乐队的鼓手，从而奠定了他对节拍与鼓击的渊缘。后来他远赴美国费城升读高中时，得以对HipHop触发起浓厚兴趣；到了当他返回英伦那阵子又正适逢2ndSummerOfLove的爆发，早年的Techno浪潮亦为他带来了另一次无比的冲击。HipHop与Techno正是他所兼备的两种音乐态度。93年，他来到曼城攻读音响工程的课程，继而于翌年开始在当地从事Engineering与制作Remix的工作，同时他亦有以HipOptimist的名义制作他的HipHopTechno作品，更曾在当时开业不久的Brighton厂牌Skint旗下发表过Anafey这张细碟（Skint的第三张出品）。

　　这本是两个风马牛不相干的故事，又有谁去料到二人会有相遇的一天呢？

　　当遇上夏娃（后现代版）

　　来自不同圈子的Lou和Andy之认识经过并不传奇，双方只是透过朋友的介绍下而遇上。由于那时Lou不甘于摄影工作而希望重投歌手的生涯，但又不想作为那些弹结他唱歌的唱作人，因她明白到音乐已迈进了一个新纪元；而当时Andy又有意在现场演出时找来一位歌手合作。故二人经过几次会面之后，Lamb亦正式在95年成立。合作之初期彼此也经常因意见分歧而出现争辩的情况，但渐渐地却学懂了去尊重对方的迥异之处与个性。这就是Lamb的合作相处之道。

　　结果，当年自己听到Lamb的第一、二张细碟CottonWool和Gold的时候，已把他们视作惊为天人的发现。其实在他们仍未发表首张专集之前，808State已率先找来Lou在其DonSolaris专集里客串主唱一曲Azura（而808State的GrahamMessey亦有在Lamb的唱片里助阵）。

　　Lamb的首张同名专集，是96年度一张不可多得的出品。Andy所设计出带有实验性／机械性的Drum'n'Bass曲式建筑、Lou的哀怨演绎与民歌式曲调、爵士乐式低音大提琴、室乐式管弦乐……这些本是互不相干的素材，却能融会成Lamb的异色音乐世界，交织着人性与机械、感性与自省的交叉点。然而在音乐里所呈现出的哀愁孤独感与黯然的色调，才是其触动心灵之处。

　　三年后的今天，Lamb亦出版了他们的第二张专集FearOfFours。

　　在惶恐下逃避现实

　　FearOfFours仍是一张沉淀着幽暗色调与不寻常气氛的唱片：在其Drum'n'Bass或TripHop骨干底下，其实是一个幽悒的Dark-Pop世界。但原来在这张唱片的制作期间，Lou正怀有身孕。碟内的歌曲，都是她带着大肚皮在Lamb自设的录音室Toyshop里灌录。甚至她更用了当年还在其肚子里的孩子Reuben之心跳声作Sample呢。

　　同样地，这次的作品依旧用上不少有机性的真材实料伴奏，乐手方面除了之前已合作过的低音大提琴手JonThorne、弦乐团TheChainsawSisters外，还有小号手KevinDavy、TheDustJunkys的鼓手MikeyWilson、敲击手CrispinRobinson、Doves的低音结他手JimiGoodwin（此君也是Electronic新碟里的班底）。在音乐质感上，无疑比其同名专集时为更见丰富，音乐层次感更高。

　　唱片由一片神秘虚玄氛围引出的序曲式作品SoftMistake揭开序幕，也交代了这会是一张气氛幽闭而沉重的唱片。之后LittleThings在精湛的Drums'n'Bass曲式底下，Lou所道出是人们对生活琐事之遗忘，其实是对生命的迷失（Weforgetthelittlethings/Weforgettolive）。Lou笔下的歌词里，乃无形中反映着她对人生哲理的观点、道出了生命的谬悟。

　　在Jon的一手低音大提琴的弹奏与Mikey的爵士化鼓击下，令到这次Lamb作品更接近爵士乐轨迹。细碟作B-Line里Lou以妖孽般的嗓音成为歌曲的焦点，她的歌声乃苍白得好比Portishead在第二张大碟时的声音般，还有那达至疯狂状态的结他弹奏亦是功不可抹。新细碟AllInYourHands里Lou一下子变成如BillieHoliday般的爵士歌手功架，当浩瀚的管乐跟TripHop节拍丝丝入扣而来时，感觉是如斯荡气回肠。从她道出的一句"Every secondt a kesan hour / Ican'tsitstill"，那不安的情绪已直指人心。Bonfire在爵士化TripHop节奏用上了巴哈的CelloConcerto作Sample，所泛着的悲怆弦乐不禁令人怀缅起从前的一曲Gorecki。

　　明显地，这次Lamb是试图更强调出其有机性演奏的功架，歌曲的合作性亦较高。纯音乐EarParcel在配乐化的音乐背景与Breakbeat奔驰下，抢尽镜头是那技惊四座的Bassline独奏，何况还接上了TechnoRiff的点缀、Free-Form小号的吹奏，令作品有如剧力万钧而来。Softly以爵士鼓、低音大提琴与Bonga敲击构成的FullBand演奏，听似昔Sade的作品，甚有作为细碟歌的条件。而Here那复杂的节奏部分似是由拉丁节奏与部落音乐所混种而成，高潮所在当然是鼓击独奏响起时。

　　Lamb的作品往往是埋藏着耐人寻味的素材，这次较明显的是LessThanTwo和Alien这两曲。前者只有重复着五句歌词，Lou的三重唱方式与Ambient背景氛围，一下子Lamb也变成了CocteauTwins；后者则可听到Lou儿子Reuben的心跳声Sample，再配以深邃的电子Sequence与富有金属味的节拍，感觉却是幽闭与黑暗至极点。

　　从野心而言，FearOfFours无疑比Lamb的首张同名大碟来得更强烈。在歌曲里投射着人性的脆弱之余，他们也明白到音乐是唯一的逃避空间。

　　他们如何去投向电气化与Rhythm-Based的取向？由SteveOsborne取代EdBuller的唱片监制位置后会对他们造成怎样的影响？那彷佛为Suede这张三年来的"H"字头专集披上一层神秘感而来。
推荐歌曲：till the clouds clear pipi（点击下载）

Raito

94.Kraut Rock（德国摇滚）
        谈及的是70年代初期一批德国的乐队，他们扩展了艺术与前卫摇滚的声音可能性。这些德国乐队并没有跟随他们英美对手们的方向，创作那些以爵士乐和古典乐为基础的作品，或录制概念专辑，而是变得更加器械化和电子化。通过对早期的音响合成器的使用，以及将一些看上去毫不相干的磁带拼贴到一起，一些像Faust, Can 和 Neu 这样的乐队创造了一种更接近于先锋派音乐而不是摇滚乐的、低沉单调且富有节奏的声音。虽然这些乐队并没有在他们活跃的70年代造成太大的影响，但他们的音乐却在很大程度上促使了80年代初期后朋克特别是工业摇滚的兴起。90年代的时候，一些像Stereolab 和 Tortoise 这样的团体，开始把催眠节奏和德国艺术摇滚乐队的电子试验加入到他们自己模糊的先锋派独立摇滚中，德国摇滚亦开始风行起来。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Kraftwerk

        70年代中期，德国的 Kraftwerk 乐队勾勒了以后十几年中无数电子音乐家竭力追随着去实现的宏伟蓝图。从英伦 New Wave 运动到 hip-hop 再到 techno，乐队自己形容的“机器人流行乐”（用电子设备表现出的有催眠节奏的音乐）在电子音乐的每个新的发展阶段都产生了巨大的反响，深刻地影响着20世纪末同时代的流行乐。作为电子乐先锋，他们持久深远的影响无论怎样形容都不嫌夸张。
　　
　　Kraftwerk 是从60年代末的德国实验音乐团体中脱颖而出的，这个团体也孵化了像Can和 Tangerine Dream 这样的著名乐队。乐队核心成员 Florian Schneider 和 Ralf Hutter 首次相遇时还是西德一所古典音乐学院的学生。他俩起初在一个叫 The Organization 的五人乐队里，1970年乐队发行了专辑 《Tone Float》。接着 Schneider 和 Hutter 就解散了 Organisation，重新组建了自己的乐队并命名为 Kraftwerk（德文意思是“发电站”），开始在他们自己的工作室（后来称为“King Klang”）里制作起了音乐，沉浸在他用最低限度要求电子学创作的还不是很成熟的音乐中。他们1971年的首张专辑 《Kraftwerk 1》，提出了他们独特美学观点的早期雏形，并进行了一些创新的尝试，包括其中用到的由 Schneider 自己设计制作的电子设备。专辑中怪异机械的噪音处理和环境电声操作让当时的乐坛大吃一惊。
　　
　　接下来的是一系列的人员变换，甚至 Hutter 也一度离开了乐队。但是，到发行专辑 《Kraftwerk 2》 时， Hutter 又回来和 Schneider 一起工作了。这张录音没有用鼓，专辑的节奏部分全部由鼓机来提供，创造出了在那时还没有先例（从纯技术概念来看）的具有明显机械感的音乐，彻底地与传统音乐家背道而驰（正如当时的听众）。然后乐队举办了一些颇受欢迎的现场演出，直到他们第三张具有突破性的专辑，1973年的《Ralf and Florian》的发行。专辑把他们的野心和抱负精炼成一些简单但极有革新理念的动机，他们的音乐变得越来越具有启发性——尽管他们这种轮廓鲜明、科学的形象是完全处在那个时代流行音乐的对立面。
　　
　　Kraftwerk 在美国发行的第一张专辑，1974年的 《Autobahn》 获得了国际上的巨大成功。标题曲 “Autobahn” 长达22分钟半，剪辑后的单曲版在人们的家里和旅途中处处可闻。在美国这支先前不为人知的乐队却冲上了流行音乐专辑排行榜且居高不下。大部分用穆格电子合成器演奏的第一首序曲打破传统流行音乐的结构和旋律的同时，《Autobahn》 确立了独特的 Kraftwerk 之声。从这张专辑开始，Kraftwerk 便从 Krautrock 中蜕变到了纯电子音乐领域，并成功地闯入了流行音乐界，使电子音乐在主流音乐中找到了永久的立足点。
　　
　　1975年 Kraftwerk 以一张探讨无线电通讯题材的概念专辑 《Radio—Activity》 再次露面，专辑发行了德文和英文两个版本，预示了乐队在世界范围的流行。
　　
　　火车旅行是1977年的专辑 《Trans—Europe Express》 的主题，标志着音乐向机械化方向发展的运动正在兴起。《Trans—Europe Express》 对早期的 Hip-hop 产生过重大影响，它把一种比较冷酷严厉的节奏和胆怯神秘的高音调散射结合到了一起，这种效果具有催眠作用。Kraftwerk 善于使用重复部分，这种效果就像是节奏中带有弹性效应。曲子 “Metal On Metal” 就像是吹来一股凉爽的微风。
　　
　　1978年的专辑 《The Man Machine》 走得更远，在这张唱片里已完全失去了人类触觉。唱片封面的构图取自俄国结构主义大师 El Lissitzky 强硬的对角斜纹布局，它棱角分明的线条正符合 Kraftwerk 想表现的机器、动力等意想，乐队成员身着大红色的衬衫和漆黑色的领带，极富挑战性。这时，Kraftwerk 的成员甚至公开地称自己为机器人，开篇曲 “We Are the Robots” 更是巩固了这个形象。一曲旋律优美、典雅浪漫的 “The Model” 让人百听不厌。整张唱片的曲子结构严谨、编曲精细，乐队操纵起各种电子元素已是驾轻就熟，使这张专辑到达了 Kraftwerk 音乐事业的顶峰。
　　
　　紧接着乐队便从人们的视野中消失了，经过长期的缺席后发行了他们1981年的专辑 《Computer World》，却没有回到先前的动机，而是针对计算机这一将在全球范围占据统治地位的新技术的沉思——他们的音乐很早就对人类的将来提出了预示。专辑中的单曲 “Computer Love” 冲上了英国流行音乐排行榜榜首，之后他们便又消失了。
　　
　　沉寂了五年之久，1986年 Kraftwerk 推出了专辑《Electric Cafe》。这时，使用电子合成器和鼓机的流行音乐已经成了主流，乐队卓越的成就也使他们名垂青史。
　　
　　1991年，Kraftwerk 发行了一张名为 《The Mix》 的重新混音精选辑。以后的几年乐队一直保持沉默，直到1999年末才发表了单曲“Expo 2000”。
　　
　　回顾 Kraftwerk 的音乐历程，虽然到了后期乐队几乎没有发表什么新作品，但他们在现代流行音乐中的地位绝对是不可动摇的。从另一个角度来看，正是乐队这种寻求突破、不断创新的态度使其后来的音乐受到了限制，他们的完美主义精神为日后的创作设立了一个几乎不可能超越的标准。
　　
　　Kraftwerk 在70年代中期的三张专辑 《Autobahn》、《Trans—Europe Express》、《The Man Machine》 无疑是乐队最成熟完美的作品。Kraftwerk 的电子音乐摆脱了冗长繁复的结构，采用了小巧、循环的节奏编排，听来极为流畅悦耳。这三张专辑在当时的传统音乐家看来是离经叛道，却震撼了无数有革新理念的实验音乐家，使他们从此改变了自己的音乐道路。New Wave、New Romantic、Ambient、Hip—hop、Techno 甚至工业噪音等音乐都从中得到了启发，音乐家们在 Kraftwerk 音乐思想的指引下层层突破，使得今天的电子音乐极为繁盛。也许不少人还没有听过这三张唱片，但现在人们听到的流行音乐却都渗透着 Kraftwerk 的艺术理念。
推荐歌曲：the robots （点击下载）

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95.L.A. Punk（洛杉朋克）
        洛杉矶朋克阵营是三大朋克阵营中最后一个发展起来的（另外两个分别是纽约与伦敦），而且既没有带来音乐上更多的变化也不具备什么冒险精神。但尽管如此，洛杉矶仍被证明是持续时间最长的一个阵营；在九十年代的时候，朋克经历了先是到硬核、再到另类摇滚的变异，然后又经历了回归到流行朋克的复兴，而在洛杉矶/奥林奇郡的区域，朋克却以或这或那的形式始终活跃着。虽然有以上这些原因，洛杉朋克依旧是指那些最原始的、前硬核的朋克们，通常他们先前都曾在贫乏而简陋的朋克乐队里演出过。大部分洛杉朋克都是快速而充满鞭打的，与常爱装艺术的纽约朋克和伦敦那些虽热情洋溢却处于业余水平的毛头小子相比，它拥有一种总体上的更强硬的震动。最主要的代表是X，他那非常态的亦男亦女的声音、乡村摇滚的节奏和雄心勃勃而充满文学性的歌词，应该已经成为符合CBGB规则的最佳典范。其他对洛杉朋克作出主要贡献的还包括：Dils 愤怒的社会主义者的政见、Germs 不够纯熟的原型硬核和充斥着焦虑的诗句、以及Weirdos 和 Dickies 不落俗套的幽默。由于它天生的对侵略朋克（aggressive punk）的偏向，在80年代初Black Flag （以及后来受它们影响的SST录音室）引领的新方向下，洛杉矶成为音乐形式向硬核方向过渡的中心。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Black Flag  

        Black Flag来自洛杉矶。他们的作品里夹杂着大量的重金属、实验噪音甚至爵士乐的成份，他们为Hardcore限定了自己的审美观。自70年代后期组建起，乐队就在全美各地不停息地进行巡回演出，并成为当时影响最大的美国朋克乐队。在朋克——重金属的混合成为时尚的今天，人们不会忘记早在15年前，Black Flag就创造了狂暴而又边缘化的表现形式。另外，乐队的歌词充满了政治观点和对社会阴暗面的鞭笞。更为重要的是，乐队作品带有明显的波西米亚风格，这不仅表现在音乐的实验性上，还表现在乐队对那种诗歌般境界的追求上。
在将近十年的乐队生涯中，Black Flag屡屡被成员变动所困扰，但乐队并未失去他们的精神。1977年，加州洛杉矶分校的毕业生Greg Ginn与贝司手Chuck Dukowski一拍即合，成立了Black Flag。后来又加入了Morris和鼓手Migdol，同时Ginn还开办了自己的唱片公司SST，并在SST旗下推出了首张EP唱片《Never Breakdown》，1978年，Morris与Migdol离队，组建了新的Hardcore朋克乐队Circle Jerks，而他们的空缺则由Chavo和Robo顶替。1980年，乐队发行了《Jealous Again》之后，开始了长期的巡回演出，同时，Chavo离队，取而代之的是另一位传奇人物Herry Rollins。Herry在当时只是Black Flag的乐迷，一天，他跃上舞台，与Ginn合作演唱了一曲，他出色的发挥使乐队把他留了下来，这时乐队还增加了第二吉他手Dez，他们为Black Flag带来了更重的音乐元素。
1981年，乐队推出一张被公认为成功的专辑《Damage》。Ginn以其惊人的创作力和想象力赢得了评论界的支持和肯定，《时代》杂志评价Black Flag的音乐为“哲人的朋克”。与此同时，乐队的多元化风格影响了一大批地下朋克乐队，Minutemen的爵士元素、Husker Du的民谣风格和Meat Puppets的乡村音乐痕迹都是对Black Flag多元化有克音乐的继承和发扬。
似乎想把失去的时间找回来，Black Flag于1984年重返录音室后变得十分多产。乐队又一次改变了阵容，加入了新的贝司手Kira Roessler。乐队先后推出了大碟《My War》、《Family Man》、《Live'84》，以及精选专辑《The First Four Years》。1985年，乐队又连续推出了三张力作：《Loose Nut》、《The Prosess of Weeding Out》和《In My Head》。Black Flag登上了事业的顶峰，女贝司手Kirar的演奏饱含激情，Stevens是乐队历史上最为出色的鼓手，Herry Rollinson的演唱在力量与速度上都有上佳表现，而他在演唱会上的即兴发挥更被传媒推崇为“摇滚的示范者。”和吉他手Ginn一样，Rollins乐于表现性格中感性的一面，他甚至会在演唱会上停止演唱，转而向数万观众朗读自己的诗歌作品。
85年的Black Flag得到了评价界的赞赏。《时代》杂志评论道：“Black Flag的阴凉太有魅力了，它生动、真实，而又精致复杂，令人眼花缭乱。他们并没有俱来的愤怒与凄美（这一点常常影响朋克阴凉的生业价值），但他们抓住了大量的歌迷，太难以置信了 ……”《In'My Head》带给歌迷明显的重金属成份，但绝非没有思想的重金属。《The Prosess of Weeding Out》是一张纯阴凉的爵士摇滚作品，令人想起当年的John Mclauglin和Tony Williams的名作。
正当Black Flag如日中天，Greg Ginn的兴趣越来越多地移向诗歌和经营他的SST公司上去了。1986年乐队发行现场专辑《Who's the 10 1/2》之后，Greg Ginn宣布解散。这给正在兴头上的乐队崇拜者和评论界泼了一头冷水，但发家多少又感到了慰籍，因为Herry Rollins并没有停止其朋克生涯，成立了另一支朋克/非主流劲旅Rollins Band，他将Black Flag他有的实验噪音和强烈的金属味占为已有，这也成功90年代非主流音乐兴起时的地下音乐特征。
值得一提的是，SST公司在发掘新兴地下乐队方面有重大贡献。Husker Du、Meat Puppets相继在SST旗下推出自己具有震撼力的首张专辑。而新朋克教父Sonic Youth也是由Greg Ginn慧眼识英雄地大力扶持的，八十年代未，Ginn—手捧红西雅图Grunge乐队Soundgarden和Screaming Trees。
TV Party （点击下载）

Raito

96.Latin Rock（拉丁摇滚）
        Santana 是在60年代晚期从三藩市地下音乐界破土而出的，在那之前，拉丁摇滚还没有成为一支商业力量，但它在直接简单的 R&B 曲风中却有着很深的根基 — R&B 是一种没怎么受到拉丁音乐影响的风格，它主要包括一些棕眼睛的灵魂乐队/东洛杉矶乐队，比如 Cannibal & the Headhunters 和 Thee Midniters.由于受到芝加哥运动所强调的注重文化与传统的思潮的影响，有一些以加利福尼亚为基地的乐队便开始把西班牙语的素材与拉丁美洲的打击乐器结合起来。虽然拉丁摇滚中只有 Santana 和 War 获得了成功，但还是有别的一些乐队也做出了好的唱片，比如 Malo, Tierra, 和 El Chicano,以及来自纽约的 Ocho, Mandrill, Eddie Palmieri的Harlem River Drive，和来自秘鲁的Black Sugar.

具有该风格的乐队/艺人名单：

Santana

        骋驰乐坛30多年的Santana，创作源源不断外，与乐迷始终保持良好的互动，Santana非常清楚自个儿的魅力，Carlos以Jam Session起家，摇滚史上几个重要的音乐季Festival，都少不了Santana的现场莅临，最受瞩目的是1969年超过50万人次的Woodstock，以及后来在达拉斯举办该年第三大的Texas International Pop Festival，1973年Rolling Stone定期访美巡回表演，亦邀请Santana助兴，1978年在第二届California Jam贵为上宾，1982年的音乐盛事US Festival ，盛邀几个重量级的乐团参与，Santana想当然尔的在应邀之列，1985年7月为援非而在英美同步举办超大型的Live Aid， 1991年远赴巴西参加年度盛会Rock Rio II，以及91年为追悼BillGraham所举办的35万人音乐会，都少不了Santana的身影，Santana在国际乐坛所受到的瞩目，让不同国度的乐迷都引颈期盼，恭迎其盛。

80年代初，World Music与New Age业已风行全球时，Carlos Santana亦不落人后的与时并进，在《Marathon》中浅尝一下New Age，完成了Aqua Marine，在《Zebop!》中又拾回以往的拉丁雄风，American Gypsy、Primera Invasion似乎回到70年代剽悍的气势，另外改编了Cat Stevens的Changes亦风味独特，倒是唱自Russ Ballard的创作Winning市场反应不错，10年来仅见的TOP 20。 Santana重拾对市场的信心，82年《Shango》的口味又添加了Afro-Cuban，Hold On及Nowhere To Run再度挤进排行榜。久未合作的昔日征战伙伴Gregg Rolie难得回老东家共谱了三首歌曲，气份颇佳，Gregg当时虽然已经离开一手创立的Journey，但是他并没有重回Santana的打算。 1983年的Carlos的第6张个人专辑《Havana Moon》更集结了Booker T & The MG's、Willie Nelson、Fabulous Thunderbirds等多位艺人助阵，比起自己的乐团搞的还要大，Carlos对音乐的玩趣未曾衰减。 1987年Santana的专辑名为《Freedom》，那是因为Carlos又再找回过去多位旗下乐友，共同完成了这张大碟，情谊大于音乐本质，市场销售仍然不见起色。 积蓄了一段长时间的能量之后，Santana于1999年再度出击推出《Supernatural》，与其合作的不是他人，正是与Carlos签下第一纸合约的Clive Davis，后来Clive成为哥伦比亚唱片的老板，当Clive转移阵地自组J. Records之后，仍不忘老友Carlos，两人首次共同制作唱片，没想到鱼帮水、水帮鱼，三十年后Santana的事业再创前所未有的高峰，Carlos Santana这么多年来，即使是低潮，也从未离开音乐，唱了30几年，乐音不断、节奏倒是越来乐猛，视野也愈加宽阔，不论拉丁乐，或纯摇滚，表现的依然亮丽，《Shaman》的精湛演出，有目共睹。当然Carlos有此成就并非凭空得来，没有过去的用心，就不会有目前的成就，Sony Columbia如今推出Santana的音乐史辑，与歌迷共享Santana的音乐生命，我们共同期待Carlos Santana的音乐乐章可长、可久、可远。
推荐歌曲：primavera Super Natural（点击下载）

Raito

97.Lo-Fi（低保真）
        在80年代初90年代末的时候，低保真已经不再只是对某张特定专辑录音质量的描述，它本身就成为了一种流派。贯穿整个摇滚史，唱片的录制往往都是在不合规格的设备上廉价而迅速地完成的。从这个意义上讲，那些最早的摇滚唱片、60年代绝大部分的车库摇滚和70年代后期许多的朋克摇滚都可以贴上低保真的标签。然而后来，低保真谈及的是搞地下独立摇滚的一类音乐人，他们用四轨的仪器在家录制其音乐素材。大部分这种音乐发源于80年代的美国地下，包括像R.E.M这样的乐队；另外还包括一批英国的原型朋克乐队和新西兰的乐队，比如the Chills 和 the Clean. 通常，这些低保真乐队会从简单的流行摇滚歌曲波动到自由形态的歌曲结构或纯粹的噪音与艺术性的实验音乐。尽管这些乐队保持了音乐的相对简单易与直接，但唱片质量低下的灌制、磁带涂层的声音失真与嘶嘶作响、以及抽象而愚钝的歌词依然使得他们的音乐声音显得不寻常而激进。最开始的时候，低保真的唱片都以自制磁带的方式进行交易，但也有一些独立的厂牌发布了正式的专辑，最著名的就是由Calvin Johnson经营的，领导了Beat Happening乐队的K Records.80年代末期，一些像Pussy Galore, Beat Happening 和 Royal Trux这样的乐队，在美国地下拥有了一小批狂热的追随者。到1992年，像Sebadoh 和 Pavement 这样的乐队已经通过他们蓄意做出的嘈杂而混乱的唱片成为在英美大受欢迎的崇拜偶像。几年之后，这种低保真美学在Liz Phair 和 Beck的帮助下以一种改进过的更加新型的式样侵占了主流市场。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Pavement

        支离破碎的歌曲，急促突然，爆发的回授，简短的歌唱，神秘，文学性的歌词，挑衅似的低保真。这些东西使PavemenT自己成为９０年代美国另类摇滚乐队中最为独特和最具影响力的一只。正是Pavement与Sebadoh一起领导了成为９０年代美国地下摇滚主要方向的Lo-Fi运动。乐队最开始只是录音室的临时演奏阵容。吉他手Stephen Malkmus与主唱Scott Kannberg，使这个临时拼凑起来的阵容演变成了后来的乐队。他们的首张专辑１９９２年的"Slanted and Enchanted"为他们吸引了同行，乐迷，和舆论的注意。没多久，乐队那独特的音乐－简洁，神秘的美国地下摇滚，对噪音的喜爱。使他们在美国和英国都引来了无数的模仿者。然而直到此时，乐队才因为一位臭名昭著的吸毒成员，前嬉皮鼓手Gary Young的加盟成为一支真正意义上的乐队。Young于１９９３年离开了乐队。当时乐队正在调整自己的方向，使音乐边的为干净直接。这次调整的结果就是１９９４年的专辑 Crooked Rain, Crooked Rain。因为其中的一首热门歌曲“Cut Your Hair"，使这张专辑成为一张畅销品。相对于主流来说，Pavement古怪奇异，最后乐队终于明白：他们注定只能做为一支地下乐队。

Stephen Malkmus 是在佛吉尼亚大学毕业后回加州开创他的音乐事业的，他与儿时的朋友Scott Kannberg一道组成了Pavement。１９８９年Pavement发行了他们的第一张EP：Slay Tracks: (1933-1969)。这张７英寸EP是在当地的一间叫做“比你认为的响”的录音室里，花了８００美圆录制而成的。录音室的主人,已４０岁的Gary Young在这张EP里，间或充当一下鼓手。唱片则在两人自己的唱片公司Treble Kicker发行。在这张唱片中，你可以听到the Fall,R.E.M,the Pixies,Sonic Youth的混合体。这张唱片虽然只发行了几百张，却成功的流传到了那些在非主流界很有影响力的重要人士手中，例如英国DJ John Peel。Pavement在唱片内页除了注明乐队成员"S.M.","Spiral Stairs"之外，就没有乐队的任何资料了。这使他们显得格外神秘。直到１９９０年，乐队发行EP:Demolition Plot J-7时，成员们真正才学会如何将所受的影响转化为自己独特的声音。这一年乐队签约Drag City公司，Gary Young也非正式的加入了乐队。１９９１年乐队发行了EP:Perfect Sound Forever。

马上他们举办了第一次演唱会。在他们准备演唱会时，贝司手 Mark Ibold成为乐队第四名成员。同时由于Gary Young经常缺席，他们又挑了一名鼓手Bob Nastanovich作为后备。乐队第一次以完整的阵容出现，并录制了专辑 "Slanted and Enchanted"。尽管乐队这些成员从未凑在一起录制过任何东西，这张１９９２年由Matador发行的专辑仍然赢得了很多好评。甚至当Matador还未开始进行促销。大肆赞扬的乐评就已开始在媒体上出现。刚开始，乐队的歌曲只是流传在乐评界和歌迷中，但很快，大街小巷就都开始谈论他们了。顺应时势，Pavement也踏上了全国巡演的路途。虽然这次巡演并未到达很多城市，乐队还是因为他们貌似草率的音乐和Gary Young哗众取宠的表演而倍受瞩目（他在入口处向听众致意并分发沙拉，在台上演出时倒立，有时则喝的酩酊大醉。）。终于Young在１９９３年被要求离开乐队。他对乐队最后的贡献则是１９９２年秋季发行的EP"Watery Domestic"。他的位置由Steve West取代。West是Nastanovich的朋友。West加入后不久，乐队早年间的录音由Drag City&127;&127;收集在一起，以Westing (By Musket and Sextant)的名字发行。

Young离开乐队后，乐队的音乐似乎被"净化"了。也许是因为有了一位坚定的鼓手并在真正的录音室里录音的关系。乐队的改变可以在 Crooked Rain, Crooked Rain里听出来。１９９４年的这张专辑几乎使Pavement跨入了主流乐队的行列。从某种意义上说，乐队已经做到了这一点。专辑打入了排行榜第１２１名，单曲"Cut You Hair"进入了“现代摇滚榜”与MTV的热门十大单曲。即使得到了如许好评，评论仍然没办法把Pavement当做摇滚明星而非地下乐队看待。这一年 Stephen Malkmus 与Scott Kannberg除了一手炮制出这张“热买”专辑外，还参与了Silver Jews第二张专辑“Starlight Walker”的录制工作。（Silver Jews的首脑David Berman是他俩校园时代的朋友。）

到了第三张专辑，乐队似乎又走回了粗糙，不加修饰的老路。１９９５年的这张"Wowee Zowee"比乐队以前的作品具有更多折衷主义成分，也显得更加不可接受，还沉迷在 Slanted & Enchanted 与Crooked Rain, Crooked Rain 中的乐迷与媒体纷纷批评这张专辑。其实也难怪如此，乐队居然将这次的录音地点选在监狱里。就是在这种气氛中，乐队度过了接下来的两年。然而在第五届Lollapalooza音乐节上，乐队却受到很大欢迎。１９９６年，他们在发行了一张EP：Pacific Trim之后，将剩余的时间都花在了录制第四张专辑上（由Mitch Easter监制）。1997年二月，乐队发行了Brighten the Corners，这又是一张倍受好评的作品，并登上了排行榜第７０位。

Pavement并非唯一的Lo-Fi乐队，却肯定是独一无二的Lo-Fi乐队。乐队成军十年，虽然只发行了４张专辑，但可以说张张经典。毫无疑问，今天的Pavement，已跨入了R.E.M,Husker DU等经典乐队级别的行列。
推荐歌曲：black out reading （点击下载）