Raito

69.Garage Punk（车库朋克）
         在美国90年代朋克复苏时的流行朋克派别冲击了主流音乐前，一个不同于复兴朋克的种类已经塑造了地下音乐的独立摇滚的形态。一般来看，车库朋克并不是和流行朋克的旋律接近；代替的是，车库朋克勾画出自身的主要灵感是来自于the Stooges和the MC5的the Detroit proto-punk。相对于车库朋克容易上口的旋律来说，它所表现的态度和噪音更为重要，并且它的态度是通过音乐中的声音来表示的：下流的，污秽的，简单的，愤怒的威胁的和平白显露的丑恶。在80年代末和90年代初一些最早的车库朋克乐队带有Sub Pop的形式开始在舞台上显露（Mudhoney, the Supersuckers），早期的车库乐队参与了一些同样的影响和美学（实际上，Mudhoney成为了车库音乐的创始人之一）。虽然车库朋克从没有打击到主流音乐，像New Bomb Turks 和the Humpers这样的乐队却帮助此风格维持了一群乐迷在整个90年代。加上一些重摇滚乐队的复兴运动（例如Nebula）开始创造了一些细微的迷幻变化在车库朋克上。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the White Stripes  

        “The White Stripes” (白色条纹) 乐队可能是世界上最神秘的乐队。队中的一男一女 Jack White（杰克·怀特）和Meg White（梅格·怀特）声称是兄妹关系，然而有狗仔队的证据明明证明他们是曾经恩爱如今已劳燕分飞的夫妇。他们曾经对记者讲，他们正饱受现实困扰之苦，转眼却被音乐界奉为音乐世界救世的救星——他们将60年代粗野却饱含活力的车库摇滚重新带回了音乐界，使奄奄一息的欧美音乐界忍不住眼光一亮，乐队随之飞上了美国摇滚乐的浪尖。

　　“The White Stripes”成军于1997年。最初，因为穿得像两颗糖果（在中国，会不会有人说他们像两个红包套）和没有贝斯手，他们获得了一定的关注。1999年和 2000年，他们发行了两张唱片后，获得了和“Pavement”（人行道）乐队一起巡演的机会。在发展过程中，乐队开始把音乐做得充满孩子气，这和他们的装束也是一致的，同时他们又在孩子气中加入了人见人爱的幽默感。这是乐队最终胜出的又一大原因所在，而为国内很多“资深”乐迷所津津乐道的“Blues Explosion”（布鲁斯爆炸）尽管有着稚气的风情却由于缺乏幽默感而并未在欧美主流乐坛形成气候。

　　和1992年的“Pavement”乐队一样，“The White Stripes”为独立摇滚乐界带来了浪漫和传奇。到2001年夏天，发行唱片《Blood Cells》（血液细胞）的时候，“白色条纹”已经成为了文化热点。那一年，他们正式签约到了有着相当影响力的V2唱片公司，并拍摄了用于电视台播出的MV。热衷文化讨论的方家们说，他们是上帝送来的天使，他们来治疗音乐界自“Limp Bizkit”（软饼干）以来的创痛。

　　 V2总裁Andy Gershon（安迪·格尚）以150万美元的代价将“The White Stripes”签到了自己的公司里。因为这一点，他被很多人称作一个富有远见卓识的人。他说：“你首要的判断十分重要。每个人都会认为他们缺少一个贝斯手，他们的小样录制得太单薄了。但是，在我听来，他们已经足够好了。他们令我惊奇，我知道他们需要什么样的帮助。”

　　 “The White Stripes”与“The Strokes”（敲击）乐队、“Hives”（麻疹）一起被称作复兴车库摇滚乐的摇滚生力军。其实，他们的贡献不仅仅如此，多少年后，人们会发现，这帮酷毙了的家伙们所奏出的声音，是如此神奇不可方物。

　　 “The White Stripes”来自底特律西南部的一个小镇，出身为略低于中产阶级的阶层。他们称自己的家庭有10个孩子，而自己是最小的两个。他们说，有一天梅格在阁楼里发现了一只鼓，不久他们便组建了“白色条纹”。但是，千万别相信他们。事实上，最初，杰克开了一个小杂货店，而梅格一直在酒吧里作服务生。他们的确来自底特律，而且他们还是底特律这些年来的第一支车库摇滚乐队，尽管他们一直没有找到一个贝斯手。

　　底特律有很多未经修饰充满原始魅力的乐队，他们聚集在几个固定的酒吧里演出。杰克为他们录制了一张合辑，录音室便在他的卧室里。这些乐队都一个共同的特征，他们都在复兴60年代的老东西。曾几何时，人们以为那些东西早已经老掉牙了，如今，当这些年轻的乐队重新诠释那些音乐的时候，人们突然发现，原来老去的只是自己的心态。“The White Stripes”无疑是这帮乐队中的佼佼者。

　　不同于他们的蓝领兄弟们，“The White Stripes”有着娇好的艺术气质和引人入胜的神秘感。这也许是他们成为媒体宠爱的原因之一。事实上，人们认为他们是美国继“Sonic Youth”（音速青年）以来的最伟大的乐队。人们分明在他们的音乐中听到了那些最根本的震撼。 白色条纹”不能被简单地归类为那些随处可见的摇滚乐队，他们仍然是独一无二的呵，毕竟在面对歌迷们的时候，音乐是第一位的要素。如果忽略了他们的音乐，人们往往会将他们看作一支通俗小说般简练有趣的组合：他们的衣服的颜色永远由红白黑三色组成，而且前两种颜色占据了人们视野的大部分空间，他们没有贝斯手，他们与人们的交流也像塑料糖纸般透明脆弱——即便是撒谎也那么幼稚。但如果你愿意，亲爱的，透过他们憔悴的表象，你便可以发现他们正在做着那些最伟大的摇滚乐队所被期待去做的那些事。将狂野的朋克乐与更多的根源音乐有机混合以后，杰克和梅格演唱着那些复杂内省的爱情歌曲，气焰与内涵直追全盛时期的“Cocteau Twins”（双子星）主唱Liz Phair（利兹·艾尔）。他们将布鲁斯与当代精神进行了近乎完美的混合，然后奏出时代爱的最强之音。回望两人从底特律开始的奋斗历程，他们的后现代车库摇滚便拥有了更浓郁的亲和性。无论是在东京、巴黎还是纽约，他们的声音有着同样的杀伤力。

　　 一切都显得生硬和不够完美，然而这却是这一切为何感觉如此之好的最根本的原因。未完成的永远让人有期待，而期待便是最美的。
推荐歌曲：Conquest（点击下载）

Raito

70.Glam Rock（迷惑摇滚）
        常常和80年代的微金属弄混淆（至少是对于美国的听众来说），迷惑摇滚几乎是英国专属的，在英国70年代中期的流行范围非常广。迷惑摇滚是相当简单的，破碎的吉他摇滚因其夸张的蛮横被大众完全接受了。大部分的这类音乐用来自年轻人的流行泡泡糖摇滚舞曲和早期摇滚的摇动节奏令人不安而且易记。但是那些纯真声音在诠释的过程中被覆盖，变成了不自然的，眩目的主技演出技巧和关于性的。事实上，迷惑摇滚从没进入美国市场的一个重要原因就是它的表演者故意关注性，穿鞋古怪的服装，视觉性装束的效果。一般来说，迷惑摇滚分为两个派别。最流行的是T. Rex的故意任意使用碎屑的风格；领导者Marc Bolan倡导了迷惑潮流意识和创造出了全都关于性和愚蠢滑稽的风格---或是使它进入另一种以主流面目为特征的道路。像Gary Glitter, Sweet, Slade这样的乐队跟随了the T. Rex的审美观，并改进成了另一种风格，这就是众所皆知的glitter（更排外英国）。
但是因为这种风格对想象的依赖太重，迷惑有着令人惊讶的艺术面，被David Bowie和Roxy Music所概括。这种流派无论是从音乐还是歌词看都更加充满喜剧效果和野心勃勃；迷惑音乐为那些塑造他们意愿中角色，将他们风格意识创造成完全艺术性，并探索潜伏在流行耀眼音乐表面下的黑暗的乐手们提供了机会。除此之外，独立的美国迷惑摇滚乐队就是the New York Dolls，他们自然的Stonesy proto-punk听起来有别于同类的英国乐队，但是他们的无价值的美学观，异性装扮的剧服使它们被明显的归为这一个阵营。迷惑音乐真正有效的打击了电子战正式通过1971年的T. Rexs，但是1972年使它风格突变的一年：T. Rex通过The Slider巩固了它的声望；David Bowie解散了它的经典Ziggy Sardust并且重组了Mott the Hooples star---发行了All the Young Dudes这张专辑；Roxy Music演出了他们极具影响力的初次登场；the New York Dolls开始了他们英国的第一次巡回演唱会。迷惑摇滚在1976年创造了最高峰，当大部分它的残留主力乐手都离开了这种风格或是放弃这份工作。然而，迷惑音乐对于主要成长在英国朋克运动中的小孩有一定的影响力，甚至在戏剧化般阴暗的前朋克中有更大的影响。当然，迷惑摇滚在80年代流行金属中非常重要的，尽管除了Daf Leppard之外，许多的乐队都来自美国并且对最初的发起者有很少的了解。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Lou Reed

        Lou Reed1942年出生于纽约布鲁克林，1965年与键盘手John Cale合组地下丝绒乐队(Velvet Underground)，主唱兼吉他手的Reed便一直是各方焦点，这个被普普艺术大师安迪．沃荷(Andy Warhol)发掘且担任经纪人的团体不仅是纽约摇滚乐发展上的重要乐团，其粗糙、反商业体制呈现摇滚原始精神的理念也使得他们被推崇为地下音乐或非主流 音乐的始祖，身为团长加上作曲主力的Lou Reed更被后人尊为庞克教父。
1970年Reed离团前往英国思考未来音乐方向，两年之后才发表首 张同名个人专辑；首张现场专辑“Rock & Roll Animal”于1974年3月推出。Lou Reed最新的现场专辑“Animal Serenade”距上述受到各方好评、收音于纽约音乐学院的“Rock & Roll Animal”正好30周年。
Lou Reed的歌有许多都是叙事体，内容对听者而言十分重要，既有内心反省、社会叙事的作品，也有以性爱、药物为内容的歌曲。曲目编排越后音乐起伏越大，听者也随之进入“Ecstasy”之境；不需亲自体验，也能进入“Heroin”的世界。
   
Lou Reed作为当今摇滚界首屈一指的元老级人物之一，其音乐历程从六十年代至今横跨接近半个世纪，见证了当代音乐文化的万千气象。在离开地下丝绒乐队后，Lou Reed的单飞生涯在三十多年内几起几落，最终修成正果，成为全球亿万乐迷顶礼膜拜的教父式人物。

提 及Lou Reed，就不能避开上个世纪五六十年代如火如荼的波普艺术之风。在那个年代与社会，西方世界的文化格局挣脱了精英审美体制，波普艺术的生活化、平民化、 廉价化等极度自由的创作与欣赏形式在当时的年轻人中得到瞬间的拥戴，并在极短的时间内飞砂走石般地席卷了整个西方艺术格局。

在美国，安迪·沃霍作为巨星般的波普艺术之王，在美术、电影方面大展拳脚之时，也暗自对音乐情有独钟。他结识了以Lou Reed为首的几个问题青年，然后制作了一张封面印着一根黄色香蕉的怪异专辑。

之后的事情，作为过期的新闻泛滥了几十年，“那张专辑只卖了几十张，而买了的人日后都成为了摇滚巨星……”

地下丝绒作为另类摇滚的祖师爷人物，他们并没有受当时披头士的“壮年期”影响，甚至是相对的。披头士做迷幻的加法，而Lou Reed做减法。他不在意唱片能卖多少，他这种坚决地“做自己”的姿态，也正是他日后的魅力与才情能几十年不倒的本质原因。

1972 年Lou Reed发行了首张个人专辑《Lou Reed》，收录了十首作品。在当时地下丝绒仍余温未尽的局势下，这张专辑没有受到更多的关注。当然专辑的整体质量也未见完美，风格有点散，并未展现出 Lou Reed的全部水准。但是作为Lou Reed的初试啼声，它与地下丝绒的黄香蕉专辑一样，具有无可忽略的启示性意义。
推荐歌曲：Perfect Day （点击下载）

Raito

71.Glitch（电子脉冲）
        始逐渐成为音乐制作的附属工具从而使用传统的类似办法创造电子音乐的手段黯然失色，这种多色彩的声音很快就扩展了，因而the clicks+cuts这种风格在90年代末期令人意想不到的诞生了。乐手们不再为打击乐器，合成器和小样的顺序所局限了，而是可以创造可想象的任何声音，包括了离奇的数码电子脉冲领域---这种可能通过年轻的一代很快的被开发出来，他们仅在卧室里用一台电脑和合适的软件就可以完成整张专辑的录制。类似90年代早期的先驱者Aphex Twin和Autechre已经预想还没被完全探究清楚的电子音乐领域会很快逐渐缩小，同时，另一个孤立的先驱者的乐队被Robert Hood和Basic Channel所领导，拨去了已经在根本上成为不比陈词滥调好多少的电子音乐基础，以电脑武装的第二浪潮学下了这些美学并且使用软件来创造精微复杂的合成物，回听这些先驱。第一个带有德国技术意识形态的战士塑造了Achim Szepanski这个角色和他稳定的唱片标志---Force Inc, Mille Plateaux, Force Tracks, Ritornell---这些紧密联结的由试验乐手根据实验技术，即保守行动，数码抽象拼贴画和噪声脉冲创造出来的精神混合物，很快找回了自己从而组成了一个共同体。尽管像Oval, Pole和Vladislav Delay这样的乐手因为评论家的预言而自己单干，但是Mille Plateauxs大规模clicks+cuts风格的编辑为地下运动最先下了定义，不仅探究出了宽广乐手名单还开创了一块宽广的活动范围。用于编辑的乐手，随同一小批在有软件头脑，以Cytrax为标记的加利福尼亚一些地区，如旧金山或是硅谷，很快找回他们自己，像在另一场电子音乐运动中被众人欢呼的们一样。

并不是从很早以前the clicks+cuts的美学观点就开始被现存的流派拓展，它的变化归咎于无止境的在审美学上的变异，如MRI的click-driven house和Kid-606的N.W.A”Straight Outta Compton”般的再混合式电子脉冲。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire

见15楼

Raito

72.Goth Metal（哥特金属）
        哥特金属被阴暗，不断喧吵的哥特摇滚的冰冷气氛和重金属侵略所包围，发现了在戏剧意识和用宗教，惊骇来装饰的抒情诗般的吸引力两种风格中存在着的中间立场。像前朋克般居先的哥特金属，暧昧的仿古，金属乐队般如Rainbow, Dio和Judas Priest般已被被形容为哥特的次要的嗓音，如果没有更多的特征，那么除了真正的哥特金属总是被哥特摇滚直接影响之外，缥缈的合成器效果和幽灵般的感觉同样和吉他重复段一样重要。因此哥特金属常常保留请求听众站在天平的两端。哥特金属最先在80年代中期前段浮现，以洛杉矶为中心，所以也常被叫做“死亡金属”，这个以Christian Death为首的发生地。很多哥特金属乐队自从在美国和欧洲跳跃起来之后，便通过tongue-in-cheek Type 0 Negative在90年代更广的另类金属听众中爆发了。在后10年期间，哥特金属同样被认为在黑色金属乐队寻找新的使他们的嗓音更低沉的道路上起了很重要的影响。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Coal Chamber

        在当今的西方摇滚乐坛上，有一支另类金属新锐似有取代korn而成为最为走红风光的新人摇滚团体之势，它就是本篇专题文章之主角—Coal Chamber（煤库）。

Coal Chamber起先成立于1994年，当时由乐队的主唱兼词曲作者Dez Fafara和主音吉它手Meegs Rascon通过音乐杂志上的分类广告而结识，由于双方均有组建乐队的愿望，另有共同志好的鼓手Mikey "Bug" cox和女贝司手Rayna Foss-Ross的加盟，这样Coal Chamber的雏形就已形成了。1994年末，Fear Factory（一著名的独立音乐厂牌）制作人Dino Cazares在聆听了他们在Roxyhe Whiskey A-Go-Go俱乐部中演出小样后就把Coal Chamber推荐给Road runner唱片公司以便提供给该乐队出唱片的机会。可乐队的主音歌手Dez不满乐队成员拒绝其妻子的加入而愤然离队而去。到了1995年春，随着一句“美满的婚姻无需影响我的音乐事业的发展”，Dez回心转意并毅然归回于“煤库”。Coal Chamber真正的发迹是他们在1997年“落杉矶另类金属浪潮”（L.A Alternative Metal Scene）中脱颖而出般的音乐表现，他们同年推出的乐队同名专辑广受乐评界的好评。

Coal Chamber的音乐作品代表着Heavy Metal/Alternative Metal/Industrial Metal这种日渐成为时尚音乐的曲风模式：重量级，“黑色安息日”式的黑暗音氛，Pantera型的张狂、非可听性吉他弹奏，Grunge，White Zombie或Tool乐队惯用的噪音处理伎俩，另有明显的Hardcore、Punk和少许Hip-Hop成份并形成独具一味的“Spooky-core”创作演绎手法。

回顾过去十年，White Zombie是90年代最具有影响力的重金属Band。“煤库”首张同名专辑的创作受其影响颇大：乐音嘈杂，歌曲呈整体状以及咄咄逼人的攻击性气势，这些“煤库”学得皆精妙可叹。Coal Chamber新近推出的第二张专辑《Chamber Music》（煤库的音乐）的录制就象80年代的Bauhaus和近年来的Marilyn Manson那样拓展性地应用电子乐来演绎表现工业噪音作品，甚至弦乐的加入也成为了此张专辑的一个亮点，但《Chamber Music》专辑最令人激奋和难以忘记的地方依然是大段大段吉他快速而爆裂的演奏音效。Coal Chamber石破天惊般另类金属作品是具有一定的革新性的，它们必然会令任何摇滚乐迷不禁心动不已。

去年的9月7日，Coal Chamber的全新专辑《Chamber Music》正式发行，为此Roadrunner唱片公司还特意举办了一个小型Party暨新闻发布会。以下的篇章是到访的记者发来的随行报道，通过阅读这些文字相信你一定会对Coal Chamber与其音乐会有一个更全面的了解。 在落杉矶璀璨夜景的烘托下，为庆祝Coal Chamber乐队第二张专辑《Chamber Music》首发的小型派对暨新闻发布会拉开了序幕。这个人气很旺的Party高居于西好莱坞城Le Parc大酒店的楼顶，晴好的夜空里散布着点点繁星，酒吧正在营业，汉堡包在烤架上被烤得咝咝作响，屋内的灯光也柔和得使人心怡。

Coal Chamber乐队的主音歌手Dez Fafara此时坐在一个宝塔状的凳子上，边不停地啜吸着杯中的红葡萄酒边找人聊天：“我们组成的原因十分简单：因乐队成员之间的相互赏识而走到了一起来；我们对新专辑的期望值很高，它应该成为各个时代的歌迷歌颂的作品集”，Dez这样自信地说道。乐队经理人，老牌重金属乐歌手Ozzy Osbourne的妻子Sharon Osbourne在忙完去年的“ozzfast Juggernaut”巡演活动后也搭乘她的私人飞机赶来参加聚会了。Sharon认为，“煤库”乐队的音乐能在极短的时期内征服大量的歌迷并迅速打入美国主流乐排行榜。“在没有任何电台滚动播出或MTV作宣传的情况下他们就已卖出了70 万张唱片”，她解释道“更令人感到兴奋的是，即将进行的巡演还能使Coal Chamber创建更大的歌迷群。”

在会场里，来自全球各方的媒体记者在忙碌地穿梭出入，此刻他们正用不同的举止及各异的表情来表达时差反应带来的不适，只有一只小型低音音箱被孤零零地撂在墙角。伴随着一阵骚动和叫喊声，“煤库”乐队的现场演出开始了：夹杂于嘈杂刺耳的吉他声和雷轰般猛烈的鼓声之间，Dez怪躁尖狂的嗓音已经吼出，不需明论，到场的人已明白重量级的金属乐队的热量已升腾了起来......。

在Coal Chamber夸张性的演出过程里，或许你更希望看到这样一幅酒徒醉后狂欢之景象：悬挂于天花板中央的枝型大吊灯正张牙舞爪般地四处晃动，呈白色泡沫状的香槟酒在半空中随处喷飞，一辆凯迪拉克加长型轿车突然从屋顶上一下子跌落至楼脚旁的人行道上。

精彩的演出结束之后，Dez坐定并得意地笑道：“这还不全是我所擅长的‘Spooky-core’音乐表现方式，我可使它演绎得更为光彩与完美。”他从包内取出一张Motley Crue的《Shout At the Devil》（向魔鬼喊叫）。“Moltey Crue的音乐伴随着我的成长，他们于我而言可谓乐神了，”Dez如此表白道“我记得当我注视Moltey Crue唱片封面时始终怀疑他们只是凡人而已，尤其是Tom Lee的鼓击简直就像魔鬼的手指在鼓群上魔幻地运作，Coal Chamber乐队的组建也是受其影响和鼓舞，我们应该创作一些给人在视觉和听觉上都产生强烈震撼和享受的作品来。”现在Dez和他的乐队已有了两张专辑问世，他在轻松得意的同时也承认近几个星期以来已感到了几许紧张与压力。Dez接着无奈地谈到，三天前他一个上午打了三次电话给Sharon询问《Chamber Music》是否会取得成功，而她则最后不耐烦地说道：“放松些，Dez，每个歌手此刻都会有相似紧张的心情，我要告诉你的是它是张很棒的唱片。”

非常有意思的是Dez的个人经纪人Anahastasia把这张新专辑的封面设计成了天使翅膀的图案，它象征着专辑中多首歌曲所涉及的坦诚之情感主题，另外专辑里每首曲子的标题也是由Anahstasia来最后确定的。当Dez羞涩地微笑时她补充道：“我觉得它是张收录有最美歌曲的唱片，它要表达的是Dez在人生道路上遭遇各类挫折后的感受以及他对和平与快乐的个人观点；如果说Coal Chamber的首张专辑反映的是作者对自己的恐惧和偏执心理作不懈争斗的话，那么《Chamber Music》专辑展露的则是他在繁华浮躁的现实生活中敢于超越自我的信心。

《Chamber Music》专辑是由曾为orgy Spineshank等重摇滚艺人担任监制的一流制作人Josh Abraham制作完成的富有新意之作品集，它的出现预示着落杉矶另类金属领域“新乐队”的创作水准趋向于成熟：“煤库”乐队的鼓手Cox突发奇想在编曲时运用了键盘和音效处理器，贝司手Rayna和吉他手Meegs被公认为是出色的激情重摇滚乐手，特别是Meegs已被权威杂志《Guitar》称作是“天才型”吉他高手。毫无疑问，Dez Fafara是Coal Chamber乐队的领衔任务，当乐队前往马萨诸塞州边远地区的私人录音棚录制专辑中的歌曲之前，这位主音歌手还特意去上了几堂发声训练课，而后随之而来的超宽广音域令他自己也感到十分吃惊。“在录制这张专辑之前我并不是一位标准的“主音歌手”，他声明“我专门找了一位声乐老师帮助我把握演唱超高、超低音的技巧，自此我的演唱水准就得到了突破性的提高。”

在《Chamber Music》专辑里Dez的情感流露也达到了一个新境界。暴风骤雨般猛烈的歌曲“Tyler's song”（泰勒之歌）之创作灵感来源于他的儿子的讲述。一个强壮欺凌弱小的事件。Dez严肃着表情，缓缓地说：“我对此类事情也很有感触，当我小的时候也有人用废罐头扔我或把牛奶浇在我头上，我告诉儿子，对待此类事件应当自卫，而事实上大多数受欺凌的儿童却都选择忍气吞声；我在此歌中用近乎嘶喊咆哮的音调来阐述我观点，这是一首带有教育意义的歌曲。”专辑里余下的歌曲谈及的全是个人生活的感受：“Elcu Cuy”和“No home”（没有家庭）显露的是乐队成员对永无休止的摇滚巡演的厌恶和恐惧；“Untrue”（非真实）是一首有关失恋的曲子；“Tragedy”（悲剧事件）的创作用意是开化一些固执而不听任何人劝告的人不要一意孤行地干傻事。“我想我更象是一个叙事者而不是一名单纯的歌手或词曲作者，”Dez补充道“煤库是一支典型的应用真实故事作为素材来创作音乐作品的摇滚乐队。”

在未来的岁月，Coal Chamber将展开为期20个月的北美巡演活动。遗憾的是乐队的贝司手Rayna已有了7个多月的身孕，她将不能随队巡演。Dez介绍说：“我们不想让孩子在演出现场看到非成人化的举止行为，相信许多乐队都会这样做。”Rayna表示，她在生育事务完成妥当后会立即归队，因为她并不愿意放弃自己心爱的音乐事业。在“煤库”乐队的这次巡演期间，德裔女贝司手Nadja将替代Rayna的位置。Nadja坦言她对Coal Chamber乐队并不见熟，可听了他们的音乐后开始倍加喜欢Coal Chamber了。这位年轻的女贝司手笑着说：“为了参与Coal Chamber的巡演，我乐意两星期内学弹20首曲子，我对“煤库”的“Spooky-core”的音乐表现形式早已倾慕已久了。”

Coal Chamber的灵魂人物Dez Fafara是一位极有个性的歌手，这位经常声称决不会步Marilyn Manson之后尘去靠惊艳冷酷的形象来取悦大众的摇滚顽童会一本正经地对媒体说：“我就是我，我就是自己的上帝。”谈及即将开展的巡演，Dez流露出恐惧而兴奋的神态，“摇滚乐的生命力应在巡演中真实体现，一般乐队组合一年里只化3个月的时间作巡演，我们这次为期20个月的巡演计划绝对是‘牛X’了”，Dez如此狂妄地说道“当我还是个儿童时，父母就因我把自己的房间涂成黑色而与我争吵，我喜欢象Jim Morrison那样黑色的形象，我要郑重地对人们说：我们是与众不同的，你们不应该拒绝与众不同的人。” 与众不同的乐手演绎别致新颖的另类重金属乐，Coal Chamber（煤库）不会令你失望。
推荐歌曲：HeadstonesAndTheWalkingDead（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-13 16:35 编辑 ]

Raito

阿姆 风格Hip-Hop  网上很好查的

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-13 16:43 编辑 ]

Raito

73.Goth Rock（哥特）  
        哥特是80年代前中期主要存在的前朋克一个分支。它以形成于地下摇滚的最黑暗和阴沉的特点很大程度上应受此荣誉，尽管今天它的荣誉更多的来自于乐队戏剧化的服装和它的追随者。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆，悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。在早期，它的歌词常常是自省和激烈的针对个人的，但是它诗歌般的敏感性很快导致品位转变到浪漫文学，病态，宗教思想和超自然神秘主义上。哥特通常不是严格意义上受欢迎的风格，被给予了一种华丽诗意的倾向，无情悲哀的挽歌和无止境的戏剧化。然而，它产生了投入的，仍旧兴旺的亚文化，使它的美学概念在最初音乐全盛期过了很久后一直存在着。哥特的教父是英国前朋克乐手Joy Division, 他的阴冷，偏僻，强迫性的自省音乐和歌词为哥特最初的结构打下了基础。但是对于所有的意向和目的来说，真正赋予哥特生命的是”Bela Lugosis Dead”，来自1979年Bauhaus的首张专辑。像the Cure 和Siouxsie & the Banshees这样阴冷的前朋克乐队已经在同一时期具备了完美的哥特风格，并且他们的重型音乐，恐吓的装容和黑色的服装成为了歌迷崇拜的一个重要的组成部分。当哥特的声望在某一片被青少年疏离的敏感区（最初是在英国，那儿是大部分哥特乐队起源的地方，其次是美国）蔓延开来时，它的意识风尚变得越来越古怪，并且最初的音色稍微有些发展了。The Cure，Siouxsie & the Banshees和the Mission UK和成了更多流行和另类的成分在他们的音乐中，当the Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim和美国的乐队Christian Death使用沉重的，不时受金属感化的手法。在80年代末，最初的哥特运动已经不复存在了，但是这种音乐变异成了新的形式并继续影响很多黑暗金属流派。在90年代期间，哥特音乐开始通过工业音乐来cross-pollinate，产生同时吸引两边的混合物，同暗潮流派（他们也同样将80s合成器与梦幻流行合在一起）一样。90年代后半期，还可以看见哥特的影响力突然出现在重金属中；一个新的改革黑暗金属乐队的种类模仿了很多哥特的音色和风格，当一些另类金属乐队也从沿袭了哥特的视觉效果（包括Marilyn Manson, 他们不顾很多关于不属于哥特风格的反面评论）。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bauhaus

        Bauhaus可以说是歌特摇滚的教父级乐队，他们以刺耳的吉他和弦和冰冷飘渺的合成器创造了后朋克摇滚中简约主义的、孤高阴暗的代表性风格。在乐队简短的历史中，他们几乎探索了他们所追求的音乐中的所有可能性：在他们阴冷萧瑟的整体音乐氛围中你可以感受到华丽摇滚、实验电子摇滚、疯克乃至重金属的各种复杂成份。在他们的追随者们面对潮流无能为力地停滞不前时，他们所创造的风尚却非常成功地一直流传到了今天。

乐队于1978年由吉他兼主唱Daniel Ash、贝司兼主唱David Jay和鼓手Kevin Haskins和其后相当著名的主唱Peter Murphy组成。最初乐队称作Bauhaus 1919，1979年他们改称Bauhaus，意为德国的一个建筑学派。同年8月，乐队在独立厂牌Small Wonder Records旗下发行了单曲“Bela Lugosi's Dead”，尽管这首歌连流行排行榜的边都没摸着，但却成为了事实上的歌特摇滚圣歌，在英国独立榜上停留了数年，他们歌特摇滚之父的称号由此而来。三个月后乐队签约于Beggars Banquet的一个子公司，也就是国内名声显赫的4AD。在又发行了两张单曲后1980年10月乐队的处女专辑《In the Flat Field》发行，并居流行榜NO.72、独立榜NO.1。时隔一年，他们发行了第二张专辑《Mask》，这张唱片充分展示了乐队更加雄心勃勃的的音乐方向，这个新方向将重金属和电子音乐结合成了领先时代甚多的新的音乐结构，在不放弃原来音乐黑暗凶险内核的前提下，他们的音乐变得更易于被人接受了。《Mask》在商业上获得了相当的成功，同时也为乐队以后进一步商业化打下了很好的基础。其后一系列成绩不错的EP和单曲催生了1982年那张名列专辑榜第4的专辑《The Sky's Gone Out》。1983年Peter Murphy因肺炎而未能参加Bauhaus的第四张专辑《Burning from the Inside》的创作，结果反而使这张唱片充分体现了Daniel Ash和David Jay更个人化、更情绪化的风格。在Murphy康复后，乐队去日本进行了巡回演出，回到英国后于7月解散。

乐队解散后Murphy与日本的Mick Karn合组了Dali's Car，不久开始个人发展。

Ash、Haskins、Jay则在1985年提议乐队重组失败后组建了Love and Rockets。直到将近10年后双方事业均陷入停顿后，乐队才重组并在1998年进行了美国巡演，并发行了双张现场CD。
推荐歌曲：In The Flat Field（点击下载）

Raito

74.Grindcore（碾核）
        当碾核这个名词经常与有些联系的死亡金属交换使用，这两个其实是有很大差别的，虽然有相似的特征，同样结构的音乐，特别是近些年来越来越相像。当它在80年代中期第一次露面的时候，碾核因它完美用短的篇章所组成的机构带起了重金属乐器风格上噪音演奏的一阵潮流（扭曲的吉他，贝斯和鼓声）。虽然碾核不是随便的临时准备，它的确也没有沿袭传统的音乐结构；即使有时重复段被精选出来，完美的碾核从不以诗篇，合唱甚至是悦耳的音调为特征。碾核的声乐特点听起来是痛苦的，归类于高倾斜的尖叫到低声，从喉咙发出的低沉的咆哮；尽管歌词经常是冗长的，很难被理解的。碾核带来的思想意识上的侵略就是如此，超越了指向其发起于鞭挞金属和硬核朋克根源的顶端，很难让人完全描绘出它事实上听起来的效果。无可争议的，碾核音乐形式的发起者是Napalm Death，他们在1987年发行了第一张专辑Scum，这也是一张最具碾核风格代表性的专辑。在Napalm Death这个乐队里，碾核更具有艺术性，在音乐中隐含着阴冷，暴虐和现代的腐朽；加之他们的歌词被愤怒的群体所包裹着。在歌词写作上更极端的乐队便是Carcass，这是唯一一个真正成为原始碾核音色缩影的乐队；他们可怕，血淋淋的咆哮形式是逐字的从解剖课本上参考而来的，为了最大的震动效果。然而碾核最初的形式是有固定限制的，它的强度可以很容易就转为self-parody；在Napalm Deaths的第二张专辑中，他们已经开始尝试工业的质地，一种融化，它可以证实流行不仅仅是依热爱用鼓奏出jackhammer节奏的乐队，而是同样可以用像Godflesh那样缓慢，忧郁的韵律（它本身就是一个Napalm Death的支流）。碾核酷热的强度不仅被地下重金属吸收了，还被acant-garde和试验音乐这两个派系借鉴：如的噪音乐队the Boredoms和Merzbow发现了它的灵感，爵士乐手John Zorn形成了碾核思想的乐队Painkiller（它是以早期Napalm Death的鼓手为号召物的）。尽管完美的碾核是完全的英国现象，但早期佛罗里达乐队Death的专辑带有自然的，粗糙的和好供给的性质，从而使它们非常相像。除了吸取大部分碾核自然，恶魔般咆哮的嗓音特点，美国那些在有限的技术能力上相关联的死亡金属乐队，演奏出类似碾核般很快的节奏的歌曲效果。事实上，在90年代，Napalm Death的声音已很难分出是死亡金属或是碾核，并且Carcass已经成为一个成熟的死亡乐队。A.C.是少数几个仍坚持演奏原始碾核风格的乐队之一了。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Brutal Truth

        BRUTAL TRUTH是一支非常著名的GRINDCORE乐队，不过他们的音乐风格与来自欧洲的NAPALM DEATH、CARCASS等经典GRINDCORE乐队还是有一些明显的区别的。主要原因是乐队的灵魂人物之一的DAN LILKER曾经是激流金属乐队NUCLEAR ASSAULT的成员，因此乐队的音乐风格或多或少的带有激流金属的特点，结构比较完整，不象传统的GRINDCORE那样狂乱而失控，但依然保持了非常激烈极端的气质。同时，乐队的另一位灵魂人物KEVIN SHARP是一位前卫派的极端金属杂志记者，因此BRUTAL TRUTH的音乐也有着很强烈的实验色彩。总体上来讲，BRUTAL TRUTH无疑是一支出色的GRINDCORE乐队，但更确切地说他们是一支带有美国味道和前卫风采的GRINDCORE乐队。

曾经是Nuclear Assault(核攻击)乐队的贝司手Dan Lilker在退出乐队后不久，由于他对Hardcore的执着，很快便与两位志趣相投的朋友吉他手Brent McCarty和鼓手Scott Lewis成立了一支新乐队，算上最后加入的主唱Kevin Sharp，这便是Brutal Truth的雏形。当然，对于一个新的团体来说，标新立异是个不错的主意。乐队从S.O.D、Anthrax(炭疽、Winter(冬季)等多支乐团的作品中得到启示，并尝试将高速的工业噪音同传统的死亡金属相融合。正是在他们不断的尝试与探索下，“Grindcore”这种全新的音乐风格诞生了。

这种奇异的风格立刻获得了英国Earache公司的垂青，他们随即同乐队签定了合约。接下来的不用多说，一切进展得是那么顺利，甚至出乎他们自己的想象。1992年的首张专辑《Extreme Conditions Demand Extreme Responnses》大获成功，不仅成为当时公司卖得最好的唱片，而且还被一些媒体评为当年十佳金属唱片之一。直到现在，国外一些地下音乐杂志在推举最具影响力的唱片时，它依然榜上有名，足见影响之深远。之后，乐迷们更有幸得到了与他们接触的机会，这便是由公司组织的全美联合巡回演出。除他们以外，还有同属Earache的 Napalm Death(死亡汽油弹)、Carcass(尸体)、Cathedral(大教堂)这三支团体一道上路。一段日子以后，乐队又与Fear Factory(恐惧工厂)结伴而行去了趟欧洲。

两年之后，第二张唱片《Need To Control》问世，之前 Scott Lewis因为某些理由离开了乐队，他的位置由Rich Hoak 替代。跟以前一样，Dan Lilker依然将部分时间用于其它团体上，例如EXIT—13(他担任贝司手／键盘手，该乐队主唱Bill Yurkiewicz是Relapse唱片公司的创始人)，但这并没有引来同伴们的指责，相反，两支乐队关系非常之好，还一起去了澳大利亚和日本。

那之后的几年当中，他们几乎没有任何动静。乐迷们只是不时听说他们又去了世界的某个角落进行演出。直到1996年底，突然传出消息，他们已改换门庭，成为Relapse旗下的一员，并随之推出了一张迷你专辑《Kill Trend Suicide》。这意味着他们又开始大展拳脚了。果不出其然。乐迷们期盼已久的新作《Sounds Of The Animal Kingdom》终于在1997年底推出了，如果有机会你一定要买一张，你不会失望的——如果你的耳朵足够“死亡”的话。  
推荐歌曲：Birth of Ignorance（点击下载）

Raito

75.runge（垃圾摇滚）
        以运用the Stooges和Black Sabbath模糊，黑暗的声音作为基础，车库是重金属和朋克的混合物。尽管吉他是直接来自70年代早期的金属，车库的风格完全和金属不同。不管是歌词的手法或是车库在音乐上的的攻击都被朋克采用了，特别是被80年代早期有着自由思想的美国硬核。车库乐队的第一场浪潮---Green River, Mudhoney, Soundgarden---比第二场更为深刻，它开始于Nirvana。Nirvana在旋律上比他们的前辈更为优美，他们还以stop-start的特点著称，它失真，扭曲的吉他几乎成了这个风格的象征。在Nirvana穿越主流后，车库失去了许多它本质的自由和与朋克的联系，并且成为了在90年代重型摇滚中最流行的风格。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alice In Chains

        从很多方面来看,Alice In Chains乐队都是90代一个重要的乐队。 它汲取了后“Van Halen”式重金属的吉他套路和后朋克的阴郁气质,从中发展了一种荒、虚无之,将硬摇滚和原声音乐结构进行了平衡。该乐队风格对金属乐迷而言已足够有力,而黑暗的主题朋克式攻击又将其推向了西雅图Grunge摇滚乐队的前列。
在80年代中期,Layne Staley在高中组建了该乐队的最初原型,Alice In Chains。Staley于1987年在西雅图的仓库排练场The Music Bank与Jerry Cantrell相遇并开始合作。 Cantrell朋友Mike Starr（贝司手）和Sean Hinney（鼓手）也加入其中,乐队更名为 Alice In Chains并始在西雅图俱乐部演出。Columbia唱片公司在1989年与乐队签约,并之迎合重金属乐迷的喜好。1990年,该公司推出了宣传用EP《We Die Young》,颇受重金属电台欢迎。乐队藉此于当年夏天推出了首专辑《Facelift》。该专辑充满了Black Sabbath式的降调（将琴弦调得低于标准音高的手法）音响, 它也是乐队定型的第一步。《Facelift》在最初8个未能进入《公告牌》专辑榜,但随着Alice In Chains为Van Halen、Poison 和Iggy Pop的演出 担任开场,它开始受欢迎,《Facelift》在年底成了金唱片。其中单曲《Man In The Box》获得了 格莱美奖提名。

在《Facelift》大卖之后, Alice In Chains开始了他们在美国境内的巡回演唱, 而在这段期间之内,主唱Layne利用旅程途中的空档, 跟吉他手Jerry抓起吉他哼哼唱唱, 打发时间, 很随性的写下四首歌.就这样,他们在1992年4月发行了"SAP"这张 EP。这四首曲子, 皆由木吉他做为曲子的前导音乐,不难听出他们在旅程中的孤寂。在巡回演唱过后不久,Alice In Chains随即投入了新专辑的录制。1992年10月,发行了第二张专辑《Dirt》。这张专辑中, 值得注意的是由吉他手Jerry 所描写由越战带给他老爸心灵创伤的曲子“Rooster”。 其它如 "Junkhead"、"Dirt"、"God Smack"、 "Hate To Feel"."Angry Chair" 这几首曲子则是主唱 Layne 对社会、战争、宗教不满情绪的宣泄, 探触的角度比 "Facelift"还要深。

该专辑发行后,Staley因不适应巡演而离队,其空缺于 1993年1月由乐队1年前为Ozzy Osbourne开场时认识的Osbourne的贝司手Mike Inez填补。《dirt》 于1992年底达到白金销量,但其阴郁的歌词,特别是《Junkhead》和《Angry Chair》招致了许多关于Staley染毒的谣言。Alice In Chains当然地否认了这一点,并成功地参加了1993年第3届Lollapalooza 巡演,虽然他们排名于Primus之后,但实际上是最受欢迎的——这也使《dirt》销量 达到300万张。

面对成功,Staley更进入了异化、毒品和压抑的世界。在第2张专辑发行前, 西雅图由于Nirvana乐队的惊世成功而成了媒体热点,而Alice In Chains也成了一支另类摇滚乐队, 而非重金属乐队。乐队推出了一首单曲《Would?》,于1992年夏天收入了《Singles》电影原声带。

在1993年底,Alice In Chains展开了他们在欧洲的旅程。并在伦敦的录音室中录制了 "Jar of Flies" 这张EP。 于94年初发行。 这张EP,Alice In Chains尝试加入一些新乐器来改变风格, 如口琴、曼陀罗琴等乐器,给乐迷一个全新的感受, 也凸显出Alice In Chains的成长。它刚一推出便打上 榜首,创造了EP占领榜首的纪录。该EP证明了乐队对安静之声的喜好,而Cantrell也成了西雅图的吉他英雄。 Alice In Chairs除了专辑之外, 他们另外在电影 "Singles" 中献唱主题曲还有阿诺的大烂片 "Last Action Hero" Soundtrack中贡献了两首曲子 "What The Hell Have I"、和“A Little Bitter"。其实, Alice In Chains能如此吸引人,多半是靠Layne那沙哑的Vocal和无穷的创作力, 加上Jerry诡异的吉他风格, Bass手Michael、鼓手Saen适度的配合,词曲融入了喜乐、悲伤、 苦闷、失望….等情绪, 使得 Alice In Chains能够在众多的西雅图乐团中独树一格。

1994年晚些时候,Staley 作为Gacy Bunch——一支包括Pearl Jam乐队的Mike Mccready和Screaming Tree 乐队的Barrett Martin和John Baker Saunders的西雅图超级乐队的成员,参加了几场演出。该乐队后来更名Mad Season并于1995年初推出了专辑《Above》,在流行榜上升至第24位。同年,Alice In Chains 推出了一张同名专辑,打上了美国榜首。乐队又一次拒绝巡演,关于毒品与乐队解散的猜测再度弥漫。

1996 年,乐队进行了3年中的首次演出,为 MTV“不插电”节目表演,并在夏天发了该演出的现场专辑《Unplugged》。6月,乐队还为 Kiss 乐队的重组巡演头4场演出担任了开场嘉宾。 这些举动和 Cantrell 于1997年推出个人专辑一样,并不能消释关于Alice In Chains 之未来的种种猜疑。
推荐歌曲：Would?（点击下载）

Raito

76.Guitar Virtuoso（吉他鉴赏家）
        有才能，华丽的主席吉他乐手往往都是摇滚乐中最受珍爱的角色，但是这个现象延续到80年代后期吉他鉴赏家在主流摇滚中占统治地位。在80年代像Clapton, Jimmy Pages, Jeff Beck和Jimi Hendrix这样的吉他乐手因为他们很棒的吉他演奏才能已经造成了很严重的英雄崇拜。4个表演者都为70年代后期以Eddie Van Halen为代表的吉他鉴赏家的出现奠下了基础。作为一个狂热的Clapton的献身者，Van Halen刻苦的揣摩他的吉他技巧，开创了快速，技术上多元化的风格，它完全脱离了布鲁斯般抑郁的特点。已经有很少的吉他手很快在他之前，包括有相似风格的Steve Howe和Allan Holdsworth，但是缺离最初的摇滚形式远了很多。然而Eddie Van Halen是一个重型摇滚演奏者，他很快的带动起了大批的模仿者---这些模仿者大多不只是金属领域的，还有流行乐的。在80年代，这些浮华的吉他手支配着摇滚流行的主流舞台，很快完整的重型摇滚流派便显示于这些敏锐的吉他手身上。当然，每个金属或重型摇滚乐队，从Metallica到Whitesnake，他们都有一个主席吉他手，但是很快独奏吉他专辑变得流行起来。这些吉他鉴赏家---常常被吉他杂志称为‘撕碎机’---开始有了一群崇拜者，以Joe Satriani为例，他们也开始进攻主流音乐。在80年代的后期，吉他鉴赏家们统治主流的流行摇滚多达10多年之久，所以当它的地位一夜之间被Nirvana在1991年凭其粗糙摇滚挤进前十强而轰然倒塌也并非意料之外的事情。吉他鉴赏家虽然没有消失，但他们却是逐渐凋谢了，他们努力保持他们的唱片贯穿整个90年代，但是反应效果却相当的不好

具有该风格的乐队/艺人名单：

Yngwie Malmsteen

        1963年6月30日，在瑞典的stockholm，lars johann yngwie lannerback诞生了。这年的beatles刚在英国利物浦闯出一小点名声来，整整20年之后，当这个长大后满头棕发的婴儿踏上落杉矶机场的地面时，一段辉煌的音乐道路将正式铺开。

yngwie出生后不久，军官出身的父亲和具有艺术家气质的母亲离婚了。这个单亲家庭的成员里，yngwie是最小的。他的母亲rigmor，姐姐ann louise和哥哥bjorn都认为小时侯的yngwie（这个名字取自于他母亲的一个旧情人）是个野孩子，很不服管教，"他所做的一切都有一种野性在里面"。

音乐，尤其是吉他，起先并没有引起小yngwie的注意。早先他也试图学过一些钢琴和小号，但都有始无终，妈妈在他五岁生日时买给他的木吉他一直挂在墙上无人理会。一直到1970年9月18日那一天，情况才发生了根本性的变化。那天yngwie在电视上看到了关于吉他手jimi hendrix死讯的专题报道，他的心里仿佛有了某种触动。七岁的yngwie惊讶地看到hendrix如吸毒般陶醉地演奏，在音箱前用巨大的回授震撼着观众，最后将吉他付之一炬，这一切令让年轻的yngwie找到了自己的路。jimi hendrix去世的那天，就是吉他手yngwie诞生的日子。

yngwie最初的吉他是一把老mosrite琴，之后是一把便宜的stratocaster。yngwie通过练习deep purple这类乐队的歌曲来同时提高自己的音乐素养和吉他技巧，"深紫"的吉他手ritchie blackmore那种受古典音乐影响的演奏方式使他深受影响。而他姐姐对于古典音乐的喜好也给予yngwie来自大师们的启发：巴赫，维瓦尔第，贝多芬和莫扎特。就在yngwie开始尝试把这些古典音乐的结构和曲式融入自己的吉他演奏时，他那独特风格的雏形产生了。他每天几乎是一刻不休地勤奋练习，经常弹着弹着就一头歪在吉他上睡着了。

10岁那年，yngwie继承了母亲的姓氏，正式改名为yngwie malmsteen。这时的他由于过于专注于练琴，逃课成了家常便饭。而他在学校时候，则被看成是一个到处惹麻烦的家伙，因为他经常与那?quot;专门干傻事的家伙"打架。唯一出色的是他感兴趣的那两门功课，英语和艺术。他的母亲清楚地看到了儿子音乐上的天赋，所以非常开明的默许yngwie逃课呆在家里摆弄吉他和录音机。就这样，他的吉他演奏技法迅速地得到了提高。

如何在古典音乐的正常曲式和hendrix那种即兴演奏中找到一座联系的桥梁呢？19世纪俄小提琴家尼古拉·帕哥里尼似乎是一个答案。当yngwie在电视上看到一位俄国小提琴手演奏帕哥里尼的名曲24 caprices时，他开始明白如何把他对古典音乐的喜爱嫁接到舞台即兴演奏的魅力之上了。

15岁的时候，当yngwie把摩托车开到学校的主干道上时，学校显然已经不能再容忍这个张狂的家伙了，他只能收拾东西回家了。yngwie的第一份工作是在一家琴行做修理工，他的木工技巧在这里派上了用场。也就是在这里，他做成了第一个整体琴颈。这个琴颈的代价是一个17世纪的管风琴，他在琴颈上预留出音品的位置，然后把多余的地方挖掉，这样剩下的突起就成了品位。他把这东西装到一把旧琴上试了试，效果令他如此满意，以至于他把自己最心爱的吉他也拆了，换上了这个整体琴颈。yngwie发现最后的效果应该说是比普通吉他稍微难弹一些，但对琴弦的控制能力却得到了相当的提高。于是，整体琴颈成了日后yngwie设备的标准配置。

yngwie在当地组建了一些乐队，这些乐队的风格都是围绕他的重型吉他展开的，这在当时处处糜烂着以abba为代表的流行音乐的瑞典，真是对听众的耳朵和耐心的巨大考验。18岁的yngwie由于在智商检测中拿了高分而被军队征召入伍，也许只有yngwie才做得出来--他拿着枪冲到征募处，叫嚷着与其参军，不如去死的话。当征募官弄清楚他并不是开玩笑之后，就把他放走了。yngwie就这样捍卫了弹吉他的权利。 yngwie和几个朋友曾经为瑞典的cbs分唱片公司录制过三首小样，但是没有能够得以发行。失望的yngwie知道瑞典不是实现他音乐理想的地方，决定在国外进行发展，他开始往国外的唱片公司和乐队邮寄小样。其中一盘小样幸运地落到了shrapnel唱片公司的创始人，吉他星探mike varney手里，他对这位瑞典年轻吉他手的印象出奇的好。于是他邀请yngwie到落杉矶来参加shrapnel公司的新乐队steeler，这就是yngwie历史的真正开端。

以ron keel为核心的steeler首张专辑是一张典型的重金属专辑，其中yngwie在hot on your heels这首歌里留下了一段极其精彩的前奏solo。当这张专辑开始被乐迷看好时，yngwie已经来到了alcatrazz，一支由主唱graham bonnett组建的rainbow风格的乐队。yngwie在alcatrazz的表现应该说是很好的，由于乐队其他成员都是相当有才华的乐手，所以yngwie在其中并不显得突出，多数时候他老老实实的做着自己的本分工作，只有在少数几首歌，例如kree nakoorie，jet to jet和hiroshima中，才有他令人惊讶的solo表现。这对饥渴的yngwie来说显然是远远不够的，看来唯一的办法就是全力发展个人道路了。

在录制了两张专辑，no parole from rock'n'roll和live sentence之后，yngwie离开了alcatrazz。 yngwie的首张个人专辑，rising force（上升的力量）一举成功，在美国专辑排行榜上取得了第60位的好成绩，这对于一张以吉他为主，而且没有在电台上进行任何商业宣传的专辑是令人振奋的。这张专辑甚至还为yngwie赢得了格拉美最佳摇滚演奏奖的提名，接下来的一系列荣誉令人应接不暇：数本杂志的读者投票评选他为最有才华的新人，年度最佳摇滚吉他手，年度最佳摇滚专辑......
不少音乐家和乐队的首张专辑是其音乐生涯中最好的，yngwie也是其中之一，虽然yngwie的风格在这张专辑中的音乐还有待完善，但专辑中的那种激情和饥渴却是以后的专辑所无法比拟的。这张现在被誉为neo-classical（新古典）摇滚圣经的专辑无疑是这类音乐中的第一张也是真正最好的一张专辑。 yngwie新古浞绺竦男?髟谝衾稚洗锏搅诵碌母叨龋??蟮牧秸抛玺rilogy（三部曲）和marching out（推进）无论在歌词或音乐上都显得比rising force更为娴熟。这时候，yngwie独特的吉他技法和作曲能力已经在摇滚界产生了巨大的影响，不少乐手开始尝试这种新古典风格。其中有不少yngwie的模仿者和yngwie第二，yngwie第三等试图照搬他的技法，而并不是从那种独特的音乐理念上去把握新古典风格。由于缺乏yngwie那种音乐上的悟性，这些克隆们听上去总是有点滑稽和做作，这给新古典摇滚运动投下了消极的阴影。

不幸的事情发生在1987年6月22日，就在他24岁生日的前几天，yngwie驾驶的美洲虎撞到了树上，他的头撞到了方向盘上，把方向盘撞坏了，而他的头颅内出血形成了一个压迫右手神经的血块。在昏迷了近一周之后，yngwie醒转了过来，发现拿拨片的那只手完全失能。音乐道路是否就这样结束了呢？怀着深深的忧虑，yngwie开始了漫长的理疗，理疗过程中，yngwie的右手神经逐渐开始恢复功能。就在他的伤势完全康复后不久，又一个噩耗传来，他生命中给他最大力量和启发的那个人，母亲rigmor在瑞典死于癌症。最为可恨的是，yngwie的一个经纪人在这时落井下石，卷走了yngwie所有的财物，只给他留下了厚厚一叠的医疗帐单--这一切如果发生在普通人身上，恐怕是致命的打击。而yngwie却没有放弃，他很快把自己的精神从悲伤和痛苦中再次转移到音乐上来，只有这样才能挽救自己。

odyssey（奥德赛）是yngwie复出后的第一张专辑，他本人对这张专辑并不很满意，但却为他带来了更为广泛的听众群和主流市场。一首单曲及其音乐电影heaven tonight成为yngwie把风格转向适于滚动播放的第一次尝试，它也推动整张专辑在美国卖到了将近50万张的成绩。当然，这一切也要归功于来自原rainbow乐队的主唱joe lynn，在他的支持下，一次成功的odyssey巡演让yngwie的听众范围有了新的扩展，而不再限于那些狂热的吉他爱好者了。1989年2月间，巡演在前苏联的土地上场场爆满，莫斯科和列宁格勒的几场尤为成功（yngwie之后半年，才有bon jovi等乐队首次到苏联演出）。在列宁格勒演出的最后一场被录制成现场录象带发行，取名为trial by fire - live in leningrad（火的考验－－列宁格勒现场）。

巡演之后，这支被人称为rising force的乐队终于解散了，乐队成员各奔东西，yngwie不得不开始寻找新的合作伙伴。

迈阿密的新乐队 yngwie来到迈阿密发展他的新乐队，他很快招募了一支全部由瑞典人组成的乐队。主唱的位置由前john norum乐队的主唱goran edman担任，他高亢的嗓音正好与yngwie的古典旋律相吻合。其他的成员都是瑞典的不知名乐手，不过他们后来被证明是富有音乐才华的：贝司手兼弦乐师svante henryson，键盘手mats olausson，鼓手michael von knorring。这套全新阵容的第一张专辑eclipse（蚀）录制于迈阿密的criteria录音室，这张专辑中，yngwie在没有牺牲其古典音乐风格的情况下同样做出了易于接受的流行化音乐。

由于polygram唱片公司的促销工作不得力，这张专辑在美国卖的并不好，但是在日本和欧洲，eclipse却成了金唱片和白金唱片。yngwie终于放下心来，把解散rising force后一直隐约浮在他脑海中的担忧抛到了一边。 出于对polygram唱片公司的不满，他决定离开这个不能重视他的地方。就象yngwie自己常说的那样，他的生活就象"火与冰，要么是真的好，要么是真的坏，没有中庸之道。"一旦来自唱片公司的消极影响结束后，一切都显得那么充满希望。新的经纪人nigel thomas为yngwie努力寻找着新的婆家，直到1991年3月，yngwie和elektra唱片公司签约。

yngwie在elektra公司的首张专辑fire and ice（火与冰）中消除了前几张专辑中过于商业化的元素，重新回到了他最擅长的古典曲式。整张专辑就象它的封面一样，燃烧着yngwie火一般的热情。专辑的曲风受巴洛克风格的影响很大，充满了复杂的编排和精巧的装饰，而且yngwie终于能够在这张专辑里完成他多年来的心愿：录制弦乐作品。在no mercy这首歌里，yngwie将巴赫ochestral suite no.2中的一段badinerie重新改编后录了进去，效果相当不错。fire & ice在日本一上榜就直接窜到了第一位，发售的当天就卖出了十万张以上，专辑在欧洲得到了金唱片，在亚洲得到了白金唱片。

yngwie的生活真的就象火与冰，就在他回到迈阿密为新专辑做准备工作时，一系列不幸再次降临到他头上。1992年8月，安德鲁台风席卷整个迈阿密；1993年1月，与yngwie合作四年的经纪人nigel thomas死于心脏病；1993年3月，elektra公司决定不再和yngwie续约；同年7月，yngwie在一次意外事故中摔折了右臂；而在8月，yngwie被警方逮捕，造成了国际性的新闻，最后证明是警方认错了人。

1993年9月，所有对抗yngwie的力量都疲软了，10月间，当他的手臂完全康复后，yngwie和日本的pony canyon唱片公司签了约。新的乐队阵容是主唱michael vescera（前loudness乐队），鼓手mike terrana（前tony mcalpine乐队），键盘手mats olausson，贝司手由yngwie自己担任（来自落杉矶的barry sparks在以后的巡演中将会出任贝司工作）。

1994年2月3日，为了迎接即将进行的世界巡演，乐队正式开始排练。新专辑the seventh sign（第七印记）于1994年2月8日在日本发行。这张专辑又回到了yngwie早期那种富有攻击性的风格，比前几张专辑都来的重，和早期的marching out有相似之处。the seventh sign很快登上了日本国际排行榜的首位，并且在仅在日本就卖出了三白金的销量。cmc国际唱片公司买下了专辑在欧洲和美国发行的版权，在cmc的积极推动下，世界各地的yngwie歌迷都拿到了这张专辑，虽然在美国yngwie仍然无法取得好的销量，但在欧洲和亚洲，the seventh sign连带着yngwie以前的专辑都销售一空。

1994年9月和10月，pony canyon公司相继发行了两张细碟，power and glory（权力与荣耀）（主题曲是yngwie为日本柔道冠军takada所作）和i can't wait（迫不及待）（包括两首未发行曲目和几首在东京budokan剧院录制的现场版曲目）。在budokan的现场演出还被录制成日文版的录象带发行，cmc将这盘录象带在全世界进行了推广。这期间，yngwie一直在世界各地巡演，直到1994年11月，乐队才回到迈阿密的家中，奔波大半年的乐队真的需要休息一下了。

1994年12月，yngwie自己的录音室在迈阿密开始着手建设，复合地板，录音设备，控制设备，一切有条不紊地进行着。同时，yngwie的新专辑magnum opus（巨著）也开始了准备工作。由于yngwie和经纪人一致认为cmc在唱片发行机制上有问题，他们决定脱离与cmc的关系，在1995年6月，当magnum opus的母带送往日本的同时，yngwie和经纪人开始寻找新的欧洲和美国代理商。

magnum opus巡演开始于1995年9月的日本，完成日本17个城市的演出后，乐队又到英国和欧洲进行了为期两个月的巡演。中途出了一点小麻烦，主唱michael vescera因为感冒发展成支气管炎，落掉了几场演出。不过演出仍然照常进行，由yngwie自己来担任主唱，不过演出计划中的一些歌曲由于音高超过了yngwie嗓子的范围而被取消了。michael病好后跟到德国重新加入了乐队，正好赶上在当地举行的一个音乐节，音乐节上还有另外四支乐队，其中包括传奇性的金属战士saxon。岁末，yngwie和乐队结束巡演，回到美国度假。

yngwie的308录音室在新的一年开始的时候派上了大用场。yngwie邀来了一些老朋友，包括joe lynn turner，jeff scott soto，david rosenthal，marcel jacob和mark boals来参与新专辑的录制工作。长久以来，yngwie的心里一直渴望着能够录制一张翻唱专辑，向那些影响了他的吉他演奏和作曲方式的人致敬，包括deep purple，rainbow，u.k.，kansas，scorpions，rush和jimi hendrix。在老友johansson兄弟的鼓和键盘的支持下，inspiration（启发）专辑开始成型。4月中旬，专辑混音完成，封面美工也已敲定，这是由日本艺术家asari yoda设计的，他将专辑中被翻唱乐队的某种元素合成到一张画中，从中我们可以隐约分辨出这些乐队的名字或图片。

专辑inspiration发行后，yngwie又开始筹划新的巡演。这次巡演的乐队阵容可以说是最为强大的了，它包括了live in leningrad专辑中的贝司手barry bunaway，trilogy专辑中的主唱mark boals，长期合作伙伴，键盘手mats olausson和一位不同寻常的鼓手tommy aldridge（曾加入过ozzy osbourne，whitesnake，pat travers band等乐队）。巡演的第一站选在了南美，巴西和阿根廷的乐迷让yngwie的演出场场爆满。接着乐队又到了美国，日本和欧洲，在grunge席卷全球的同时，yngwie的演出依然保持了大量的观众，这证明，速度、力量和旋律合一的硬式摇滚/重金属并没有死亡，它仍然保持着顽强的生命力。

96年的巡演一直延续到年底，这次的巡演中yngwie弹坏了12把吉他。观众热烈的反映让yngwie再次充满信心地投入录音棚。这次的专辑将会非常特殊。 数月的辛勤工作之后，在迈阿密的308录音室，yngwie终于写好了他的第一部古典音乐作品，concerto suite for electric guitar and orchestra in eb minor, op.1（电吉他与弦乐，降e小调协奏曲，第一部）。

1997年1月，yngwie来到布拉格开始正式的录音工作。管弦乐队是刚刚度过百岁生日的捷克爱乐乐团。经过三天的录制工作，在亚特兰大交响乐团指挥yoel levi的配合下，yngwie多年来的梦想终于实现了。 由于某些原因，焦急的歌迷要等到1998年才能听到这张非同寻常的专辑，而这点等待也算不了什么--不少歌迷自打1984年yngwie首张专辑发表的时候就一直在等待了。

不等庆贺弦乐专辑的发表，yngwie又匆匆回到迈阿密开展预定在98年发表专辑facing the animal（面对动物）的录制工作。这张新专辑的鼓手是由资深的cozy powell担任的。这张带有黑色情绪和沉重节奏的专辑无论在评论家眼中还是在乐迷眼中都是一张非常出色的专辑，它被认为是yngwie近十年来最强大的作品。在yngwie的欧美发行代理商mercury唱片公司的大力宣传下，yngwie终于在美国受到了相当的关注，关于这张专辑的采访和评论在欧美各类杂志中层出不穷

98年四月的yngwie夫妇实在没有空去担当父母的新角色，因为他们正一道在巡演的路途上奔波。演出并没有因为小antonio的诞生而耽误，所以直到出生三个星期后，这个婴儿才得到他的身份证。四月的yngwie就象所有的父亲一样，始终保持着高昂的情绪，无论在飞机，火车或是汽车里，他总是不停地和大家开着各种玩笑。

当yngwie庆祝儿子的诞生时，也不得不面对一个悲剧性的损失，这也是整个摇滚音乐界的损失：在英国的一场可怕的车祸中，cozy powell被无情地夺去了生命。震动中的yngwie决定继续facing the animal的巡演计划，他又招募了新的鼓手jonas ostman加入他的巡演队伍。乐队到日本，南美和欧洲都进行了演出，在巴西的一场成功的演出被录制成现场专辑予以发行，名字很简单，yngwie malmsteen live!（现场） 对于北美的歌迷来说则是很不幸的，因为得不到赞助商和唱片公司的支持，yngwie在北美的绝大多数演出计划都被迫取消了。 巡演结束后，yngwie回到了迈阿密的家中，开始去适应一个父亲的角色。父亲的角色使yngwie再次充满了挑战性，他的热情和野心开始恢复到十五年前的水平。

1999年发行的新专辑alchemy（炼金术）几乎又回到了rising force时的那种硬朗的风格，而且声音也比上一张facing the animal更为欧洲化一些。这种根源的回归使yngwie在乐评和乐迷的心目中地位大增，不少久违的歌迷又重新投向了yngwie的音乐。在现在美国rap metal，hardcore盛行的时候，yngwie以最为直接的重金属带给我们一股清新的风，可以说alchemy是美国出产的欧洲音乐，这样的音乐总是能让我们兴奋不已。 yngwie malmsteen在其20年的音乐路程中经历了各种各样的大喜大悲，作为出道之作的rising force无疑已成为不朽的作品。虽然这20年间也发表了不少音乐上并不特色的专辑，但他的最新作品却又让我们看到了希望。让我们期待yngwie在新世纪继续给我们带来真正的重金属。
推荐歌曲：Devil In Disguise （点击下载）

Raito

77.Hair Metal（微金属）  
        微金属是一个用以讽刺的术语，用于对那些在80年代后期熟练的，以流行为起源的重金属和重型摇滚乐队。这些乐队创造了喧闹但是安全的舞台效果，也只有他们有更多有特色栩栩如生的视觉效果，因为他们存在与早期MTV时代。穿着浮华的服装，画着浓妆，很夸张被装饰过的发型，这些乐队有比他们音乐更与众不同，更吸引人的外表，尽管在90年代早期他们的装容和嗓音都遭到了诅骂。在Nirvana1991年把车库和另类音乐带入顶端之后，为金属乐队很快就死亡了，失去了他们所有的流行支持。一些还尝试着改变他们的嗓音，当另一些还用他们标志性的嗓音继续作无益处的努力抗争时。尽管一些乐队在90年代中期幸存下来了，他们已经采用比80年代更猛烈的声音，但是他们对流行痴迷的喜好还有标志性的音调却并未在作品中消退。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Cinderella

        Cinderella 是由费城两位经验丰富的酒吧乐手Tom Keifer 以及 Eric Brittingham 发起成立的。吉他手 Jeff Lebar 因为与他们在同一个酒吧演出，也就自然加入到急需一位吉他手的 Cinderella 乐队中来。他们选用的乐队名Cinderella（灰姑娘）被认为缺少重金属气质，但这正体现了乐队华丽、雌性的风格和打扮。一次偶然的机会，Bon Jovi 乐队的主唱 Jon Bon Jovi 在酒吧里认识了Cinderella，这位歌星事先预感了他们的成功，他向自己的唱片公司 Mercury 强烈推荐，次年 Cinderella 就和 Mercury 公司签约。在增加了鼓手 Fred Coury 后，1986年6月 Cinderella 发表了他们的第一张 Glam Metal 风格的专辑《Night Songs》，专辑销售出了200万张。Cinderella 一夜之间从一个 Club Band 变成 Rock Star。

1988年，乐队推出了第二张专辑《Long Cold Winter》，乐队吸取了大量布鲁斯音乐的精髓，并把它加入到他们所擅长的硬摇滚中去，这种音乐风格正好适合 Keifer 的嗓音，乐队受到了一系列的好评，专辑的销量达到600万张，在此以前， Cinderella 一直是为 Bon Jovi, AC/DC, David Lee Roth, Judas Priest 这些的巨星担任暖场演出，现在，他们可以自己独挡一面了。专辑《Long Cold Winter》之后是一系列的巡回演出，1987年 Cinderella 乐队与 Bon Jovi , David Lee Roth , Judas Priest 以及 AC/DC 等重金属乐队参加了据称有十万人到场的 Castle Donnington festival 音乐节。

不过乐队的巅峰之作当属在1990年推出的第三张专辑《Heartbreak Station》，每个吹毛求疵的乐评都不得不对它停止了批评，哀怨的布鲁斯与激烈的硬摇滚聚在一起凑成了一锅美味的大餐，加上吹奏乐器的大量使用，弦乐部分由 Led Zeppelin 乐队的元老 John Paul Jones 安排，Cinderella 已成为一支非常优秀的摇滚乐队。

1993年，Cinderella 的事业遭到几个严重的打击，首先是主唱 Tom Keifer 患上了声带结节并且日趋严重，精细的手术和禁声的治疗是非常必要的，否则将严重影响歌者的音质（其实你只要听过他的演唱，就会明白他的嗓子为什么会坏了）；然后 Fred Coury 离开了 Cinderella 加入了 Arcade 乐队，Fred Coury 的位置由 Ray Brinker 取代；但更不幸的是 Tom Keifer 的母亲去世，可以想象这对 Tom Keifer 的打击有多大。直到1994年，Cinderell a才出版了第四张专辑《Still Climbing》，然而此时的乐坛已是非主流当道，Cinderella 所擅长的 Pop Metal 已是强弩之末，Cinderella 的复出并未引起人们太大的兴趣，而且这张专辑也不如上张专辑出色，乐队惯有的布鲁斯风格也大大减少了，Mercury 公司并没有对这张专辑进行必要的宣传，《Still Climbing》没有得到预期的成功，销量远未达到白金数字（100万张），成了80年代重金属衰落的标志

1995年，Cinderella 匆匆结束了一次短暂的巡演便在人们的猜疑中解散了，不是乐队成员之间的矛盾或是不公的命运将他瓦解，而是唱片公司人为地因素将他掷入低谷，乐队各成员开始自己独立的活动。

1997年，80年代金属热潮在次席卷全美，在唱片公司热心支持下 Cinderella 推出了一张名为《Once Upon A...》的精选专辑，里面收录两首新歌：“War Stories” 和翻唱 Janis Joplin 的 “Move Over ”。

随着重金属音乐开始复苏，Cinderella 又开始活跃起来，乐队成员又重新聚在了一起。1998年 Cinderella 展开名为 "Unfinished Business" 的巡回演出，收到了很好的效果；2000年夏季，Cinderella 与 Poison, Slaughter 和 Dokken 等团体共同举行巡演，场面依然火爆，看来，Cinderella 的第二个春天又来到了。

目前 Cinderella 正与词曲作者 Desmond Child（他曾与Bon Jovi, Kiss等团体共同创作了许多热门歌曲）合作，新专辑《Down Street》将在2001年推出。
推荐歌曲：Coming home（点击下载）