Raito

85.Indie Pop（独立流行）
        独立摇滚曲调更加优美，更少噪音并且相对来说，能使人放开忧郁或类似的烦闷，独立流行通过更加着重于协调，排列和歌词创作上从而反映出地下更柔软，更甜美的一面。包含所有的事物，从chamber pop豪华的管弦乐到twee pop原始的直率，然而它在歌曲上的关注远远大于在声音上的，尽管独立流行和独立摇滚都是吸收了来自朋克自我的精神，但是前者丢弃了朋克的虚无主义观点，研磨了音速的手法。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Belle & Sebastian

        这个乐队取名于一个法国儿童电视系列剧，是说一个小男孩和他的狗是怎么互相珍爱的，可以说Belle & Sebastian也相当难能可贵，然而“难能可贵”可以是一个用来骂人的字眼，Belle & Sebastian却不具有这个字眼言外之意的那层贬义的意思——他们内向化却不孤立化，美丽却不懦弱，他们创作的旋律灿烂精致，听上去完整而统一。乐队在吉他手兼主唱Stuart Murdoch带领下，前后一共发行了7张唱片，并打造出一种类似于60年代流行乐以及民谣摇滚的亲密无间却又庄严宏伟的音乐，然而Murdoch的才华不仅仅体现在奇思怪想和超现实主义上，不安忧虑却充满情感的描绘更让歌曲无不反映出一种切实的现实感。

Belle and Sebastian成立于格拉斯哥的一个通宵咖啡屋里，在1996年1月。乐队的歌手兼创作者Stuart Murdoch与贝斯手Stuart David结识于一个政府培训项目，组成乐队后录制了一些小样，这些唱片给一个Jeepster的星探在参加Stow学院音乐项目管理课程时相中。这项课程由来自Associate的Alan Rankine开设，并每年由学院自己的品牌Electric Honey制作并发行一张唱片——通常是单曲碟。然而鉴于Belle and Sebastian早已有足够多的单曲可以录制一整张专辑，于是Belle and Sebastian的这张难懂的“Tigermilk”得以出世了，这张专辑的录制用了三天，只发行了一前张，而这当初的版本如今每张已被炒到了400英磅。

Belle and Sebastian接着在8月份与Jeepster签了合同，随后乐队在11月18日发行了“If You're Feeling Sinister”，这张唱片收到了带有批判性质的赞誉。同时，Belle and Sebastian参加了Tindersticks ICA的合作演出，随之又是11月初在Borderline举世瞩目的表演，这都让乐队首次体验到了现场表演的快乐。接着Belle and Sebastian开始着手计划用97年的夏季完成并发行一张单曲碟，这乐队的第一张EP“Dog On Wheels”发行于5月12日，这张唱片里包括了一些乐队早期的小样作品，完成与形成乐队阵容之前，其中还有“The State I Am In”的小样版本，这首单曲的专辑版本曾收录在“Tigermilk”的专辑中，Mark Radcliffe在其中有尽情的表演，而对于那些手头没有Belle and Sebastian那杰出的第一张专辑“Tigermilk”的歌迷们，这张EP便成为了他们的宠儿，这也让“Dog On Wheels”在单曲排行榜上窜升至第59的位置。

Belle and Sebastian的第二张单曲碟“Lazy Line Painter Jane”发行于7月28日，正好是著名的Union Chapel音乐演出在伦敦Islington开始的那一周。尽管教堂里音质相当糟糕，但乐队还是让前来观摩的歌迷们在教堂过道和座位上翩翩起舞。最主要的是这是Belle and Sebastian参加群体演出，也是大家难得的一次宗教体验。乐队的“Lazy Line Painter Jane”在单曲榜上冲破41的位置，正正好挤上40名，这也让键盘手Chris Geddes喜出望外，因为他事先和Jeepster的老板打赌说乐队挤不上这个位置。随后乐队又参加了在牛津和Colchester的South小型音乐巡演中的两场演出，并为首次登陆美国做好准备。

Belle and Sebastian的第二张专辑“If You're Feeling Sinister”由EMI旗下的The Enclave在北美地区于2月份发行，乐队还在9月份前去纽约参加了CMJ（College Music Journal）音乐节。接下来在Angel Oransanz Foundation Centre为The Arts——Greenwich Village的一个古老的教堂，参加举行了两场表演。当时演出的热情是如此热烈高涨，以至于一小块天花板都“加入”演出行列——Belle and Sebastian的演出差点把房子都演塌了。

Belle and Sebastian同时还被邀请去参加9月底在巴塞罗那的BAM音乐节，这次演出地点是在Plaza Del Rei的一个古老的庭院里，头顶着月光照耀、星光满步的天空，并伴着千万个怪兽滴水嘴的注目，Belle and Sebastian再次迷倒了歌迷。

单曲碟“3..6..9 Seconds Of Light”完成于夏季，在10月13日发行，而与此同时音乐媒体也突然发现了Belle and Sebastian的重要所在，Melody Maker和NME两大媒体同时把这张单曲碟命名为他们的本周最佳。尽管这张唱片电台播放率很低，但“3..6..9 Seconds Of Light”这次登上了单曲榜第23名，成为乐队第一张冲破40大关的唱片。

98年里Belle and Sebastian发行了“The Boy With The Arab Strap”，这张唱片成为乐队历史上至今最为重要的一张专辑，这张唱片一度登上了专辑榜第12名的位置，不过随后便消失得无影无踪了。与此同时乐队也一块消失了，不过有幸的是，乐队还是以一场欧美巡演再次回到乐迷的视野中。

对了，Belle and Sebastian还赢得了The Brit奖的“最佳新人”，不过这还要“归功于”Dennis Waterman的不争气，他的“I Could Be So Good For You (Theme from Minder)”混音版本实在相当糟糕。然而 Waterman懊恼的泪水还是赢得了补偿——第二年他获得了“Best Thing To Happen To Rula Lenska”这项尊贵的大奖。

Belle and Sebastian随后发行了第四张单曲碟“This Is Just A Modern Rock Song”，其中还有那首壮美的“Slow Graffiti”。

1999年对于乐队来说极其平静。年中唯一重要的事件还属“Tigermilk”的重新发行，以及在Camber Sand的Pontin's Holiday Camp举行的The Bowlie Weekender音乐节，这是属于Belle and Sebastian自己的音乐节。这次演出还有Mercury Rev,Teenage Fanclub,Flaming Lips,Godspeed You Black Emperor,Mogwai以及Broadcast等众多艺人团体参加。

99年接下来的一段时间，再加上2000年的前半年里，Belle and Sebastian把自己和Tony Doogan锁在了CaVa录音棚里，录制乐队的下一张专辑“Fold Your Hands Child, You Walk Like A Peasant”，这张唱片最后让乐队得以首次登上专辑榜前十的位置，这张专辑的EP也有前15名的好成绩，并让乐队第一次获得“Top Of The Pops”的荣誉。

名气渐长的Belle and Sebastian在此时内部却发生了一点问题，Stuart David离开了乐队专注于个人的玩票乐队Looper以及写书上。但这次变动没有错，他也确实不怎么弹得好贝斯。

剩下的成员在接下来的时间里专注于其他几个玩票项目：Bel的Gentle Waves,Mick的the Amphetameanies,Chris和Stevie的V-Twin以及Richard的Snow Patrol。

2001年1月乐队成员再次聚集，并和Tony Doogan一起录制新歌。新专辑中的“Jonathan David”首先以单曲碟形式发行，同时伴以Belle and Sebastian迄今范围最广的一次巡演——包括美国、加拿大，然后返回欧洲参加夏季的各种音乐节。还有一点值得注意的是在Todd Solondz的电影“Storytelling”，这部电影的原声在2月份录制于纽约的NYC和Hoboken录音棚，也在2002年的春季上市。
推荐歌曲：my wandering days are over （点击下载）

Raito

86.Indie Rock（独立摇滚）
        独立摇滚这个名字是从“独立”这个词来的，这个词代表了按照自己乐队的思想去做和发行唱片时小份额，低预算的特性。虽然大部分独立种类的音乐是靠主公司的牌子来进入市场，占取销售份额的，但是他们做决定的过程仍然是依照自己想法的。同样的，独立摇滚可以自由的探究声音，情感和歌词的主题，无需迎合大众的口味---大众和个人口味的利润是不一样的（尽管他们是这样做的，毕竟，还是想在商业中停留）。它根深蒂固于80年代的美国地下和另类摇滚，虽然自从那时开始地下摇滚乐已经开始发生了些小小的变化。感觉上这个词被广泛的使用，独立摇滚真正的使它自己从另类摇滚中脱离出来是在Nirvana冲击主流的前后。大众口味逐渐将另类改造为严肃硬核的新形式，在过程中使它更predictable和testosterone-driven。独立摇滚是一种亚文化的体现；不是所有另类摇滚都是通过Nirvana的激发，也不是全都想要如此。尽管独立摇滚还没明确分离涉及商业的朋克团体，但它还是不特别关心乐队是否继续特立独行还是出卖给了主流；一般认为，首先它不可能在创作多种音乐形式的独立摇滚和符合大众口味这两方面上达到平衡点。差不多有很多原因来解释独立摇滚乐队不相容的特征，但是以下的是一些共识：这种音乐可能太反复无常以及天真的；太怪异；太敏感和忧郁；太颓靡和病态；太空想和催眠；太自我和情感密切联系歌词；在它的作品中太低保真和低预算；在音调和重复段中有太多的棱角；太阴冷和研磨；包装了太多Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesus & Mary Chain-style的吉他噪音；在歌曲结构中太多的倾斜和破碎；受太多试验或是其他非主流音乐形式的影响。不管这种特殊的性质，这种摇滚的创者和听众都和另类音乐刚开始的时候很相像，排除由于这个交汇处，独立摇滚还是对于过度的testosterone采取很谨慎的态度。当然独立摇滚从没有很大的影响力或是强大的感觉；它只是很少有，或是从没有男子气概。在90年代到来的时候，独立摇滚发展为相当多的亚潮流并且相似于它的临近音乐形式（indie pop, dream pop, noise-pop, lo-fi, math rock, posr-rock, space rock, sadcore, 或是他们之类的），所有的这一切似乎都确实保持了地下现象的平衡。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Arab Strap

        从网上搜索Arab Strap,你会发现一群疯狂的人对他们的顶礼膜拜.闪也不例外.他们的音乐..是扣击灵魂的声音..就算我不喜欢男人的声音..可是他们也让我得到了满足..
Aidan Moffat和Malcolm Middleton这两个有点神经质的中年男人要告诉我们，爱情比想象得要脆弱，它是在不停地争吵，分分合合中度过的。他们的歌词是那么得直白，甚至可能连一向开放的西方人也接受不了。这就是为什么许多想和乐队签约的唱片公司最后都不得不放弃他们的原因。

这个乐队的名字Arab Strap原本是一种经常在色情杂志和情色电影中出现的SM工具，其功能是用来坚挺男性性器官。然而，颇具讽刺意味的是乐队的音乐风格恰恰和Arab Strap原来的功能背道而驰。低调，伤感，脆弱，不满，乐队在音乐和歌词中透露的都是对这种伪坚挺的不屑。或许，这种反讽意味恰恰是乐队主唱Aidan Moffat起这个名字的原因。这个乐队擅长用隐晦的低语加上一段段破碎的音乐语句来描绘看似毫不相干的音乐故事。这一块，那一条，凌乱，颓败，看不见亮色。但是，他们却能够用苏格兰人骨子里的那股特有的孤寂把这些音符串接起来，让这个世界上每个角落的受伤而又寂寞的灵魂共鸣。“我想瓦解你的信念和你大脑的安宁。我想看见你带着无赖的露齿微笑跪在神庙的圣物边。我想看见你为了错乱的极度痛苦凝视你自己的脸。我想听见你不眠地在外面的夜里叹息。我想看见你的血流进柔软的沙里。我想看见你在生活的轭下从永恒到永恒遭受苦难和折磨。”这段摘自冰岛诗人Steinn Steinarr的《黑暗的笑声》中的一小段诗句也许可以大略描绘这个在1995年组建的乐队的音乐信念。


把自己的这种风格在1998年的专辑《Philophobia》和2000年的现场专辑《Mad for Sadness》中发挥得淋漓尽致。大胆露骨的歌词在Moffat那刻意压抑在喉间的调调的演绎下，把痛苦表现显得格外得诗意浪漫，完全褪除了直白式爱情歌词带给人低俗的感觉。而Malcolm Middleton那配合得越来越天衣无缝的编曲更是催化了这两张专辑中湿透了的痛苦的意味。难怪有人会说Arab Strap的音乐要表达的就是低俗的爱情，高尚的痛苦。而2000年的另一张专辑《Elephant Shoe》倒是因为Aidan Moffat和Malcolm Middleton正逢爱情的滋润而使得这张专辑中的音乐变得阳光一些。没有关系，毕竟处于恋爱中男人总是会莫名奇妙的高兴起来。《The Red Thread》是乐队在2001年发行的专辑。里面沉溺的声音依旧，低调的氛围依旧。在专辑中，他们运用了他们所能够用来表达的所有方式，把自己全部的感觉都投入到了这张专辑的制作中。或许他们是想对前些年的音乐道路做一个完全的总结。所以，这张专辑中包含了所有Arab Strap乐队的味道，特别适合没有听过他们音乐的人来聆听。在Arab Strap2003年的专辑《Monday at the Hug and Pint》中，从第一首《The Shy Retirer》中明显加快的节奏到《[内容被过滤，请注意论坛文明]ing Little Bastards》中加重加噪的配乐中可以感受到他们求变的欲望。但是，说句老实话，这种尝试显然是失败的。从这两首歌曲中Moffat完全丧失魅力的嗓音中就可以略窥一二。最后，他们在专辑的后几首歌曲中又不得不回到原来的那种沮丧颓败的风格中。看来，他们求变求新的道路还是异常艰难的。或许说成也Moffat，败也Moffat。

很多人在听Arab Strap乐队后会联想到苏格兰另外两个乐队Belle & Sebastian和Mogwai。虽然他们都在Matador公司发行过唱片。但是，这三个乐队之间风格差别还是蛮大的。尤其是Belle & Sebastian，他们属于低调民谣中的清新派。音乐风格比起Arab Strap和Mogwai来多了许多鲜亮的味道。吉他更加明快，人声清爽而又富有朝气。而Mogwai则是后摇滚味道甚浓，尤其是他们这几年来的作品。吉他只用来制造声响，合成技术和电子鼓的运用也颇多。虽然，近几年来，Arab Strap乐队的音乐多多少少也受到浪潮汹涌的后摇滚音乐理念的影响，但是由于Aidan Moffat和Malcolm Middleton，尤其是前者骨子里的那种摆脱不了的民谣本质使得乐队再怎么变也不可能成为后摇滚运动的坚强追随者，最多成为后民谣强硬分子。
推荐歌曲：new birds  （点击下载）

谢谢楼主的解释，等着看楼主介绍Bon Jovi和linking park了。我听得比较少，接触到的也主要就是这2个和sugar Ray, MatchBox twenty. 不知道有没有机会看到楼主的详细介绍。

实在感谢大师的指导。

sailor

楼主太强了，音乐知识丰富啊，我在这里学到很多知识啊。

Raito

87.Industrial（工业）
        是摇滚和电子音乐最研磨和侵略性的融合，工业最初是avant-garde电子试验（tape music, musique concrete, white noise, synthesizers, sequencers,etc.）和朋克挑衅的混合。当工业开始发展时，它avant-garde的影响逐渐变得没有连续的重击，无情的，手提钻般的节拍重要了，这种节拍将它带进了更黑的另类到欢快的主流舞曲。工业标志性的声音是粗糙和带有威胁性的，但是它的愤怒是附属于有意的机械性和麻木的重复音乐下的，这能很好的适应歌词那种疏离与灭绝人性的主题。在90年代早期，Ministry 和Nine Inch把他们的多样性带进了工业中，展现给了广大的独立摇滚和金属的听众，但是一些顽固的工业乐队仍然选择保留地下的特点。最早的工业乐队---Englands Throbbing Gristle，Cabaret Voltaire和Germanys Einsturzende Neubauten---最初都和他们的音乐一样来诠释他们beyond-edgy的舞台艺术。第二代工业乐队---包括Skinny Puppy, Front 242, Nitzer Ebb---在他们原有的音乐形式上加入了连续打击的舞曲节拍，因为次风格常常涉及到电子形体音乐（以类似Wax Trax的风格为中心）。其间，如Ministry 和FMFDM乐队加入了金属吉他的重复调，这帮助了Ministry突破了在80年代末期和90年代早期的广大听众，Nine Inch Nails, Trent Reznor则加入了更多传统歌曲的结构并且形成了自己的特色，让音乐中很少融入人的出席并且在这一过程中成为了明星。这种更普遍来自工业的吸引人的紧张情绪继续影响了独立金属贯穿于整个90年代。尽管如此，在工业金属开始走向衰退的时候，一个工业舞曲接近于排外的电子固守于地下形式仍然继续兴旺，这是通过许多来自美国和德国的乐队。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Skinny Puppy

        Skinny Puppy(瘦皮狗)是温哥华的一支工业团体。作为黑暗派工业音乐的先驱，Skinny Puppy存在了十五年之久。他们的作品极端鼓吹工业音乐的冰冷机械，十几年里以暴力、性、世界末日为内容的歌曲着实吓跑了一批试图崇拜它的支持者，连他们歌特风格的扮相也成为媒体大肆攻击的对象。然而，Skinny Puppy依然坚定地把这一音乐类型向前卫风格演化，并且毫不妥协地使用令人反感的歌词。厚重的吉他，不停歇的、装甲板似的敲击节奏，还有疯狂的人声混合在一起，Skinny Puppy总是致力于攻击我们精神堡垒中的漏洞，挑战并激怒它。

最初的Skinny Puppy只是做一些阴森的舞曲，在Dwayne Goettel加入后，Skinny Puppy 开始注重采样效果和合成器的运用，音乐在保持了歌特气质、电子味道的同时更加突出了工业元素。80年代中期，这种融合后的风格被许多工业摇滚乐队接受，逐渐成为工业摇滚的主流风格。到90年代前期，乐队核心人物Nivek Ogre一直忙于发展个人事业，乐队开始出现危机。但在危机的背后，许多新乐队在Skinny Puppy 的积极扶植下成长起来。Skinny Puppy 在1996年推出了五年内的首张专辑《The Process》，专辑滑铁卢式的惨败，最终导致了乐队的解体。成员Cevin Key、Dwayne Goettel开始做个人发展，Nivek Ogre于1998年吸毒过量去世。

与很多工业乐队一样，Skinny Puppy对工业噪音的喜爱、探索是音乐上的，而并不是在理念上“鼓吹”其中的“冰冷机械”。事实上，很多工业音乐正是利用这种“冰冷机械”的声音来表现和反观现代工业社会和人性中“冰冷机械”。Skinny Puppy的音乐本身是复杂、黑暗的，同时是真实、自省的，Ogre甚至在舞台上将毒瘾发作时的痛苦真实展现给观众。

Skinny Puppy这个名字本身就具有这样的含义：一个受尽虐待、任人宰割的弱小动物，一旦它开始发声，那将是一种极端痛苦、愤怒的咆哮。他们的代表作之一“Testure”，用“那些笼子中颤抖的小动物，在痛苦测试中扭曲了的小脸，以及仁慈的‘白大褂’冷漠地按下真空装置的按钮”这些触目惊心的场景见证了在活体试验室中发生的一切。在一些现场表演中，Nivek Ogre也以极具震撼力的舞台行为艺术向人们展示所谓“动物实验”的残酷性。Skinny Puppy 甚至一度成为“动物权利”的代名词。此外，Skinny Puppy的音乐还带有鲜明的政治色彩，创作于1988年海湾战争时期的《Vivisect VI》，其中对化学武器、利益驱动战争、疾病等的有力描述使它无可争辩的成为历史上最优秀的反战作品之一。

1998年，Autechre、Neotropic、Adrian sherwood、Kmfdm、God lives underwater等一批乐队推出翻唱专辑《Remix Dys Temper》向Skinny Puppy 致敬，纪念这支历史上最“野蛮、率直、危险”的工业摇滚先驱。
推荐歌曲：spasmolytic （点击下载）

Raito

88.Industrial Dance（工业舞曲）
        在80年代，工业舞曲从一种朦胧试验形式到他相当流行，直接适合于对limp-wristed独立音乐，cock rock和重金属不喜爱的增长的观众群。早前因“电子形体舞曲”而著名的乐队，如Front 242, Nitzer Ebb, Skinny Puppy和Ministry获得了重大意义的在俱乐部的唱片播送权。在90年代，工业已经分裂为吉他和电子两种形式，后者经常坚持传统的电子形体音乐。Americas Cleopatra Records以最多工业舞曲表演为特色，包括了Leherstrip, Spahn Ranch和Die Krupps。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Diary of Dreams

        Diary of Dreams最初的成立是作为Adrian Hates的个人旁系乐队，早在80年代末期Diary of Dream就早已成立，但直到1994年乐队才发行了第一张专辑“Cholymelan”，这张专辑在吉他手Alistair Kane的协力帮助下不失为乐队的一张经典之作，为广大歌迷和地下音乐媒体所赞誉。  

然而随着乐队96年发行的第二张专辑“End of Flowers”，Diary of Dream的发展已势不可挡。这张专辑由Adrian自己的品牌Accession唱片发行。专辑“End of Flowers”的发行让Diary of Dreams巩固了自己在歌特/暗潮音乐领域内的地位，其中几首单曲还收录到了随后的几张compilation中。  

然而Adrian和Alistair的脚步却没有从此放缓，一年之后乐队的第三张专辑“Bird Without Wings”又新鲜出炉了。随着一场场的宣传演出，这张专辑的销量也节节判升，同时赢得了更多的赞美，而专辑的设计质量也甚为精良，高清晰度的图片效果，漂亮的衬页及排版，沿袭着“Cholymelan”精美的CD包装风格。从那时起，Diary of Dreams已无疑成为一股不容轻视的力量，Adrian的每张作品都能够成功地一次次超越以前的专辑，乐队的歌迷数量同时也在不断上升，独立媒体对乐队的采访越来越多，好评如潮。  

1998年乐队阵容有所变动，[Os]mium和Christian Berghoff加入了乐队，这为乐队的现场表演水平打下了良好的基础，同时为乐队的音乐和创作注入一股新鲜活力，这无疑也促进了Diary of Dreams第四张专辑在98年初的全新诞生，在这张“Psychoma”中乐队在音乐中结合了更多的电子元素，然而新的音乐元素在富有技巧的表现手法下没有使Diary of Dreams丧失他们原先独特而具有亲和力的声音，同时乐队凭借专辑中富有哲理性的歌词和华丽眩目的歌曲在不断前进发展的历程中又迈出了坚实的一步。  

Diary of Dreams历史的下一幕是专辑“Moments of Bloom”，这一张非常特别的带有“精选”意味的专辑，其中收录着前四张专辑的许多remixed以及remastered版本，还有四首新创作的单曲。  

接着在2000年2月，乐队的第六张专辑“One of 18 Angels”上市了，这激烈的11首单曲再次震撼着那些忠实的歌迷以及许多仍存疑虑的新乐迷们，同时还登上德国另类音乐排行榜。专辑发行后的整个夏季里乐队出席了一系列音乐节和同台表演，而乐队的阵容有了新的调整：Torben Wendt加入乐队成为新的歌手，同时乐队的现场演出也更加独具魅力而吸引人——两位主唱在声音和动作的配合下形成一个完美的整体。  

一年后即2001年的月份，Lil'K加入了乐队，在4月20日的Kopenhagen举行了在Diary of Dreams的首场表演，展现了他激烈而蛮横的吉他技巧。7月份Torben去加拿大短暂停留，而乐队继续由Adrian,Lil'K和[Os]mium参加各种演出。而现在Diary of Dreams正忙于创作他们的第七张全新专辑“Freak Perfume”。
推荐歌曲：Now this is human （点击下载）

Raito

89.ndustrial Metal（工业金属）
        当纯正的工业带着它主要的来自试验音乐和电子舞曲暗示，工业金属使电吉他扭曲的噪音成为了音乐中一个重要的组成部分。一些工业金属乐队让他们的歌曲建立在围绕着金属风格吉他重复段上，当其他的使用更多它能创造出的粗糙刺耳和研磨的质地。另一方面，工业金属一般比起straight-ahead金属来说，带有更多的侵略魄力，由此帮助了这种风格横穿于习惯了以吉他为主的金属和另类音乐的听众。工业金属的歌词也反映了黑暗和标准重金属的侵略性，尽管敏感性通过对朋克和另类摇滚个人意识上的疏远被筛选出来。无论它的愤怒是转向人性内还是表露于社会，工业金属永远表达一种阴冷和受折磨的焦虑的感情，通过它的重击墙壁般的噪音来抒发来自世界边缘的接近绝望的疏远。Ministry是最早的一个在80年代末普及工业金属的乐队，以他们为标志的建筑在重复演奏jackhammer guitar，电子，试验和失真声音上的碾磨；然而，Nine Inch Nails才是在９０年代早期真正把声音带向主流社会的乐队，因为Trent Reznor在谱曲和多层作品上的才能。由于NIN在成功上的激发，许多类似声音在另类广播上突然出现了，在近十年末期，许多流行另类金属乐队将工业金属电子的优秀作品适当的融入到了他们侵略性的混合音乐风格中。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Fear Factory  

        FEAR FACTORY是死亡金属界最早推行创新主义的少数几支乐队之一，其音乐融合了工业噪音、电子采样和节奏以及狂暴、杂乱刺耳的吉他声响，从而创造出复杂多变、阴冷沉重的音乐。毫无疑问，这是一种悲观的、具有逃避倾向的声音，但它恰好表达了高度工业化的现代社会中许多人对生活的感受。猛烈夸张的旋律加上叙事诗般的意境当然会赢得众多的支持者，于是成功显而易见。

“对于我们来说做到这一切都并不容易，”吉他手Dino Cazares回忆说，事实的确如此。乐队成立于1990年的洛杉矶，最初由主唱 Burton C．Bell、吉他手Dino Cazares和鼓手Raymond Herrera组成，其后加入贝司手Andrew Shives。“那时还是艺术摇滚的天下，他们当然不能容忍我们的存在……，我们只能在一些小型的聚会上演出。”但乐手们丝毫不为所动，继续坚持创造属于自己的音乐，并且终于在洛杉矶的Death Metal公司为其发行了两首颇具影响力的单曲之后，与著名的Roadrunner唱片公司签约。1992年，乐队推出首张专辑《Soul Of A New Machine》，它标志着Fear Factory已经成为一支真正的死亡金属乐队，而同年发行的EP《Fear Is The Mind Killer》则更是Fear Factory对其音乐理念的实践和对独立音乐的探索，其后于1995年发行的《Demanufacture》和1997年的EP《Remanufacture》都是这种创新精神的延续，一直到现在的《Obsolete》。

“这是我们所做过的专辑当中最困难的一张，因为我是在塑造一个传奇故事，” Burton说：“这一直是我们唱片的一个主题，我们的观点是让Fear Factory 的故事一直延续下去。”而《Obsolete》将被证明是一个特别的挑战。“我们并不想重复以前自己所做过的事情，” Dino解释说：“这正是许多乐队失败的原因，他们总是一遍遍地重复着自己的过去，而我们总在做一些新的尝试，不断地寻求突破。对 Fear Factory来说，没有所谓的过去，只有更新的音乐。”
推荐歌曲：Desecrate （点击下载）

Raito

90.Instrumental Rock（器乐摇滚）
       在最早期，摇滚强调的是容易的常包含着同样易记歌词的悦耳曲调。然而那不是经常的情形，假如曲调是足够的坚固，那么摇滚乐器就要理解并且开始打击。这种现象最常发生于在摇滚刚出现的十年里面，它在英国入侵之前建立了一种器乐摇滚的黄金时代。这种以打击乐器导向的曲调能够强调管风琴（the Tornados “Telstar”）或是萨克斯管(the Champs “Tequila”)，但是大部分时候它是以吉他为主的，如Duane Eddy的拨弦声，Link Wray内部模糊的音质，Ventures清晰摘取的反应，这些都对许多后来跟随于其后(Eddy 和the Ventures同样获得了相当多的单曲上的成功)的摇滚吉他乐手造成了一个极大的影响。The Ventures尤其受到了发展浪潮音乐的影响，它---除了一些像the Beach Boys 和Jan & Dean的组合---经常有重回音吉他乐器组成。尽管这种快速激情的挑选和中东的衡量有时被浪潮吉他的改革者Dick Dale借用，大部分浪潮音乐是相当简单，保留了它曲调的重点。在英国入侵之后，器乐敲打主要被限制于R & B领域，其中的乐手如Booker T. & the MGs 和萨克斯管手Junior Walker。疯克和disco在７０年代创作了一些乐器打击单曲，并且许多艺术摇滚乐手技术上的艺术鉴别力使它的乐迷珍视器乐的演奏，即使大部分的歌曲是以一个或其他的要点为代表的。这种强调技术上的技巧延续到了８０年代，当受过高等训练的吉他鉴赏家开始在重金属中占有支配地位，甚至开始录制他们的个人专辑。在９０年代，器乐音乐造成了在独立摇滚团体中的复原，在eclectic, avant-garde post-rock团体如Tortoise的领导下，浪潮摇滚复兴运动者如Man or Astro-Man也是一样的。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Tristeza

        Joe Satriani（乔·塞奇尼）1957年7月15日出生于纽约长岛，在他过完14岁生日不久，他心中的英雄吉米·汉德克斯去世了。失掉偶像的乔绝 定退出高足球队拿起吉它。自学三年后，乔在长岛地区小有名气，常能教上别人两手。有一天一个身材瘦小的小孩抱着一把琴和一打琴弦出现在乔·塞奇尼的家门口，向他求教，这小孩就是 后来成为进步摇滚音乐界一代宗师的吉它手——史蒂夫·范（Steve Vai）在日本生活了几年之后，乔·塞奇尼于1978年定居旧金山，并在著名的加州伯克利大学城内的“二手吉他”学校内教吉他。10年之中乔门下高手辈出，戴维·布莱逊、柯克·汉密特、查利· 亨特及艾力克斯·斯柯尼克等著名乐手都曾是 他的弟子。

1979年，乔和鼓手杰夫·加密泰力、贝司手安迪·弥尔顿一起组建了一支流行乐队：“广场”。后来这种能量巨大的三人结构 乐队形式一直伴随着乔的个演艺生涯。1983年圣诞节，乐认休 息的三个星期中，乔以闪电速度注册了自的唱片发行公司“奇 妙音乐”和以她妻子的名字命名的独立制作公司“鲁华娜”。在 推出了一张录有五首纯吉他音乐的EP专辑之后，乐队的另外两位成员开始讥讽他“神经错乱”，并预测他的录音生涯将不了了之。乔不为所动，反而以更大的热情，用5000美金的超低成本，于1985年制作完成首张完整的纯吉他音乐专辑《不属于这个星球》。直至今天，乔仍用“神经错乱”来赞美其他的优秀音乐 家。

尽管《不属于这个星球》没收到什么反响，但经由史蒂夫·范的大力推荐，为乔赢得了一家唱片公司的录音合同。这时乔以巫师般的狂热钻研吉他演奏技巧，风格日渐成熟。1987年的第二张个人专辑《与魔同行》推出不久即达白金并获得葛莱美奖提 名。1988年，乔两度中断自己的巡演，这期间留下的三首现场录音后来被整理成EP专辑《第11号梦》，使乔再获葛莱美提名。

在1989年的专辑《蓝色梦中飞行》中，乔一口气录制了18首曲子，并演唱了其中6首，只要听听其中的《我相信》，就可知乔作为一名歌手也功力不凡。1992年的专辑《极端分子》刚一推出就上了Billboard榜第24名，其中的主打曲目《夏日之歌》后来 被索尼唱片公司用作纪念CD问世10周年的特别歌曲。

1993年乔·塞奇尼重磅出击，推出双套专辑《时间机器》。第一张中收录了一批历年积攒的录音棚旧作和海外发行版本；第二张中则是14首现场录音。为《时间机器》而作的巡演场场爆满，被誉为摇滚史上难得一见的奇妙之旅。

1995年乔·塞奇尼推出第七张专辑《乔·塞奇尼》。之后经过一年筹备，由乔·塞奇尼、史蒂夫·范和艾力克约翰逊组成的90年代摇滚乐坛的最强吉他阵容G3乐队开始在北美洲巡演。这场历时24天的吉他盛会使得铁杆摇滚乐迷欣喜若狂。之后G3推出《音乐会实况》专辑和录像带刚一面市就被抢购一空。1997年5月G3远征欧洲，6月又回师北美、吉他巫师的神话在一场场激动人心的吉他演奏中延续。
推荐歌曲Crystal planet（点击下载）

Raito

91.Jazz-Rap（爵士说唱）  
        爵士说唱是一种将早期黑人音乐和当今主流音乐风格融合起来的一种尝试，在如今后者逐渐占据绝对地位的同时，它使得前者重新焕发出光芒。爵士说唱的节奏与hip-hop完全一样，其素材和音乐结构取自于cool jazz（冷爵士），soul jazz（灵魂爵士）和hard hop（硬爵士）。同其他风格的hip-hop相比，爵士说唱更具有一种理性，而且其艺术家在表演时也表现出一种以非洲为中心的政治意识和历史风格。由于有这些理智的特点，因此毫不吃惊的说唱从来没有获得大众的喜爱，但是它不仅仅是这样。在二十世纪九十年代初期，相对于hardcore（硬核）/gangsta所走的道路，爵士说唱把自己设计成正面明确的风格，从而来继承说唱潮流。而由于hip-hop的影响在歌迷中的逐渐扩大，使得它不能认同并接纳带有旧城区敌对情绪的音乐。爵士说唱在诸如大学校园里拥有大量的歌迷，同时它也被一些艺术评论家和另类白种摇滚迷所欣赏。非洲中心说唱组织，一个在纽约建立的自由团体，是爵士说唱最重要的中坚力量。它拥有A Tribe Called Quest,De La Soul和Jungle Brothers等，也有Digable Planets和Gang Starr之类比较著名的早期艺术家。从上世纪九十年代中期到末期，尽管说唱爵士从根本上包含他们本身富有生命力的hip-hop编曲，但由于另类说唱卷入到更宽阔的表现形式上,使得它已经不再是一种独有而单调的音乐形式。

具有该风格的乐队/艺人名单：

US3

        1993年，一支名为US3的爵士乐队，以他们的专辑《传递火炬》（HAND ON THE TORCH）在排行榜上获得了很好的成绩，这张巧妙地融合了街头HIP-HOP舞曲和经典爵士的专辑，成为了其所属的蓝音公司建立以来最畅销的作品，在这张专辑的每首作品中，都有乐队成员基奥夫．威尔金森（GEOFE WILKINSON）从蓝音公司以前经典爵士作品中取样而成的爵士乐曲片段，在兜兜转转了数十年后，爵士乐又成为了舞池热门，所不同的是，当年它是由大乐队在豪华舞厅中不停演奏，现在则是被DJ以打碟的形式反复播放在迪厅中，历史仿佛产生了轮回。

US3的这种音乐，就是酸爵士（ACID HOUSE）。从严格意义上，ACID这个词组并不能被子直译成“酸”，它更带有迷幻和恍惚的意味，在60年代的摇滚乐中，ACID ROCK便是迷幻摇滚，而到80年代，许多迪斯科舞厅开始流行一种叫ACID HOUSE的舞曲音乐，这种音乐漂浮恍惚，让人昏昏欲舞，显然其是受到了药品的作用，许多DJ很喜欢玩这种音乐。

同时，DJ也着迷于美国街头的黑人舞蹈，也就是我们熟悉的HIP-HOP，当年曾在中国风行一时的霹雳舞，就是早期HIP-HOP舞蹈的一个分支，它强调一种有力的节奏，以疯客和说唱构建自己的音乐。酸爵士就是在ACID HOUSE、HIP-HOP和经典爵士乐的基础上诞生的。
1994年Jazz/Hip-hop Fusion组合Us3以一首"Cantaloop(Flip Fantasia)"成为一大热门，这首歌显示该组合喜爱将Blue Note这个厂牌的经典录音加以采样（该曲原为Herbie Hancock的“Cantaloupe Island”）。组合在1991年于伦敦成立，当时演唱会推广人及爵士乐作曲Geoff Wilkinson遇到Mel Simpson，Mel当时为电视节目和广告jingles写曲。此二人制作了一首独立的单曲，"Where Will We Be in the 21st Century?"，该单曲售出少于250张。

1992年，他们的另一首歌"The Band That Played the Boogie"引起Blue Note的所有人Capitol Records的注意，并给予二人任意采样的自由。两人马上着手工作，聘请了音乐人和说唱歌手Kobie Powell和Rahsaan Kelly，Tukka Yoot后来也加入。其结果就是热门歌曲"Cantaloop"和专辑Hand on the Torch。

该组合去日本及欧洲巡回演唱，在现场表演中逐渐放弃运用采样，并在1993年的Montreux爵士音乐节的演出中获得好评。大多数爵士的出版物对Hand on the Torch不屑置评，但却被日本的Swing Journal评为年度专辑，英国的The Independen也将年度爵士乐手的名衔受于该组合。在推迟了几乎三年后，Us3以"Broadway & 52nd"于1997年重返乐坛，该专辑得到积极的评价但未能产出一首热门主打歌。
推荐歌曲：cantaloop Flip Fantasia（点击下载）

Raito

92.Jazz-Rock（爵士摇滚）
        爵士摇滚可以用来指爵士阵营中最吵闹、最狂野、最电子化的那些乐队，但它更多地被用来形容这个等式中来源于摇滚这一阵营的表演者们。爵士摇滚最早出现在60年代末期，它试图将摇滚所拥有的发自内心的力量与爵士所拥有的音乐复杂性和即兴表演融合起来。由于摇滚通常强调的是直接和简单而不是精湛的技巧，因而大体上可以说，爵士摇滚的来源是60年代末70年代初，那些在追求艺术上最有野心的摇滚亚流派：迷幻剂、前卫摇滚、以及歌手/歌曲作者运动。它融合了爵士乐更老练、更理智的一面，并常在乐器的即席创作中加入人声；此种学派的代表人物包括Joni Mitchell, Van Morrison, 和 Tim Buckle. 尽管如此，大部分爵士摇滚仍是由那些精力更为旺盛的摇滚团体来演奏的。他们中的一些是以即兴演奏为方向的，被他们扩展了的带有摇滚口味的即席创作充分借助了爵士乐中的和声及乐器，代表乐队是Traffic和Santana. 其它一些记录在案的带有爵士风味的R&B或流行乐队还有Blood, Sweat & Tears, Chicago和Steely Dan，他们运用了爵士乐中旋律性强、使用和声、富有节奏等特性，但对于即兴演奏和乐器使用上的技巧却不感兴趣。另外还有一些乐队，他们运用了爵士的复杂性来进一步扩展摇滚的音乐界限，不仅表现在器械技巧方面，还包括创作离奇的、令人深思的、难以预料的音乐作品，比如Frank Zappa和the Soft Machine. 而其中最主要的人物就是Miles Davis，他是自早期的R&B开始觊觎摇滚朴实的力量并对年轻的听众造成一定影响之后的第一个爵士音乐家。从“1970s Bitches Brew”开始，Davis70年代早期的作品 -- 其中大部分灵感来源于Jimi Hendrix 和 Sly & the Family Stone -- 迅速成为爵士摇滚唱片中最疯克、最边缘、最前卫的那部分。尽管像Zappa 和 Steely Dan 这类的人物在整个70年代都一直在灌制爵士摇滚的唱片，但到80年代，这场运动从本质上说已经消散，它的听众也被爵士摇滚其它更为成熟的音乐形式所俘获。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Van Morrison  

        从西元十七世纪开始，北爱尔兰因为种族、文化、宗教、政治与阶级的对立，成为分离主义最为盛行的地区，同时三十多年来，KB攻击与流血冲突更是瀰漫著北爱尔兰地区。然而，在这样动盪的环境里，仍然出现了许多杰出的音乐人，Van Morrison范?莫里生就是其中一位。 俨然是摇磙音乐界传奇的Van Morrison，不但是爱尔兰近代民谣革命运动代表之一及摇磙的精神宗师，他在创作及演唱方面的革命性作风，更已渗及整个西洋乐界近卅年来的发展行径。来自於北爱尔兰首都Belfast贝尔法斯特的Van Morrison范?莫里生，出生於1945年。1963年时，参与北爱尔兰六零年代非常重要的蓝调摇磙乐团─Them乐队，主要负责音乐创作与主唱。 Van Morrison待在Them乐队的3年多的时间，也是Them乐队成绩斐然的辉煌岁月，但就在唱片公司主导乐团的音乐方向日益严重之际，Van Morrison痛苦地决定离开乐团，并且开始了个人的音乐生涯。1967年，Van Morrison发行了他的个人首张专辑「Blowing Your Mind」，这张专辑不但是Van Morrison个人音乐生涯的里程碑，也是整个西洋乐坛最为尊崇的经典专辑之一。脱离了原本调性较软的Them乐队，使得Van Morrison在个人首张专辑「Blowing Your Mind」中获得更大的发挥空间，而他在文学方面的造诣，也得以展现在更多元的曲式中。开场的是一首轻松中带有年轻活力的Brown Eyed Girl，过耳难忘的吉他前奏已是经典中的经典；长达九分多钟的T. B. Sheets，却变成一首老成的蓝调佳作；Spanish Rose转换成流畅的抒情歌曲，到了Who Drove The Red Sports Car又充满了浓浓的灵魂味。Van Morrison如同紧贴著心灵的唱腔，和他多变的创作曲式一样令人嘆为观止。而开场曲「Brown Eyed Girl」，简单轻松的三和弦中带著淡淡拉丁味的曲风、经典的吉他前奏加上Van Morrison独特叙事风格的歌词，让这首歌曲，成为Van Morrison最为人所熟知的作品之一
推荐歌曲：someone like you （点击下载）