Raito

93.Jungle/Drum \'N Bass（舞曲/鼓与贝斯）
        Jungle起源于英国，他是一种出现在二十世纪九十年代早期的基于硬核技术的全新艺术形式。在所有的音乐风格里，它可算得上是最富有节奏的，其特点表现在完全依赖于快速的多节奏和鼓音变化。通常，它在硬核技术里最难的部分，即整个乐器的构成---仅有鼓与贝斯。就象它的名称含义所指示的，它比大多数硬核更明显受到reggae（西印度群岛的节奏很强的流行音乐和舞蹈），dub和R&B的影响---这就是为什么许多评论家宣称这种音乐简直就是黑人歌手创作心血的结晶，同时也使那些沉溺于硬核风格的DJ不得不开始关注它，然而，junggle从来没有放慢脚步来沿袭它以前的旧式风格，恰恰相反，它还在加速。尽管junggle成功的实现了音乐风格的转变，而且goldie1995年的首次演出在当时比起其它形式的音乐手法有了一个更宽广的音乐氛围空间，但是同大多数音乐所体现的风格一样，junggle最早是为一小部分具有献身（前卫）精神的听众而设计的一种单一风格，许多著名的艺术家都将注意力转移到junggle上，把breakbeats同爵士，电影音乐，ambient(氛围)和trip-hop融合在一起从而有更大的创新。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Lamb

        lamb由一队夫妻档组成，妻子Louise Rhodes 和丈夫 Andy Barlow。和许多乐队一样，妻子主要承担VOCAL的角色，而丈夫则主要摆弄一些器材，研究曲式的框架和如何弄出许多有意思的节拍与鼓击来。

Louise Rhodes 绝对不承认自己只是一个简单的vocal角色，她的嗓音特点绝对不是那种所谓的飘渺，而她的特色是多变，在转音和拖音上都常常一波三折。并且由她自己做词自己演绎。

其实lamb的音乐成分占比重更大的应该是Drum&Bass,搞不懂怎么会被归类为trip hop的。难道是女主音Louise Rhodes 鬼魅的唱腔还是其鼓机？可明明是典型的Drum&Bass玩法啊。

评论一则:

　　犹记得初邂逅到Lamb这队来自英国曼彻斯特市的二人组合时，早已对他们为之另眼相看。纵使在那个年头里，传媒与乐迷们只会短视地把他俩视为那群「后Portishead组合」抑或「Drum'n'Bass版本的Portishead」看待。但只要当你深入认识过Lamb的音乐的时候，便会洞悉二人能令人趋之若鹜之处，是所带来的音乐已不独停留着聆听的层面；在聆听之余亦能让人有思考与联想的余地，让人可作象征性的比喻。这才是最难能可贵的音乐艺术。

　　自己曾在两年前把Lamb的两位成员AndyBarlow和LouRhodes比喻为「茫然和苦恼的现代阿当与夏娃」，这是我看过二人的宣传照片与听到他们的首张同名专集时所作的联想。从事时装摄影师出身的Lou，本身已对视觉美学特别讲究。就Lamb在多年来的宣传照片而言，可见他们往往喜欢以大自然作取景，那就彷佛是这对阿当与夏娃在追寻回他们心目中的伊甸园般；然而二人所流露出的懊恼神情，却似是在徘徊于善恶的彼岸下重新面对这个美丽乐园时所泛起的不安情绪；又抑或这根本是反映出他们的避世意图。在背后你可有看到他们的一份自省性吗？

　　Lamb的音乐，往往是流露出一种对生命发出苦恼且惶恐的情绪，正如他们的第二张专集，亦定名为FearOfFours。

　　阴与阳

　　Lou曾以「阴与阳」来比喻过他俩的合作关系（这当然是不独是代表着男女性的分别），到底二人基本上是来自南辕北辙的音乐背景，对音乐把持着截然不同的观念。但Lou和Andy走在一起的时候，这个对比却得以构成Lamb的音乐交合作用所在。

　　我们知道，Lou的母亲是一位嬉皮民歌女唱作人，她自幼已跟随母亲出席夜店与音乐节的演出，兼且受其感染而开始学习唱歌，可以说民歌正是她的音乐根源。后来她爱上了HipHop和骚灵音乐，可是却无意向这方面的歌唱事业发展，所以还是专心在时装摄影的工作。另一边厢，Andy在九岁那年成为了银乐队的鼓手，从而奠定了他对节拍与鼓击的渊缘。后来他远赴美国费城升读高中时，得以对HipHop触发起浓厚兴趣；到了当他返回英伦那阵子又正适逢2ndSummerOfLove的爆发，早年的Techno浪潮亦为他带来了另一次无比的冲击。HipHop与Techno正是他所兼备的两种音乐态度。93年，他来到曼城攻读音响工程的课程，继而于翌年开始在当地从事Engineering与制作Remix的工作，同时他亦有以HipOptimist的名义制作他的HipHopTechno作品，更曾在当时开业不久的Brighton厂牌Skint旗下发表过Anafey这张细碟（Skint的第三张出品）。

　　这本是两个风马牛不相干的故事，又有谁去料到二人会有相遇的一天呢？

　　当遇上夏娃（后现代版）

　　来自不同圈子的Lou和Andy之认识经过并不传奇，双方只是透过朋友的介绍下而遇上。由于那时Lou不甘于摄影工作而希望重投歌手的生涯，但又不想作为那些弹结他唱歌的唱作人，因她明白到音乐已迈进了一个新纪元；而当时Andy又有意在现场演出时找来一位歌手合作。故二人经过几次会面之后，Lamb亦正式在95年成立。合作之初期彼此也经常因意见分歧而出现争辩的情况，但渐渐地却学懂了去尊重对方的迥异之处与个性。这就是Lamb的合作相处之道。

　　结果，当年自己听到Lamb的第一、二张细碟CottonWool和Gold的时候，已把他们视作惊为天人的发现。其实在他们仍未发表首张专集之前，808State已率先找来Lou在其DonSolaris专集里客串主唱一曲Azura（而808State的GrahamMessey亦有在Lamb的唱片里助阵）。

　　Lamb的首张同名专集，是96年度一张不可多得的出品。Andy所设计出带有实验性／机械性的Drum'n'Bass曲式建筑、Lou的哀怨演绎与民歌式曲调、爵士乐式低音大提琴、室乐式管弦乐……这些本是互不相干的素材，却能融会成Lamb的异色音乐世界，交织着人性与机械、感性与自省的交叉点。然而在音乐里所呈现出的哀愁孤独感与黯然的色调，才是其触动心灵之处。

　　三年后的今天，Lamb亦出版了他们的第二张专集FearOfFours。

　　在惶恐下逃避现实

　　FearOfFours仍是一张沉淀着幽暗色调与不寻常气氛的唱片：在其Drum'n'Bass或TripHop骨干底下，其实是一个幽悒的Dark-Pop世界。但原来在这张唱片的制作期间，Lou正怀有身孕。碟内的歌曲，都是她带着大肚皮在Lamb自设的录音室Toyshop里灌录。甚至她更用了当年还在其肚子里的孩子Reuben之心跳声作Sample呢。

　　同样地，这次的作品依旧用上不少有机性的真材实料伴奏，乐手方面除了之前已合作过的低音大提琴手JonThorne、弦乐团TheChainsawSisters外，还有小号手KevinDavy、TheDustJunkys的鼓手MikeyWilson、敲击手CrispinRobinson、Doves的低音结他手JimiGoodwin（此君也是Electronic新碟里的班底）。在音乐质感上，无疑比其同名专集时为更见丰富，音乐层次感更高。

　　唱片由一片神秘虚玄氛围引出的序曲式作品SoftMistake揭开序幕，也交代了这会是一张气氛幽闭而沉重的唱片。之后LittleThings在精湛的Drums'n'Bass曲式底下，Lou所道出是人们对生活琐事之遗忘，其实是对生命的迷失（Weforgetthelittlethings/Weforgettolive）。Lou笔下的歌词里，乃无形中反映着她对人生哲理的观点、道出了生命的谬悟。

　　在Jon的一手低音大提琴的弹奏与Mikey的爵士化鼓击下，令到这次Lamb作品更接近爵士乐轨迹。细碟作B-Line里Lou以妖孽般的嗓音成为歌曲的焦点，她的歌声乃苍白得好比Portishead在第二张大碟时的声音般，还有那达至疯狂状态的结他弹奏亦是功不可抹。新细碟AllInYourHands里Lou一下子变成如BillieHoliday般的爵士歌手功架，当浩瀚的管乐跟TripHop节拍丝丝入扣而来时，感觉是如斯荡气回肠。从她道出的一句"Every secondt a kesan hour / Ican'tsitstill"，那不安的情绪已直指人心。Bonfire在爵士化TripHop节奏用上了巴哈的CelloConcerto作Sample，所泛着的悲怆弦乐不禁令人怀缅起从前的一曲Gorecki。

　　明显地，这次Lamb是试图更强调出其有机性演奏的功架，歌曲的合作性亦较高。纯音乐EarParcel在配乐化的音乐背景与Breakbeat奔驰下，抢尽镜头是那技惊四座的Bassline独奏，何况还接上了TechnoRiff的点缀、Free-Form小号的吹奏，令作品有如剧力万钧而来。Softly以爵士鼓、低音大提琴与Bonga敲击构成的FullBand演奏，听似昔Sade的作品，甚有作为细碟歌的条件。而Here那复杂的节奏部分似是由拉丁节奏与部落音乐所混种而成，高潮所在当然是鼓击独奏响起时。

　　Lamb的作品往往是埋藏着耐人寻味的素材，这次较明显的是LessThanTwo和Alien这两曲。前者只有重复着五句歌词，Lou的三重唱方式与Ambient背景氛围，一下子Lamb也变成了CocteauTwins；后者则可听到Lou儿子Reuben的心跳声Sample，再配以深邃的电子Sequence与富有金属味的节拍，感觉却是幽闭与黑暗至极点。

　　从野心而言，FearOfFours无疑比Lamb的首张同名大碟来得更强烈。在歌曲里投射着人性的脆弱之余，他们也明白到音乐是唯一的逃避空间。

　　他们如何去投向电气化与Rhythm-Based的取向？由SteveOsborne取代EdBuller的唱片监制位置后会对他们造成怎样的影响？那彷佛为Suede这张三年来的"H"字头专集披上一层神秘感而来。
推荐歌曲：till the clouds clear pipi（点击下载）

Raito

94.Kraut Rock（德国摇滚）
        谈及的是70年代初期一批德国的乐队，他们扩展了艺术与前卫摇滚的声音可能性。这些德国乐队并没有跟随他们英美对手们的方向，创作那些以爵士乐和古典乐为基础的作品，或录制概念专辑，而是变得更加器械化和电子化。通过对早期的音响合成器的使用，以及将一些看上去毫不相干的磁带拼贴到一起，一些像Faust, Can 和 Neu 这样的乐队创造了一种更接近于先锋派音乐而不是摇滚乐的、低沉单调且富有节奏的声音。虽然这些乐队并没有在他们活跃的70年代造成太大的影响，但他们的音乐却在很大程度上促使了80年代初期后朋克特别是工业摇滚的兴起。90年代的时候，一些像Stereolab 和 Tortoise 这样的团体，开始把催眠节奏和德国艺术摇滚乐队的电子试验加入到他们自己模糊的先锋派独立摇滚中，德国摇滚亦开始风行起来。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Kraftwerk

        70年代中期，德国的 Kraftwerk 乐队勾勒了以后十几年中无数电子音乐家竭力追随着去实现的宏伟蓝图。从英伦 New Wave 运动到 hip-hop 再到 techno，乐队自己形容的“机器人流行乐”（用电子设备表现出的有催眠节奏的音乐）在电子音乐的每个新的发展阶段都产生了巨大的反响，深刻地影响着20世纪末同时代的流行乐。作为电子乐先锋，他们持久深远的影响无论怎样形容都不嫌夸张。
　　
　　Kraftwerk 是从60年代末的德国实验音乐团体中脱颖而出的，这个团体也孵化了像Can和 Tangerine Dream 这样的著名乐队。乐队核心成员 Florian Schneider 和 Ralf Hutter 首次相遇时还是西德一所古典音乐学院的学生。他俩起初在一个叫 The Organization 的五人乐队里，1970年乐队发行了专辑 《Tone Float》。接着 Schneider 和 Hutter 就解散了 Organisation，重新组建了自己的乐队并命名为 Kraftwerk（德文意思是“发电站”），开始在他们自己的工作室（后来称为“King Klang”）里制作起了音乐，沉浸在他用最低限度要求电子学创作的还不是很成熟的音乐中。他们1971年的首张专辑 《Kraftwerk 1》，提出了他们独特美学观点的早期雏形，并进行了一些创新的尝试，包括其中用到的由 Schneider 自己设计制作的电子设备。专辑中怪异机械的噪音处理和环境电声操作让当时的乐坛大吃一惊。
　　
　　接下来的是一系列的人员变换，甚至 Hutter 也一度离开了乐队。但是，到发行专辑 《Kraftwerk 2》 时， Hutter 又回来和 Schneider 一起工作了。这张录音没有用鼓，专辑的节奏部分全部由鼓机来提供，创造出了在那时还没有先例（从纯技术概念来看）的具有明显机械感的音乐，彻底地与传统音乐家背道而驰（正如当时的听众）。然后乐队举办了一些颇受欢迎的现场演出，直到他们第三张具有突破性的专辑，1973年的《Ralf and Florian》的发行。专辑把他们的野心和抱负精炼成一些简单但极有革新理念的动机，他们的音乐变得越来越具有启发性——尽管他们这种轮廓鲜明、科学的形象是完全处在那个时代流行音乐的对立面。
　　
　　Kraftwerk 在美国发行的第一张专辑，1974年的 《Autobahn》 获得了国际上的巨大成功。标题曲 “Autobahn” 长达22分钟半，剪辑后的单曲版在人们的家里和旅途中处处可闻。在美国这支先前不为人知的乐队却冲上了流行音乐专辑排行榜且居高不下。大部分用穆格电子合成器演奏的第一首序曲打破传统流行音乐的结构和旋律的同时，《Autobahn》 确立了独特的 Kraftwerk 之声。从这张专辑开始，Kraftwerk 便从 Krautrock 中蜕变到了纯电子音乐领域，并成功地闯入了流行音乐界，使电子音乐在主流音乐中找到了永久的立足点。
　　
　　1975年 Kraftwerk 以一张探讨无线电通讯题材的概念专辑 《Radio—Activity》 再次露面，专辑发行了德文和英文两个版本，预示了乐队在世界范围的流行。
　　
　　火车旅行是1977年的专辑 《Trans—Europe Express》 的主题，标志着音乐向机械化方向发展的运动正在兴起。《Trans—Europe Express》 对早期的 Hip-hop 产生过重大影响，它把一种比较冷酷严厉的节奏和胆怯神秘的高音调散射结合到了一起，这种效果具有催眠作用。Kraftwerk 善于使用重复部分，这种效果就像是节奏中带有弹性效应。曲子 “Metal On Metal” 就像是吹来一股凉爽的微风。
　　
　　1978年的专辑 《The Man Machine》 走得更远，在这张唱片里已完全失去了人类触觉。唱片封面的构图取自俄国结构主义大师 El Lissitzky 强硬的对角斜纹布局，它棱角分明的线条正符合 Kraftwerk 想表现的机器、动力等意想，乐队成员身着大红色的衬衫和漆黑色的领带，极富挑战性。这时，Kraftwerk 的成员甚至公开地称自己为机器人，开篇曲 “We Are the Robots” 更是巩固了这个形象。一曲旋律优美、典雅浪漫的 “The Model” 让人百听不厌。整张唱片的曲子结构严谨、编曲精细，乐队操纵起各种电子元素已是驾轻就熟，使这张专辑到达了 Kraftwerk 音乐事业的顶峰。
　　
　　紧接着乐队便从人们的视野中消失了，经过长期的缺席后发行了他们1981年的专辑 《Computer World》，却没有回到先前的动机，而是针对计算机这一将在全球范围占据统治地位的新技术的沉思——他们的音乐很早就对人类的将来提出了预示。专辑中的单曲 “Computer Love” 冲上了英国流行音乐排行榜榜首，之后他们便又消失了。
　　
　　沉寂了五年之久，1986年 Kraftwerk 推出了专辑《Electric Cafe》。这时，使用电子合成器和鼓机的流行音乐已经成了主流，乐队卓越的成就也使他们名垂青史。
　　
　　1991年，Kraftwerk 发行了一张名为 《The Mix》 的重新混音精选辑。以后的几年乐队一直保持沉默，直到1999年末才发表了单曲“Expo 2000”。
　　
　　回顾 Kraftwerk 的音乐历程，虽然到了后期乐队几乎没有发表什么新作品，但他们在现代流行音乐中的地位绝对是不可动摇的。从另一个角度来看，正是乐队这种寻求突破、不断创新的态度使其后来的音乐受到了限制，他们的完美主义精神为日后的创作设立了一个几乎不可能超越的标准。
　　
　　Kraftwerk 在70年代中期的三张专辑 《Autobahn》、《Trans—Europe Express》、《The Man Machine》 无疑是乐队最成熟完美的作品。Kraftwerk 的电子音乐摆脱了冗长繁复的结构，采用了小巧、循环的节奏编排，听来极为流畅悦耳。这三张专辑在当时的传统音乐家看来是离经叛道，却震撼了无数有革新理念的实验音乐家，使他们从此改变了自己的音乐道路。New Wave、New Romantic、Ambient、Hip—hop、Techno 甚至工业噪音等音乐都从中得到了启发，音乐家们在 Kraftwerk 音乐思想的指引下层层突破，使得今天的电子音乐极为繁盛。也许不少人还没有听过这三张唱片，但现在人们听到的流行音乐却都渗透着 Kraftwerk 的艺术理念。
推荐歌曲：the robots （点击下载）

Raito

95.L.A. Punk（洛杉朋克）
        洛杉矶朋克阵营是三大朋克阵营中最后一个发展起来的（另外两个分别是纽约与伦敦），而且既没有带来音乐上更多的变化也不具备什么冒险精神。但尽管如此，洛杉矶仍被证明是持续时间最长的一个阵营；在九十年代的时候，朋克经历了先是到硬核、再到另类摇滚的变异，然后又经历了回归到流行朋克的复兴，而在洛杉矶/奥林奇郡的区域，朋克却以或这或那的形式始终活跃着。虽然有以上这些原因，洛杉朋克依旧是指那些最原始的、前硬核的朋克们，通常他们先前都曾在贫乏而简陋的朋克乐队里演出过。大部分洛杉朋克都是快速而充满鞭打的，与常爱装艺术的纽约朋克和伦敦那些虽热情洋溢却处于业余水平的毛头小子相比，它拥有一种总体上的更强硬的震动。最主要的代表是X，他那非常态的亦男亦女的声音、乡村摇滚的节奏和雄心勃勃而充满文学性的歌词，应该已经成为符合CBGB规则的最佳典范。其他对洛杉朋克作出主要贡献的还包括：Dils 愤怒的社会主义者的政见、Germs 不够纯熟的原型硬核和充斥着焦虑的诗句、以及Weirdos 和 Dickies 不落俗套的幽默。由于它天生的对侵略朋克（aggressive punk）的偏向，在80年代初Black Flag （以及后来受它们影响的SST录音室）引领的新方向下，洛杉矶成为音乐形式向硬核方向过渡的中心。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Black Flag  

        Black Flag来自洛杉矶。他们的作品里夹杂着大量的重金属、实验噪音甚至爵士乐的成份，他们为Hardcore限定了自己的审美观。自70年代后期组建起，乐队就在全美各地不停息地进行巡回演出，并成为当时影响最大的美国朋克乐队。在朋克——重金属的混合成为时尚的今天，人们不会忘记早在15年前，Black Flag就创造了狂暴而又边缘化的表现形式。另外，乐队的歌词充满了政治观点和对社会阴暗面的鞭笞。更为重要的是，乐队作品带有明显的波西米亚风格，这不仅表现在音乐的实验性上，还表现在乐队对那种诗歌般境界的追求上。
在将近十年的乐队生涯中，Black Flag屡屡被成员变动所困扰，但乐队并未失去他们的精神。1977年，加州洛杉矶分校的毕业生Greg Ginn与贝司手Chuck Dukowski一拍即合，成立了Black Flag。后来又加入了Morris和鼓手Migdol，同时Ginn还开办了自己的唱片公司SST，并在SST旗下推出了首张EP唱片《Never Breakdown》，1978年，Morris与Migdol离队，组建了新的Hardcore朋克乐队Circle Jerks，而他们的空缺则由Chavo和Robo顶替。1980年，乐队发行了《Jealous Again》之后，开始了长期的巡回演出，同时，Chavo离队，取而代之的是另一位传奇人物Herry Rollins。Herry在当时只是Black Flag的乐迷，一天，他跃上舞台，与Ginn合作演唱了一曲，他出色的发挥使乐队把他留了下来，这时乐队还增加了第二吉他手Dez，他们为Black Flag带来了更重的音乐元素。
1981年，乐队推出一张被公认为成功的专辑《Damage》。Ginn以其惊人的创作力和想象力赢得了评论界的支持和肯定，《时代》杂志评价Black Flag的音乐为“哲人的朋克”。与此同时，乐队的多元化风格影响了一大批地下朋克乐队，Minutemen的爵士元素、Husker Du的民谣风格和Meat Puppets的乡村音乐痕迹都是对Black Flag多元化有克音乐的继承和发扬。
似乎想把失去的时间找回来，Black Flag于1984年重返录音室后变得十分多产。乐队又一次改变了阵容，加入了新的贝司手Kira Roessler。乐队先后推出了大碟《My War》、《Family Man》、《Live'84》，以及精选专辑《The First Four Years》。1985年，乐队又连续推出了三张力作：《Loose Nut》、《The Prosess of Weeding Out》和《In My Head》。Black Flag登上了事业的顶峰，女贝司手Kirar的演奏饱含激情，Stevens是乐队历史上最为出色的鼓手，Herry Rollinson的演唱在力量与速度上都有上佳表现，而他在演唱会上的即兴发挥更被传媒推崇为“摇滚的示范者。”和吉他手Ginn一样，Rollins乐于表现性格中感性的一面，他甚至会在演唱会上停止演唱，转而向数万观众朗读自己的诗歌作品。
85年的Black Flag得到了评价界的赞赏。《时代》杂志评论道：“Black Flag的阴凉太有魅力了，它生动、真实，而又精致复杂，令人眼花缭乱。他们并没有俱来的愤怒与凄美（这一点常常影响朋克阴凉的生业价值），但他们抓住了大量的歌迷，太难以置信了 ……”《In'My Head》带给歌迷明显的重金属成份，但绝非没有思想的重金属。《The Prosess of Weeding Out》是一张纯阴凉的爵士摇滚作品，令人想起当年的John Mclauglin和Tony Williams的名作。
正当Black Flag如日中天，Greg Ginn的兴趣越来越多地移向诗歌和经营他的SST公司上去了。1986年乐队发行现场专辑《Who's the 10 1/2》之后，Greg Ginn宣布解散。这给正在兴头上的乐队崇拜者和评论界泼了一头冷水，但发家多少又感到了慰籍，因为Herry Rollins并没有停止其朋克生涯，成立了另一支朋克/非主流劲旅Rollins Band，他将Black Flag他有的实验噪音和强烈的金属味占为已有，这也成功90年代非主流音乐兴起时的地下音乐特征。
值得一提的是，SST公司在发掘新兴地下乐队方面有重大贡献。Husker Du、Meat Puppets相继在SST旗下推出自己具有震撼力的首张专辑。而新朋克教父Sonic Youth也是由Greg Ginn慧眼识英雄地大力扶持的，八十年代未，Ginn—手捧红西雅图Grunge乐队Soundgarden和Screaming Trees。
TV Party （点击下载）

Raito

96.Latin Rock（拉丁摇滚）
        Santana 是在60年代晚期从三藩市地下音乐界破土而出的，在那之前，拉丁摇滚还没有成为一支商业力量，但它在直接简单的 R&B 曲风中却有着很深的根基 — R&B 是一种没怎么受到拉丁音乐影响的风格，它主要包括一些棕眼睛的灵魂乐队/东洛杉矶乐队，比如 Cannibal & the Headhunters 和 Thee Midniters.由于受到芝加哥运动所强调的注重文化与传统的思潮的影响，有一些以加利福尼亚为基地的乐队便开始把西班牙语的素材与拉丁美洲的打击乐器结合起来。虽然拉丁摇滚中只有 Santana 和 War 获得了成功，但还是有别的一些乐队也做出了好的唱片，比如 Malo, Tierra, 和 El Chicano,以及来自纽约的 Ocho, Mandrill, Eddie Palmieri的Harlem River Drive，和来自秘鲁的Black Sugar.

具有该风格的乐队/艺人名单：

Santana

        骋驰乐坛30多年的Santana，创作源源不断外，与乐迷始终保持良好的互动，Santana非常清楚自个儿的魅力，Carlos以Jam Session起家，摇滚史上几个重要的音乐季Festival，都少不了Santana的现场莅临，最受瞩目的是1969年超过50万人次的Woodstock，以及后来在达拉斯举办该年第三大的Texas International Pop Festival，1973年Rolling Stone定期访美巡回表演，亦邀请Santana助兴，1978年在第二届California Jam贵为上宾，1982年的音乐盛事US Festival ，盛邀几个重量级的乐团参与，Santana想当然尔的在应邀之列，1985年7月为援非而在英美同步举办超大型的Live Aid， 1991年远赴巴西参加年度盛会Rock Rio II，以及91年为追悼BillGraham所举办的35万人音乐会，都少不了Santana的身影，Santana在国际乐坛所受到的瞩目，让不同国度的乐迷都引颈期盼，恭迎其盛。

80年代初，World Music与New Age业已风行全球时，Carlos Santana亦不落人后的与时并进，在《Marathon》中浅尝一下New Age，完成了Aqua Marine，在《Zebop!》中又拾回以往的拉丁雄风，American Gypsy、Primera Invasion似乎回到70年代剽悍的气势，另外改编了Cat Stevens的Changes亦风味独特，倒是唱自Russ Ballard的创作Winning市场反应不错，10年来仅见的TOP 20。 Santana重拾对市场的信心，82年《Shango》的口味又添加了Afro-Cuban，Hold On及Nowhere To Run再度挤进排行榜。久未合作的昔日征战伙伴Gregg Rolie难得回老东家共谱了三首歌曲，气份颇佳，Gregg当时虽然已经离开一手创立的Journey，但是他并没有重回Santana的打算。 1983年的Carlos的第6张个人专辑《Havana Moon》更集结了Booker T & The MG's、Willie Nelson、Fabulous Thunderbirds等多位艺人助阵，比起自己的乐团搞的还要大，Carlos对音乐的玩趣未曾衰减。 1987年Santana的专辑名为《Freedom》，那是因为Carlos又再找回过去多位旗下乐友，共同完成了这张大碟，情谊大于音乐本质，市场销售仍然不见起色。 积蓄了一段长时间的能量之后，Santana于1999年再度出击推出《Supernatural》，与其合作的不是他人，正是与Carlos签下第一纸合约的Clive Davis，后来Clive成为哥伦比亚唱片的老板，当Clive转移阵地自组J. Records之后，仍不忘老友Carlos，两人首次共同制作唱片，没想到鱼帮水、水帮鱼，三十年后Santana的事业再创前所未有的高峰，Carlos Santana这么多年来，即使是低潮，也从未离开音乐，唱了30几年，乐音不断、节奏倒是越来乐猛，视野也愈加宽阔，不论拉丁乐，或纯摇滚，表现的依然亮丽，《Shaman》的精湛演出，有目共睹。当然Carlos有此成就并非凭空得来，没有过去的用心，就不会有目前的成就，Sony Columbia如今推出Santana的音乐史辑，与歌迷共享Santana的音乐生命，我们共同期待Carlos Santana的音乐乐章可长、可久、可远。
推荐歌曲：primavera Super Natural（点击下载）

Raito

97.Lo-Fi（低保真）
        在80年代初90年代末的时候，低保真已经不再只是对某张特定专辑录音质量的描述，它本身就成为了一种流派。贯穿整个摇滚史，唱片的录制往往都是在不合规格的设备上廉价而迅速地完成的。从这个意义上讲，那些最早的摇滚唱片、60年代绝大部分的车库摇滚和70年代后期许多的朋克摇滚都可以贴上低保真的标签。然而后来，低保真谈及的是搞地下独立摇滚的一类音乐人，他们用四轨的仪器在家录制其音乐素材。大部分这种音乐发源于80年代的美国地下，包括像R.E.M这样的乐队；另外还包括一批英国的原型朋克乐队和新西兰的乐队，比如the Chills 和 the Clean. 通常，这些低保真乐队会从简单的流行摇滚歌曲波动到自由形态的歌曲结构或纯粹的噪音与艺术性的实验音乐。尽管这些乐队保持了音乐的相对简单易与直接，但唱片质量低下的灌制、磁带涂层的声音失真与嘶嘶作响、以及抽象而愚钝的歌词依然使得他们的音乐声音显得不寻常而激进。最开始的时候，低保真的唱片都以自制磁带的方式进行交易，但也有一些独立的厂牌发布了正式的专辑，最著名的就是由Calvin Johnson经营的，领导了Beat Happening乐队的K Records.80年代末期，一些像Pussy Galore, Beat Happening 和 Royal Trux这样的乐队，在美国地下拥有了一小批狂热的追随者。到1992年，像Sebadoh 和 Pavement 这样的乐队已经通过他们蓄意做出的嘈杂而混乱的唱片成为在英美大受欢迎的崇拜偶像。几年之后，这种低保真美学在Liz Phair 和 Beck的帮助下以一种改进过的更加新型的式样侵占了主流市场。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Pavement

        支离破碎的歌曲，急促突然，爆发的回授，简短的歌唱，神秘，文学性的歌词，挑衅似的低保真。这些东西使PavemenT自己成为９０年代美国另类摇滚乐队中最为独特和最具影响力的一只。正是Pavement与Sebadoh一起领导了成为９０年代美国地下摇滚主要方向的Lo-Fi运动。乐队最开始只是录音室的临时演奏阵容。吉他手Stephen Malkmus与主唱Scott Kannberg，使这个临时拼凑起来的阵容演变成了后来的乐队。他们的首张专辑１９９２年的"Slanted and Enchanted"为他们吸引了同行，乐迷，和舆论的注意。没多久，乐队那独特的音乐－简洁，神秘的美国地下摇滚，对噪音的喜爱。使他们在美国和英国都引来了无数的模仿者。然而直到此时，乐队才因为一位臭名昭著的吸毒成员，前嬉皮鼓手Gary Young的加盟成为一支真正意义上的乐队。Young于１９９３年离开了乐队。当时乐队正在调整自己的方向，使音乐边的为干净直接。这次调整的结果就是１９９４年的专辑 Crooked Rain, Crooked Rain。因为其中的一首热门歌曲“Cut Your Hair"，使这张专辑成为一张畅销品。相对于主流来说，Pavement古怪奇异，最后乐队终于明白：他们注定只能做为一支地下乐队。

Stephen Malkmus 是在佛吉尼亚大学毕业后回加州开创他的音乐事业的，他与儿时的朋友Scott Kannberg一道组成了Pavement。１９８９年Pavement发行了他们的第一张EP：Slay Tracks: (1933-1969)。这张７英寸EP是在当地的一间叫做“比你认为的响”的录音室里，花了８００美圆录制而成的。录音室的主人,已４０岁的Gary Young在这张EP里，间或充当一下鼓手。唱片则在两人自己的唱片公司Treble Kicker发行。在这张唱片中，你可以听到the Fall,R.E.M,the Pixies,Sonic Youth的混合体。这张唱片虽然只发行了几百张，却成功的流传到了那些在非主流界很有影响力的重要人士手中，例如英国DJ John Peel。Pavement在唱片内页除了注明乐队成员"S.M.","Spiral Stairs"之外，就没有乐队的任何资料了。这使他们显得格外神秘。直到１９９０年，乐队发行EP:Demolition Plot J-7时，成员们真正才学会如何将所受的影响转化为自己独特的声音。这一年乐队签约Drag City公司，Gary Young也非正式的加入了乐队。１９９１年乐队发行了EP:Perfect Sound Forever。

马上他们举办了第一次演唱会。在他们准备演唱会时，贝司手 Mark Ibold成为乐队第四名成员。同时由于Gary Young经常缺席，他们又挑了一名鼓手Bob Nastanovich作为后备。乐队第一次以完整的阵容出现，并录制了专辑 "Slanted and Enchanted"。尽管乐队这些成员从未凑在一起录制过任何东西，这张１９９２年由Matador发行的专辑仍然赢得了很多好评。甚至当Matador还未开始进行促销。大肆赞扬的乐评就已开始在媒体上出现。刚开始，乐队的歌曲只是流传在乐评界和歌迷中，但很快，大街小巷就都开始谈论他们了。顺应时势，Pavement也踏上了全国巡演的路途。虽然这次巡演并未到达很多城市，乐队还是因为他们貌似草率的音乐和Gary Young哗众取宠的表演而倍受瞩目（他在入口处向听众致意并分发沙拉，在台上演出时倒立，有时则喝的酩酊大醉。）。终于Young在１９９３年被要求离开乐队。他对乐队最后的贡献则是１９９２年秋季发行的EP"Watery Domestic"。他的位置由Steve West取代。West是Nastanovich的朋友。West加入后不久，乐队早年间的录音由Drag City&127;&127;收集在一起，以Westing (By Musket and Sextant)的名字发行。

Young离开乐队后，乐队的音乐似乎被"净化"了。也许是因为有了一位坚定的鼓手并在真正的录音室里录音的关系。乐队的改变可以在 Crooked Rain, Crooked Rain里听出来。１９９４年的这张专辑几乎使Pavement跨入了主流乐队的行列。从某种意义上说，乐队已经做到了这一点。专辑打入了排行榜第１２１名，单曲"Cut You Hair"进入了“现代摇滚榜”与MTV的热门十大单曲。即使得到了如许好评，评论仍然没办法把Pavement当做摇滚明星而非地下乐队看待。这一年 Stephen Malkmus 与Scott Kannberg除了一手炮制出这张“热买”专辑外，还参与了Silver Jews第二张专辑“Starlight Walker”的录制工作。（Silver Jews的首脑David Berman是他俩校园时代的朋友。）

到了第三张专辑，乐队似乎又走回了粗糙，不加修饰的老路。１９９５年的这张"Wowee Zowee"比乐队以前的作品具有更多折衷主义成分，也显得更加不可接受，还沉迷在 Slanted & Enchanted 与Crooked Rain, Crooked Rain 中的乐迷与媒体纷纷批评这张专辑。其实也难怪如此，乐队居然将这次的录音地点选在监狱里。就是在这种气氛中，乐队度过了接下来的两年。然而在第五届Lollapalooza音乐节上，乐队却受到很大欢迎。１９９６年，他们在发行了一张EP：Pacific Trim之后，将剩余的时间都花在了录制第四张专辑上（由Mitch Easter监制）。1997年二月，乐队发行了Brighten the Corners，这又是一张倍受好评的作品，并登上了排行榜第７０位。

Pavement并非唯一的Lo-Fi乐队，却肯定是独一无二的Lo-Fi乐队。乐队成军十年，虽然只发行了４张专辑，但可以说张张经典。毫无疑问，今天的Pavement，已跨入了R.E.M,Husker DU等经典乐队级别的行列。
推荐歌曲：black out reading （点击下载）

Raito

98.Madchester（曼切斯特音乐）
        曼彻斯特音乐是80年代末90年代初英伦摇滚的统治力量。作为酸性家族中舞蹈节奏与旋律流行的融合体，曼彻斯特音乐的特色可以概括为平稳轻松的鼓点、迷幻的修饰乐句和上口的主调重复。它是以下几者后现代主义式的拼贴：熟悉的歌曲结构、时髦的编曲和态度、以及后流行的风格特色（也就是吵嚷的吉他、纷乱的风琴、加上敏锐的流行触觉）。正如Stone Roses 和 Happy Mondays这两支乐队所显现的，这种拼贴可以有两种方法。Roses是一支传统的吉他流行乐队，他们的歌曲虽有松垂的鼓点支撑着，却是正统的流行曲调，可以说是被现代化了的60年代的流行乐。Happy Mondays则像说唱歌手取样似的对音乐进行剪切和拼贴，他们的主调来源于Beatles 和 LaBelle ，然后将它们放到了阴暗迷幻的舞曲似的上下文中。尽管他们的方法不同，这两支乐队都热爱着酸性家族的音乐和文化，以及他们的家乡——英格兰的曼彻斯特。随着乐队的声望不断提高，在Happy Mondays一支著名的单曲之后，英国的民众开始把这两支乐队，以及和他们观念相似的一些乐队，如Charlatans [U.K.] 和 Inspiral Carpets，称为“曼彻斯特音乐”。（有时也被称为布袋音乐，因为他们总是穿着布袋般松垮的衣服。）曼彻斯特音乐曾经盛极一时，而其最后的衰退很大程度上是由于Roses 和 Mondays分别的沦为了懒惰与滥用毒品的受害者。除了在另类音乐圈内，这种流派没有在美国的造成太大影响，而曼彻斯特的后继者们—比如像Oasis, Pulp, 和 Blur这样严重被当代与古典流行之间冲突所影响的乐队—则在90年代中期成为了国际明星。  

具有该风格的乐队/艺人名单：

James

        感觉中一直喜欢把James和Smiths以及老摩的东西放在一起听，大概是因为他们的名字比较相像吧。当然原因还不只这个，James的音乐旅途开始于83年，而在当时他们最重要的一位支持者便是Smiths里的老摩，早年的James，
一直背负着"Post-Smith"的称号，但实际上Smiths也曾翻唱过他们的一首"What's The World"。其实，早时的James决没有Smiths那般如意，乐队初出道时原装 吉它手被判入狱，主唱Tim Booth曾身患肝病并染上毒瘾，成员要卖掉汽车以维
持生计，经理人毅然离去，遭唱片公司雪藏┅┅经历过重重波折的失意日子后， 在九十年代初James突然摇身一变成为策动Madchester热潮的超级巨星，接着他们意图走向成熟的Stadium Rock而未获成功，但是后来通过与Brian Eno的合
作而走进"知性派"的行列，沉寂数年后，James转向Drum 'n' Bass、BritHop、Industrial--Disco等跳舞音乐取材，毅然投向折衷主义的道路┅┅如今， 说起这些历史已不知不觉地带上"想当年"的囗吻。 "你小子别蒙人了！"我的那帮朋友一定会这么嚷嚷。特别是大立和老粉，两年前的一个晚上我们还站在华工图书馆的门前聊到夜深，而带着我们走进话题的， 正是James。"Ring / Ring The Bell / In The Town / ┅┅"我们还一起合唱 了他们的"Ring The Bell"。那时我还没欢庆我的二十岁生日，怎么现在竟然用
上比我那两位年长的朋友还要古董的语气在缅怀James呢？再说，James也还没解散呀。没错，James是没解散，但他们已经过时了。真的，James对大部分乐迷来说-- 不管是新一代的还是旧一代的，已经是支过气乐队了。就连我这个"James死硬派乐迷"，
也逐渐对他们淡忘了，过去每天必听的<Laid>，现在在家里的播放率已下降到每月一 次了。James是支流行乐队，不管他们的音乐是带着实验气味，或是他们的文笔是如 此的知性，"伟大的流行乐队"，这是他们自出道就定下的目标。当一支流行乐队跟不
上潮流的时候，他们便过时了。但流行乐队带给我们的，就一定只是流行音乐吗？想 起了SARAH，一家来自Bristol，以制作"完全和高质素的流行曲"为目标的小音乐厂牌。 这也是一家极有个性的厂牌，他提出反对废除黑胶唱片、反对制作B-Side歌曲等口号，
并许下不少诺言∶如只制作清新的流行吉它音乐、每张唱片封套上都会以Bristol市 风景为背景等等。而他的许多做法，无疑是与当时流行音乐潮流的方向背道而驰 。这是种以卵击石的做法，但他仍一一完成了许下的全部诺言，包括最后也是最
令人心痛的一个诺言∶在出版第一百张唱片SARAH 100后，结束了SARAH的生命。 今天SARAH已是清新吉它音乐乐迷心目中的圣殿，昔日旗下的The Field Mice、 Heavenly┅┅也成为清新流行乐中的经典。
James也许没有表露出SARAH那种非凡的勇气与个性，但他们仍具有毫不轻易妥协 的音乐态度。重温他们的每一张唱片，感觉到是这班朋友在每个阶段留下的印记，是勇 敢，是进取的见证。没错，作为流行乐队的James已经从我的心目中消失，现在留在我身
边的，是如同知心朋友般的James。其实，一支乐队面对音乐与生活的态度，是与他们 所玩的音乐类型没多大关系的。我不管当年Sex Pistols有如何尖锐的态度，至少，听 着他们重组之后的新唱片，我所能想到的最恰当评价是∶"Fuck Off！"
也许，是我们给音乐赋于了过多的意义，试图以音乐去解开过多的人生之谜。音乐不 仅是一种态度，音乐也不仅是一种生活，音乐只是音乐。 "Every Answer Found Takes Another Question The Further You Go The Less You Know ┅┅The Less I Know"

--James "Five-O"


推荐歌曲：The Shining James  （点击下载）

Raito

99.Merseybeat（默西之声）
        默西之声是英式入侵的音乐源头，它强劲而有旋律性，是美国的摇滚与R&B,以及英国的噪音爵士的混合体。披头士早期的唱片，如"Please Please Me" 和 "Love Me Do" ，就是这种流派的原型。不久之后，其它一些利物浦的乐队，如Gerry & the Pacemakers, Billy J. Kramer, 和 the Searchers也追随了此种风格。它之所以被称为“默西之声”是因为利物浦那条叫默西的河，此种风格在整个1963年和1964年的前半年极其风靡。但没过多久，一些R&B导向的乐队，如the Rolling Stones, the Kinks, 和 the Yardbirds出现了，同时出现的还有一些流行团体，如the Hollies 和 Freddie & the Dreamers。虽然这些团体都受到了默西之声的影响，但是这种风格本身却渐渐失去了根基，而披头士乐队也将他们的风格形式扩展到了更广的范围。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the Beatles

        The Beatles的确是一支颇具传奇性的乐队，这支成立于1959年的利物浦乐队可谓家喻户晚，乐队由四人组成，开创了许多新的音乐风格，启发了不少新的思维和概念，丰富了流行音乐的形式与内涵。到1969年，The Beatles因为内部产生分歧而宣布解散，共创作发行了数十首佳作和20多张经典唱片，这些作品大致可分为四个代表时期：一是初期，以专辑《Meet The Beatles》为代表；二是1965年的《Rubber Soul》代表他们严肃的实验期；三是代表神秘及迷幻期的《Sgt Peeper’s Lonely Hearts Club Band》；四是由《The White Album》(1968年)所揭示的百家齐放的成熟期以及后来的一张《白色专辑》和《The Beatles Anthology》。


六十年代的流行音乐与当时的社会一样，一切都刚刚开始．The Beatles的出现，带给青年人全新的音乐，到处都充满着活力，他们的音乐急速变化，迅速成长，在短短几年中征服了整个世界，人们称赞他们为“乐神”、为他们疯狂，哪有几个现代流行音乐人不曾受过 The Beatles的浸润?如果说美国的年轻人用摇滚乐去摆脱那种彷惶、迷惘以及空虚感，那么英国的年轻人则是用摇滚乐去冲破维多利亚时代所遗留至今的种种陈旧道德规范和传统的价值观念。他们最大的共同点是，在物质高度充足的享受中不甘汛灭自已的进取精神，在激烈的摇滚风暴中以反叛的形象来表达他们对传统理性的否定和想建立一个更加充满自由和人性的未来，The Beatles的出现是第一次以摇滚乐的名义成为这个时代最有象征意义的精神偶像，当时的乐坛也受到了巨大的冲击，The Beatles那一大批主题深刻、内容广泛的音乐能在精神上体现出摇滚乐的真正实质，在世界摇滚史上，他们及其灵魂人物 JOHN LENNON被公认为是真正的摇滚乐“教父”。


The Beatle那种“把明天遥远地抛在脑后．愿你多欢乐”的无忧无虑的情调，一扫当时充斥在英国舞台上的陈腐、伤感、古板和陈旧的气氛，从而几乎使英国年轻的一代狂热不已，The Beatles的倔起意味着美国流行音乐在英国的统治地位宣告结束。

推荐歌曲：Yesterday（点击下载）

Raito

100.Neo-Glam
        （Neo-Glam）个词不是用来形容80年代的微金属乐队的，它更多的是英伦流行的一个分支，正如英伦流行运动本身一样，它也是由 Suede 引领的。Suede 的这种新魔幻风格的确立效仿自使劲跺着脚的摇滚，和魔幻时期的 David Bowie 的广泛流行的歌曲，并将这二者与 Morrissey 内省式的浪漫主义结合起来。而这种拼贴的结果，很自然的，就是严重的不阴不阳。而追随 Suede 的英伦流行乐队也是典型的受到了英式风格的影响；但是也有一小部分特别的骨干分子专注于复兴70年代魔幻流行的遗留物，这样的乐队包括：the Auteurs, Nancy Boy, Placebo, 和 Spacehog.这种新魔幻的现象绝大部分是局限在英国内部，尽管 Spacehog 在美国观众中达成了一点小小的突破（并不是巧合，Spacehog是那些乐队中最不会不阴不阳的一个）。  

具有该风格的乐队/艺人名单：

the London Suede

        Anderson、Osman 生长于距离伦敦四十哩外的 Haywards Heath，早在1989年时这两位多年好友就曾组过乐团。后来他们透过在「NME」杂志上刊登广告的方式，找到前来应征的吉他手 Bernard Butler。三个人先组成了一支没有 鼓手，而依靠机器设定来填补鼓点的乐团。又过了一段日子，他们结识了曾经在伦敦 ULU兜售小型演唱表演票卷的鼓手 Gilbert，在相谈甚欢的情况下，三人决定邀Gilbert加入阵容。最后入团的是第二吉他手 Justine Frischmann，乐团至此，终于正式成立，属于该团的故事也才开始。

Suede 在成军之初，当时的报章杂志、同乡同胞、经纪人、唱片公司都对他们没什么好印象。他们觉得 Suede 的表演乏善可陈，毫无魅力可言，风格走向也极端的无聊。他们的公开演出，票房更是惨不忍睹，并非他们的表演欠缺水准，而是观众的反应并不捧场。他们的音乐不被了解，即使是在发了一张风格奇特的单曲「Be My God / Art」之后，也只是引起短暂的好感罢了，也许这就是他们不受注意的理由。   1992年起，全球流行乐界掀起了另一股风潮（此时第二吉他手 Justin 已离团）。Suede的现场表演忽然引起广泛的回响，就在他们于 Nude 唱片公司的首张专辑「The Drowners」发行的前一个月（五月），他们登上了「Melody Maker」杂志的封面，并被该杂志评为「大不列颠最棒的新进团体」。纵然这样子的情势逆转充满了神奇色彩，Suede 瞬间成为家喻户晓的乐团却是不争的事实。报章媒体纷纷报导他们是「最大胆、神秘、诡谲、性感、热闹、狂妄、流行的乐团；你会发现自己被他们的魅力所蛊惑，完完全全地爱上他们，无可自拔。」在乐团参加了英国最受欢迎的流行音乐电视节目「Top Of The Pops」之后，主唱Brett卓越精致的创作功力和唱功，立刻引来众家乐评的一片叫好声，并为该节目创下收视高锋。支持 Suede 的乐迷不断地增加，当他们回到家乡伦敦再次举办演唱会的时候，Brett 的衬衫被极度疯狂的歌迷撕裂三次。这般受欢迎的场面和昔日比较起来，确实有天壤之别。

1993年3月 Suede 发行同名专辑「Suede」，乐团开始声名大噪，被褒奖为「自从『性手枪 (The Sex Pistols)』的 「Never Mind The Bolloks」专辑之后，最令人延颈企盼的专辑。」这张专辑果然不负众望，各界好评蜂拥而来。专辑唱片销售量更是一举抢攻下冠军宝座，远远超过第二顺位的对手 Depeche Mode合唱团足足有4倍之多。也因此该张专辑成为自从 1984年 Frankie Goes To Hollywood 合唱团的「Welcome To The Pleasure Dome」专辑以来，销售速度最快的专辑：专辑发行后第二天即成为金唱片。随后在该年，最令人兴奋的事，莫过于赢得 1993 的 Mercury 音乐奖了。

之后到年底之前，Suede均忙于巡回欧洲、美国还有日本的演唱会行程、在 Glastonbury 的音乐节担任首席嘉宾，以及在英国境内一连串门票皆被销售一空的演唱会。1994年2月14日情人节当天，他们发行了单曲唱片「Stay Together」，创作意念完整，共分四节，全长8分钟，是张内容多变绚烂的经典唱片，不禁让人质疑，他们的下一张作品和这张唱片相较之下，是否会相形失色。这首单曲轻易地受到「NME」杂志及「Melody Maker」杂志的青睐，获选为当周最佳单曲；「NME」杂志认为这首单曲「充满强烈的企图心、多变的风格及令人难以抗拒的魅力，这些都让其它的歌曲受到的注意彷佛昙花一现般地短暂。就像所有的伟大事物一样，美得让人屏息。」「Stay Together」登上排行榜第三名，也使 Suede正式迈向新的里程碑。

两个月后，Suede回到 Master Rock 录音室，与制作人 Ed Buller 合作，开始灌录他们的第二张专辑「Dog Man Star犬人星」；这张专辑被誉为十年来最优的专辑之一。这张旷世巨作，不仅完全打破既有的创作模式，它也持续地感动了众人的心灵。

在「Dog Man Star」这张专辑完成的同时，Suede正式和吉他手 Butler分道扬镳，他们吸收了另一位年仅17岁的吉他手 Richard Oakes --来自英格兰南方「多塞特郡」(Dreset)的 Poole地区。和报导 Butler的离团一样，音乐杂志也纷纷告知 Suede有新人加入的消息。之后 Suede在欧洲、美国、日本展开了一连串的演唱会，和新任吉他手 Richard 的配合默契十分良好。

96年出炉的专辑名称是「Coming Up呼之欲出」，这张由十首歌曲组成的专辑是 Suede 成军以来最棒的专辑。第一首单曲「Trash」全长四分钟，可说是流行乐的经典之作；他们百分之百的浪漫，批判狂热度也是绝无仅有的。Suede 从没有像现今这般受欢迎，这么名气响亮，表现得如此优秀，受到如此为数众多的推崇。或许他们的音乐有点奇怪，然而不可否认地，他们受到大家的爱戴。

Suede的「Coming Up」专辑的录制时间，从1995年12月，一直到1996年5月才结束。专辑由 Ed Buller 制作，录制地点分布于伦敦周围的数间录音室，最后的混音工程则在Dave Bascombe手中，于 Whitfield Street录音间完成。在发行了「Suede」及「Dog Man Star」两张水准之上的专辑后，Suede 能获得如此高的评价，并不难想象（「Guardian 」杂志曾经评选出有史以来100张最佳专辑，其中90年代只有4张专辑入榜，「Dog Man Star 」就是其中之一），而他们在「Coming Up」专辑中的杰出表现也是倍受赞扬，在全英专辑榜雄踞亚军席次。Richard Oakes如今已是一名杰出的艺人，而 Brett Anderson 的才华，无人可及。这张产生了五首全英Top 10歌曲的专辑「Coming Up」已臻完美之境，它成为流行乐界试图超越的新标竿。

1997年入秋之际，Suede为等待他们新作品许久的歌迷们先行暖身发行了一套两张的CD，这套名为「Sci-Fi Lullabies」（科幻摇篮曲－B-SIDE作品精选）的专辑，顾名思义是汇整了过去五年来，Suede所出版过的13张单曲中的B-Side歌曲（不包括现场演唱版本）。其中汇集了亦是Suede mania心目中经典抒情曲之一的「My Insatiable One」...27首所有Suede mania均耳熟能详的乐章，每一首作品都是出自Suede团员手笔的完美佳构，绝对没有滥竽充数的粗劣作品。

经过一年半的养精蓄锐，Suede自1998年中开始为新专辑「Head Music头号酷乐」进行录制工作。在这张该团的第四张完整长度专辑里，Suede开展出与之前不同的合作关系，他们这次不再和一向的共同制作Ed Buller共事，转而与Perfecto的核心主脑、早期Happy Mondays经典作品的大功臣Steve Osborne合作。主唱Brett Anderson表示，在「Coming Up」专辑之后，他想要做一张感情成份比较不那么重的专辑，就某种角度来说，也就是比较诚实而直接的作品，因为有时候感情用事会使得事实的某些部份被掩盖掉。不过不要误以为这是一张晦涩难懂的专辑，「Head Music」里的音乐会火热地烧入你的脑际；当然，比起「Coming Up」专辑来，本张专辑显得较为冷静，但它呈现出更具渴求感、更为忿忿不平的感觉，它呈现出1999年的现代摇滚乐团所该有的声音：一种炽热燃烧、绝对不会在地球上的另一处角落、另一个时间所制造出来的声音?   贝斯手Mat Osman曾说过Suede的成员是在「Coming Up」专辑录制完成后，才真正地成为一个团体。照这样的说法，「Head Music」专辑就可说是Suede以新阵容重新出发后的首张佳作，是一张乐团至今最难以归类的专辑，但也可能是进入千禧年前你能听到的最具现代感的专辑。这张专辑首周进榜即获全英季军，足见它也获得了大众的认同。 「这就像现代艺术，」Brett如此说道。「一幅很棒的现代艺术作品通常都是出自由极少笔划即勾勒出整幅作品的画家之手。这就是我想要做到的。用最不矫饰的低调手法表达我的感受。」

虽然「Head Music」成为一张冠军专辑而缔造Suede的另一生涯高峰，但接踵而至的种种事件却让Suede的未来显得是那么地不确定，阵中深受乐迷喜爱的键盘手Neil Codling毅然离团，乐团与专属会计师对簿公堂，对已灌录好的整张专辑感到厌恶而舍弃重头来过…；最终Suede仍旧历时一年闭关完成2002年的最新作品「A New Morning清新早晨」。灵魂人物Brett Anderson表示专辑之所以命名为「A New Morning」，亦象征着此作正是乐团的另一个全新开始。

除了乐团编制经过小幅更动而网罗前Britpop乐团Strangelove成员Alex Lee入替Neil Codling之外，更重要的是「A New Morning」在Stephen Street(Blur、The Smiths)这位Britpop全盛时期金牌监制主力制作下，不仅贝斯手Mat形容此作是更为温暖与简单(专辑曾一度命名为「Instant Sunshine」)，同时也已让人预料到「A New Morning」会重拾Suede昔日吉他流行曲基本步而舍弃Head Music的电气化实验风格。

之所以把SUEDE放在第一个介绍，是因为CLERIC认为他们是最最符合"唯美"这个条件的BAND了，呵呵。SUEDE来自英国伦敦，1991年成立，原来就叫SUEDE这个名字，后来因为署名权的缘故曾经一度改名为THE LONDON SUEDE，最后不知怎么的又叫SUEDE了。SUEDE，就是山羊皮的意思啊……汗，这个名字好像不太唯美的说，但是在欧美，乐团的名字很多都是怪怪的，什么"DOG""BUFFALO"的都有，所以我们就不深究了……汗。

推荐歌曲：the power （点击下载）

Raito

101.Neo-Prog（Neo-Prog）
        新前卫是前卫摇滚的一个分支流派，产生于80年代初由一帮英国为主的乐队所倡导的运动，他们强调一种不论是在乐器使用上还是在词曲创作上都比***潮更为深入的音乐。这种风格中首当其冲的便是Marillion，他们最开始是作冗长的俱乐部巡演，但不几年便脱颖而出成为畅销榜的榜首，并几乎以同样快的速度抛弃了流行口味。新前卫乐队大多受到了早期的 Genesis 和 Camel 的影响，并小部分地受到了 Van der Graf Generator 和 Pink Floyd 的影响。这种音乐比普通的摇滚乐有着更华丽的声音，但是缺乏真正调和的前卫乐队（如Yes or amel）的那种完善性。从技术上来说，这些乐队的特色是趋向于使用一种即兴的方法表演，注重于大量的不断变化的solo；在最出色的状态下，新前卫音乐的歌词是深入、尖刻而富于洞察力的。到底新前卫是平淡无力的前卫音乐还是富于冒险性的流行音乐取决于听者——大部分听前卫摇滚的人都可能觉得这种风格无趣且缺乏挑战性，而 AOR 的歌迷们则会觉得这样的混合比大部分摇滚乐队有趣多了。虽然此种风格的主要乐队都仍然在发行他们的专辑，但是实质上，在1987年 Marillion 的主唱 Fish 离开乐队的时候，新前卫的经典时期就已经结束了。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Dream Theatre

        Dream Theater，堪称是90年代以来最重要也最具代表性与影响力的前卫金属乐团，其92年所发表的专辑《Images and Words》，为当时的金属乐开创出新的表现形式，专辑中高层次的技术展现，使得团员纷纷成为各方注目的焦点，也使得这张专辑顺理成章地成为前卫金属史上的经典代表作，也是所有前卫金属乐迷奉为「圣经」的必备专辑。

Dream Theater成立於80年代中期，最初的团名为Majesty，由三位出自美国波士顿著名的Berklee音乐学院的吉他手John Petrucci、鼓手Mike Portnoy、bass手John Myung，再加上keyboard手Kevin Moore所组成。1986年3月，主唱Chris Collins加入DT，并录制了一张demo。然而由於Chris的嗓音无法胜任DT的要求，不久离开了DT。87年新任主唱Charlie Dominici加入，团名也正式更换为Dream Theater，同年11月发行了具有历史意义的第一张专辑《When Dream And Day Unite》。专辑具有极佳的音乐性和技巧性，并已展露出DT特有的编曲特色，然而这张专辑却是叫好不叫座，惨淡的销售成绩使乐团面临多方面的问题。由於主唱的音色和演唱实力仍然无法与DT的音乐相契合，於是被要求离去。

91年新任主唱James Labrie加入乐团，其出色的音色和厚实的嗓音与DT成为完美的搭配，至此DT可算是有了最完整的阵容。果然，在92年的专辑《Images and Words》推出后获到相当大的回响，不仅将乐团的声望带上高峰，也正式宣告前卫金属时代的来临！

在这张专辑中，所确立的复杂编曲样式、吉他键盘对弹，以及丰富多变的节奏，无一不成为日后大多数新生代乐团所仿效的对象。Petrucci快速流畅的吉他技巧令人赞叹，keyboard手Kevin Moore深厚的弹奏实力，在专辑中如《Take the time》、《Under a glass moon》等歌曲里，都展示了与吉他对拍竞飙的绝佳风范，而在《Another day》、《Surrounded》曲中却也有著极其柔美而令人动容的抒情手腕。鼓手Mike Portnoy灵活且复杂多变的鼓点，总是带给听者无比的惊奇感(光看他的鼓具就觉得很不可思议)。而bass手John Myung则同样身手不凡，除了与鼓紧密搭配，也能和吉他键盘做对弹。当然主唱James Labrie的演唱功力与乐团的搭配也只能用「完美」来形容了！

94年第三张专辑《Awake》的推出，可说更确立了Dream Theater在前卫金属乐界王者的地位。此张专辑延续前一张《Images and Words》的技术导向，并更上一层楼。不仅编曲极为复杂，在篇幅上亦增长不少，其中还包含了近三十分钟的三乐章式串连组曲，堪称是一部绝作！一般第一次接触到这张专辑的人，或许会觉得乐曲过分冗长且艰深难懂，然而对於所有前卫金属的乐迷来说，这张专辑无疑是一部极品中的极品，值得细细去品味。在我听了这么多的前卫金属专辑后，回过头来再听这张专辑时，依然还是再次地被感动。在我心目中，大概很难再找到一张作品能超越《Awake》的技术表现及其成就了！

不过，令人遗憾的是，在94年8月，keyboard手Kevin Moore由于音乐方向上的分歧而离开DT(后来跑去Fate Warning，并参与专辑《A Pleasant Shade Of Gray》，目前已自组乐团Chroma Key)，此一空缺在几经波折后，确定由新任的keyboard手Derek Sherinian入替，让人不禁为DT未来的发展感到忧心。

95年所发表的EP《A Change of Seasons》，除了第一首《A Change Of Seasons》为创作曲外，其他四首则是收录自一次在英国伦敦Ronnie Scott's Jazz Club的现场演出。其中有三曲分别为翻唱自Elton John、Deep Purple及Led Zeppelin的作品，而第五首《The Big Medley#10:34》更是取自Pink Floyd、Kansas、Queen、Journey、Dixie Dregs、Genesis六首歌所混合而成的组曲，藉由这几首翻唱的曲子，算是表达了DT对这些陪伴他们成长的老前辈们的敬意。 长达23分钟的同名曲《A Change of Seasons》，是由七个段落所组成的叙述长篇曲，戏剧性的编曲、丰富的情感，加上畅快的旋律实在令人荡气回肠！这种深沉的感觉似乎是在DT过去的作品中所不曾听到的，这也预示着DT的成熟期的即将来临！

沈寂了两年的Dream Theater，在全球前卫乐迷的引颈盼望下，终於在97年10月推出了第五张的正式专辑《Falling Into Infinity》。然而这张专辑的推出却得到了极端两极化的评价。相较於之前的作品，此张专辑的风格改变相当地大，不再完全只侧重於乐器编曲与技巧的高复杂度，反而更加重了整体气氛的营造与旋律的优美感，同时音色上则变得较为沉重。在keyboard方面，新任的Derek Sherinian表现十分称职，不同於以往keyboard与吉他并重的突出表现，在此张专辑中不强调keyboard的solo，而是在音色的润饰与气氛的营造上下了相当多的功夫。不过，DT过去的一些表现手法和精神依旧是继续存在的，如专辑中的《Just Let Me Breathe》，正是延续过去专辑的复杂特色，快速流畅的吉他弹奏，厚重的bass与大量变拍的鼓点，keyboard亦展现了与吉他对飙的能力，整体的表现仍维持在《Awake》时期的水准。而《Hell's Kitchen》与《Lines In The Sand》两首共16分钟的乐曲及末尾13分钟的《Trial Of Tears》则再次展现DT在长篇幅编曲上的功力。演奏曲《Hell's Kitchen》不但相当优美且气势磅礴，《Lines In The Sand》兼具了重量感与优美旋律，而《Trial Of Tears》全曲由三个段落所组成，并一气呵成，这首乐曲指明了Dream Theater试图前行的新方向。

然而，并不是所有的乐迷都能接受DT这样的改变，有人认为这张专辑已经变了味道，不再是过去所熟悉的Dream Theater了。特别是keyboard手Derek Sherinian个人对於键盘音色的偏好，也使DT的新作显得十分沈重；另一方面，有人则乐于看见DT有这样的改变。因为一个乐团不能永远一陈不变，否则终会陷入窠臼。而对我来说，虽然我也喜欢这张专辑，不过我还是很怀念过去的DT。听惯了《Images and Words》的人可能得花点时间才能适应这张专辑了！(或许无法适应？)

在FII专辑发行后，吉他手John Petrucci和鼓手Mike Portnoy乘著空档的时间，邀来了King Crimson的bass手Tony Levin，与Dixie Dregs的keyboard手Jordan Rudess合组了一个project乐团Liquid Tension Experiment，并在98年发表了同名的演奏专辑。这张专辑的推出立刻受到了极广大的好评！专辑中展现了在DT过去的作品中所鲜少听到的活泼作风与丰沛情感，四位音乐大师尽性地挥洒与相互激荡，没有太多刻意的雕琢，一切都是那样地自然而令人动容！

另一方面，Bass手John Myung与keyboard手Derek Sherinian也没有闲著，亦组了project乐团Platypus，并出版了专辑《When Pus Comes To Shove》。

在LTE这张专辑成功的合作经验后，DT的成员也深刻认识到到Jordan Rudess的作曲编曲能力对他们的影响；另一方面，在DT的成员之中，显然keyboard手Derek的作风与DT的风格不太符合，实力也是最弱的一环，於是Jordan Rudess也正式取代Derek Sherinian成为新任的keyboard手，DT也希望Jordan Rudess的加入能让他们走向新的里程！

99年，DT的团员可说动作频频，project乐团Liquid Tension Experiment继续推出了第二张的专辑，此外，主唱James LaBrie也以project乐团的形式发表了个人专辑《Mullmuzzler/Keep It To Yourself》，这两张专辑都属必备级！

不过，真正的高潮好戏在99年末才上演！Dream Theater的第6张录音室作品《Metropolis Part 2: Scenes From A Memory》在10月底正式推出，这张专辑的发表再次引起前卫金属界的极大震撼！原本认为《Awake》这张作品已是最高境界的极致之作，想不到新生的DT再次超越了自我！在历经了LTE两张专辑的洗礼后，Dream Theater以这张长达70多分钟的长篇概念式专辑做为世纪末迎接千禧的最佳献礼，果然不愧为前卫金属之王！再次由衷地赞叹！伟哉！梦剧院！
推荐歌曲：another day （点击下载）

Raito

102.Neo-Psychedelia（Neo-Psychedelia）
        新迷幻包括了一大批从后朋克时期一直到现在的不同类型的艺人们，他们都来源于60年代的形式各异的迷幻音乐。不管他们是表演引起幻觉的迷幻流行（如 the Beatles，早期的 Pink Floyd，和数不清的其他乐队）、受 Byrds 影响的嘈杂的吉他摇滚、充满失真的形式自由的即兴演奏、或者让人神经混乱的音速试验，也不管他们的音乐是已经现代化了的还是完全厚着脸皮照搬最开始的那些艺人的，他们唤起性的异乎寻常的声音都是引起人们幻觉的源泉。有一些新迷幻很明显是吸毒后的产物，而其他的一些则逻辑上是把毒品作为他们怪异的歌词与激进的装扮的补充。新迷幻偶尔也会打入流行音乐的主流中，比如 Prince 80年代中期的作品和90年代 Lenny Kravitz 一些崇尚复兴的作品；但在很大程度上，它还是另类与独立摇滚乐队的领地。新迷幻最初是在70年代末期英国的后朋克背景下出现的，主要的乐队包括 the Teardrop Explodes, Echo & the Bunnymen, 以及 the Soft Boys； 但是除了80年代早期的佩斯利地下运动（Paisley Underground movement）与90年代末期的六大象团体（Elephant 6 collective），大部分后来的新迷幻都来自单独的行为乖张的人士或复兴运动者，而不是以上的背景。其中最著名的包括空幻的澳大利亚金属乐队 the Church，将美妙的旋律、诗一般的歌词与强大有力的三重奏干扰混合在一起的 Nick Salomans Bevis Frond，声音低沉单调的笼罩着吸毒者阴霾的 Spacemen 3，风格诡异的前温和派学院摇滚 Boy Robyn Hitchcock，全然不可思议的 Mercury Rev and the Flaming Lips，以及电子英伦流行乐队Wales Super Furry Animals.

具有该风格的乐队/艺人名单：

Electric Soft Parade

        温和，又见温和这世界已经改变，改变还是固守随便你，世界不会因为你而有一点点变化。这便是固执己见者的微小的悲哀。世界永远不会因为一个人而更改它冰冷的轨道，只有那些逃逸的小流星可以激发人们多少的惆怅和幻想。幻想只是因为自己的无力吧。你看汤姆·怀特（Tom White）青葱稚嫩的脸和略显沧桑的眼神，你便明白了催人老的已经不是岁月，而是可畏的后生。汤姆·怀特和亚里克斯·怀特（Alex White）的“电气温和游行”（The Electric Soft Parade）乐队是英伦新乐队中的又一个佼佼者。汤姆·怀特今年才刚刚18岁而他在队中的哥哥亚里克斯·怀特的年龄也仅仅刚刚满20岁而已。又一班早熟的少年！他们在2002年之前已经以多个队名发行了4张唱片，而在2002年2月发行的《墙上的洞》（Holes In The Wall）算是“电气温和游行”的处子专辑，然而有过一点听觉经验的耳朵，乍听之下便会发现该专辑的大气和成熟，不仅仅超越了他们的年龄，比很多组队多年的乐队的作品也有过之而无不及。
两兄弟的过人天赋充盈在他们的脸上，但是这并非他们得以超越其他人的地方，更重要的一点是乐队强大的凝聚力和二人间的默契和音乐理念上的共通之处。两兄弟一直保持着谦虚的态度，即使处子专辑受到如潮好评后，仍然未骄傲自大口吐狂言。他们低调的作风和音乐上的自信预示出他们对自己所选择的生活方式和音乐风格的笃信。
两兄弟之间的气氛当然不会如他们的音乐那般严谨而封闭。“我爸爸过去吹奏黑管，现在他改弹钢琴了。” 亚里克斯·怀特是两兄弟中比较善谈的，无形中他正式担当了乐队的发言人的角色，“他十分喜欢古典音乐，在他的引导下我们开始听古典音乐，到后来我们也听流行乐和摇滚乐中的经典，比如‘披头士’。”两兄弟早年的听觉经历就这样影响了他们的生活和音乐——他们选择了严谨的英伦摇滚乐。
在英国的青春里漫步徜徉太久，两兄弟没有像其他的少年一样沉浸在大麻和互联网中不省世事，他们一直在寻找一个将青春的血液输导出来的渠道。音乐无疑是上上之选了。亚里克斯总是微笑着说：“这个过程太自然了，以致于我们也是到后来才发现我们和邻居家的孩子选择了不同的方式来度过青春期。因为我们一直在听音乐来着，所以音乐很自然地侵占了我们的大部分时间。这一切都要感谢我们的父亲，如果他是一个酒鬼的话，那么我们两兄弟十有八九正在桥下醉酒呢。做音乐总比在冰冷的公园里喝酒好得多吧，这就是我们最初的想法。我们演奏那些我们自己创作的歌曲，最初有各式各样的风格，都是一些模仿之作罢了，现在不知道都丢到哪里去了。我们开始举办一些小型派对，找一些伙伴和同学来参加。其实我们的真正目的当然是给自己一个表演的机会。”
他们就这样沿着温和的道路走来，无意中奏出了清新可人的音乐，成了别人眼中的又一个传奇。


面对黑暗的沉默
“电气温和游行”永远不会成为那些最时髦的乐队中的一员，尽管他们刚出道不久就获得了几项“水星”（Mercury）奖提名。他们只是那样的孩子：他们爱极了那些默默无闻的独立乐队，然后在内心的感召下组建了自己的音乐，尽管小有所成，但是依然天真烂漫；做音乐，不为名，不为利，只因为心中有很多对生命和音乐的爱与敬畏要表达。“电气温和游行”让人想起那些在上个世纪90年代中期风光无限的独立乐队，他们无意中一直秉承着那一脉幽幽的薪火。
怀特兄弟太腼腆了，他们是“性手枪”乐队对面的兄弟组合，向人们透露出另一类英伦少年的风情。他们站在人群中，仿佛邻家男孩，几乎没有人能将他们与观众区别开来。乐队翻唱自“猫王”艾尔维斯的《总在我心》（Always on my Mind）显得青葱无比，没有美国人的纸醉金迷般令人颤抖不止的快感，而多出几分远欧雨云的冰凉和湿润。这首歌是乐队专门为取悦于听众而演唱的，温和的他们几乎让人们相信他们没有任何的态度和怨气。而《面对黑暗的沉默》（Silent To The Dark），则真正绽放出乐队的少年本色，仿佛要将人们带到少年聚会去一般，让满天满地的少年式的欣喜弥散开来，且时时闪现出平克·弗洛伊德般的神韵。《最终空虚》（Empty at the End）以貌似愚蠢的流行欢乐开幕，直到忍不住爆发出略带神经质的吉他音效，才宣告了玩笑的终结，青春的开始。
人们可以找到许多证据来表明“电气温和游行”并非泛泛之辈，但是他们从来不需要这些。又有人称他们为独立音乐的新的鼓吹者，但是他们偏偏从不言语。他们只是演唱，演唱，为每一个面对黑暗选择沉默的少年和城市。

寻找来时的路
怀特兄弟曾组建过一支名为“Feltro Media”的乐队，并以这个名字发表了三张专辑，算起来“Feltro Media”应当算作“电气温和游行”的前身。“Feltro Media”发行的第三张唱片引起了英国新锐独立厂牌“db Records”的注意，随后在2001年年初被该厂牌网罗到旗下。
在BBC电台的访问中，兄弟两个透露他们是在10岁左右的时候发现自己的音乐才华的。在此之前两人也曾做足了钢琴方面的功课。两人更是声称古典方面的训练培养了他们良好的音乐素养。
尽管音乐上羽翼渐丰，少年怀特兄弟却有不为人知的烦恼——队名与美国一支乐队同名，如果不改名字，乐队将面临法律上的纠葛，经过一番争论后，两人决定将乐队改名为“电气温和游行”。天不遂人愿，正当乐队蒸蒸日上之时，却不得不面对失去队友的尴尬现实——贝斯手在摇滚乐与学业的两难选择间，选择了后者。两兄弟宁缺毋滥，在找不到理念相同的新贝斯手的情况下，决定自己两人独立完成唱片的录制工作。
任何情况下，亚里克斯总会考虑可能碰到的最艰难的状况。他说：“事实的情况是，所有的挫折和争吵都是狗屎，它们令我们迷失前行的路，令我们犬儒地回忆从前的好时光。而我们在这种情况下，所应当做的永远是继续努力。”
总而言之，乐队感觉自己的经历已经足够了。“在过去的一年里，我们成长得很迅速，很多人和事在生命中匆匆而过，都留下了历久弥新的印象。我们渴望着能将这些生命的经历写进我们的唱片中去，那是永久的纪念。” 亚里克斯说。
2001年4月，《面对黑暗的沉默》正式发行了。成功的喜悦将怀特兄弟两人心中的不快全部冲洗干净了。那些听过这张唱片的人众口一辞地认定：乐队将是英伦乐队新一波中的领军人物，其成熟大气的表现令人激赏。
录制完《面对黑暗的沉默》以后，由于外界的评论相当好，乐队马不停蹄地开始了录制处子专辑的准备工作。这时候乐队终于找到了新的贝斯手马特和新加入的键盘手斯蒂文，“电气温和游行”的音乐由此更加丰满和流畅。
如果说《面对黑暗的沉默》是一个良好的开端的话，那么《墙上的洞》则是一张继往开来的唱片。它的出版使得“电气温和游行”在英伦新生代乐队中举足轻重的地位得以正式确定。
两名音乐才俊最兴奋的却是后来在日本富士摇滚音乐节上遇到了原“涅槃”乐队的戴夫·格罗尔（Dave Grohl）。戴夫作为90年代风云一时的“涅槃”乐队的一员被两兄弟认为是一个大人物。或许，他们内心里也在做着同样的梦吧——有一天成为一代天骄，影响整个世界的音乐流向。
如今，“电气温和游行”已经开始进入一流的国际音乐节进行演出了。在英国，在欧洲，他们已经是年轻一代新的效仿榜样了。

推荐歌曲：A Beating Heart （点击下载）